偉大なロバート・リーマンを思い出して

アメリカの画家ロバート・ライマンが88歳で亡くなりました。彼の死は、彼のギャラリーからの声明で発表されました。独学のアーティストであるライマンは、50年以上にわたり観客を魅了し、喜ばせ、困惑させてきた広大な作品群を創作しました。彼の絵画の大多数は主に白でした。しかし、ライマンは常にそれらが「白い絵画」として意図されているわけではないと指摘しました。むしろ、彼はそれらを、白という色が他のものを可視化する手段として利用された絵画と説明しました。彼自身が物事を明らかにしようとしていたわけではありません。彼には社会的、政治的、または知的なアジェンダはありませんでした。むしろ、彼は絵画が自らを明らかにすることができる状況を創造していました。彼は、白が他の色よりもより啓示的であると信じていました。彼はその効果を白いシャツにコーヒーをこぼすことに例えました。「コーヒーは非常に明確に見えます」と彼は言いました。「暗いシャツにこぼすと、あまり見えません。」彼の絵画の白さによって何が明らかにされるのかという質問について、ライマンは寛大にそれを観客に委ねました。彼は「絵画とは、人々が見るものそのものである」と言いました。数十年の間、人々は彼の絵画の中であらゆる種類のものや非物を見たと報告しています。ある人はコットンボールや雲の形を見たと言い、他の人は絵画の技術的プロセスの概念的表現を見たと報告しています。多くの人は、彼らが見るものを抽象的だと表現しました。しかし、ライマンは自分自身を抽象画家とは考えていませんでした。彼は自分の絵画を自己参照的なオブジェクトと見なしていました。「私が語る必要のある象徴や物語はありません」と彼は言いました。この点に関する彼の穏やかな主張は、絵画の永遠の重要性の完璧な大使となりました。彼は、単一の色の使用からほとんど逸脱することなく、数百の美しい絵画を制作することで、無限のバリエーションの絵画がまだ作られるのを待っていることを否定できない形で証明しました。

絵画、写真ではなく

ロバート・ライマンは1930年にテネシー州ナッシュビルで生まれました。大学を卒業した後、彼は米国陸軍で音楽家として勤務し、朝鮮戦争中に陸軍予備軍のバンドで演奏しました。1953年にニューヨーク市に移ったとき、彼は画家ではなくジャズミュージシャンになるつもりで移住しました。彼はそれまで美術の授業を受けたことがありませんでした。彼の主な野望は、創造的な生活に完全に集中できるように、できるだけ責任の少ない仕事を見つけることでした。ライマンは近代美術館で警備員としての職を受け入れました。そこで彼は初めての絵画を見ました。最初、彼は自分が見ているものが絵画であるとは気づきませんでした。彼は美術館の壁に掛かっているものを絵としてではなく、写真として見ていました。彼はそれらの表面や素材を、絵が伝えようとしている主題に対して二次的なものと見なしていました。

ロバート・ライマン - アテンダント、1984年。オイル・オン・ファイバーグラス、アルミニウム、ボルト、ネジ。51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131.8 x 119.4 x 5.4 cm)。Anneとシド・バス基金。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン

彼の心は、マーク・ロスコの絵画を初めて見たときに変わった。ライマンは言った。「私はそれまでそのような絵画を見たことがなかった。私はずっと絵を見ていたが、ここにはまったく異なる感覚のものがあった。」ロスコは自分の絵画を絵だとは考えていなかった。彼はそれらを超越的なゲートウェイだと見なしていた。彼は、表面、絵の具、色、質感、光、そして絵画の物理的な周囲がすべて同じ体験の一部であることを意図していた。彼は観客に絵画を「見る」のではなく、それらの体験に没入してほしいと望んでいた。彼の絵画を考察することを通じて、ロスコは観客が瞑想的な状態に入ることを望んでいた。それが彼の作品の本当の目的だった。「彼が何をしているのかはわからなかった」とライマンは言った。しかし、ライマンはその時点から絵画と絵の本質的な違いを少なくとも認識していた。この啓示に触発されて、彼はハードウェアストアに向かい、人生で初めて絵の具と描くための表面を買った。

ロバート・ライマン - ブリッジ、1980年。キャンバスに油と錆防止塗料、4つの塗装された金属ファスナーと四角いボルト。75 1/2 x 72 インチ (191.7 x 182.8 cm)。コンラッド・フィッシャー、デュッセルドルフ、トーマス・アマン、チューリッヒ、現所有者によって上記から取得。© 2019 ロバート・ライマン

決して実験をやめない

学術的なアートの世界に参加したことがなかったため、ライマンは絵画を作る方法に対する理解を妨げる可能性のある偏見から解放されていました。彼はあらゆる可能性に心を開き、表面に絵具を塗るプロセスを単純に楽しむ喜びを自分に許しました。彼はさまざまな道具の感触、さまざまなメディウムとの相互作用、そしてそれらのメディウムがさまざまな表面をどのように変化させるかに魅了されました。彼の最初の絵画はほぼモノクロで、主に緑またはオレンジでした。しかし、支配的な色だけが唯一の色ではありません。「無題（オレンジの絵）」(1959)は、黄色、赤、緑、青の斑点で彩られています。オレンジは観客が最初に目にするものかもしれませんが、その後すぐに、目、そして心は作品の矛盾に引き寄せられます。

ロバート・ライマン - 無題（オレンジの絵画）、1955年および1959年。キャンバスに油彩。28 1/8 x 28 1/8インチ（71.4 x 71.4 cm）。ジョー・キャロルとロナルド・S・ラウダーからの部分的かつ約束された贈り物で、デイヴィッド・ロックフェラーの100歳の誕生日を祝して。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン

その矛盾が、ライマンを白という色に惹きつけた要因であり、それは非常に鮮やかなコントラストを提供した。しかし、白という色に非常に依存していたにもかかわらず、ライマンは彼の初期の作品に影響を与えた実験的な感覚を失うことはなかった。彼は、制限が創造性を生むという考えの生きた証拠だった。彼は白にこだわったが、数十の媒体を使用した。彼は正方形のフォーマットにこだわったが、サイズは数インチ四方の小さな絵画から、実質的に正方形の壁に至るまで様々だった。彼は描く表面の種類に多様性を見出し、絵画が壁にどのように取り付けられるかを実験した。彼が変えなかった唯一のことは、彼の絵画が展示される状況だった。彼の絵画が適切に機能するためには、清潔な白い壁のギャラリーの壁に標準的な照明で展示される必要があると彼は信じていた。彼の展示の伝統主義は、すべての絵画には自ら表現したい何かがあるという信念に根ざしていた。「絵画は完成するために特定の敬虔な雰囲気を必要とする」とライマンはかつてArt21に語った。「それは自らを明らかにするための状況に置かれなければならない。」

特集画像: ロバート・ライマン - 無題, 1965年。エナメル、ブリストルボード。7 3/4 x 8 1/8インチ (19.7 x 20.6 cm)。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン
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フィリップ Barcioによる