偉大なロバート・リーマンを思い出して

アメリカの画家ロバート・ライマンが88歳で亡くなりました。彼の死は彼のギャラリーからの声明で発表されました。独学の芸術家であったライマンは、50年以上にわたり観る者を魅了し、喜ばせ、困惑させてきた膨大な作品群を生み出しました。彼の絵画の大部分はほとんど白一色でした。しかしライマンは常に、それらが「白い絵画」と意図されたものではないと強調していました。むしろ、白という色を用いて他のものを見えるようにするための絵画だと説明していました。彼自身が何かを明らかにしようとしていたわけではありません。社会的、政治的、知的な意図は持っていませんでした。むしろ、絵画が自らを現すことができる状況を作り出していたのです。白は他の色よりも啓示的であると彼は信じていました。その効果を白いシャツにコーヒーをこぼすことに例え、「コーヒーが非常に鮮明に見える。暗いシャツにこぼすと、あまり見えない」と語りました。彼の絵画の白さによって何が現れるのかという問いに対しては、寛大にも観る者に委ねていました。「絵画とは、人々が見るものそのものである」と彼は言いました。何十年もの間、人々は彼の絵画の中にあらゆるもの、そして無のものさえも見出してきました。綿の塊や雲の形を見たという人もいれば、絵画の技術的過程の概念的表現を見たという人もいます。多くは抽象的なものと表現しましたが、ライマン自身は自分を抽象画家とは考えていませんでした。彼は自分の絵画を自己言及的な対象と見なしていました。「伝えなければならない象徴や物語はない」と彼は言いました。この点を穏やかに主張する彼は、絵画の永遠の重要性の完璧な使節となりました。単一の色の使用からほとんど逸脱することなく、数百点の美しい絵画を制作することで、ライマンは無限の多様な絵画がまだ生み出されるのを待っていることを否定できない形で証明しました。

絵画であり、絵ではない

ロバート・ライマンは1930年、テネシー州ナッシュビルで生まれました。大学卒業後、朝鮮戦争中に予備役軍楽隊の一員として米陸軍に従事しました。1953年にニューヨーク市に移った際、彼は画家ではなくジャズ音楽家になるつもりでした。これまで一度も美術の授業を受けたことはありませんでした。彼の主な願望は、できるだけ責任の少ない仕事を見つけて創作活動に専念することでした。ライマンは近代美術館の警備員の職を受けました。そこで初めて絵画を目にしました。最初は、それが絵画であるとは気づきませんでした。美術館の壁に掛かっているものを絵と見なしていました。表面や素材は、絵が伝えようとする主題に比べて二次的なものと考えていました。

ロバート・ライマン - アテンダント、1984年。油彩、ガラス繊維、アルミニウム、ボルトとネジ。51 7/8 x 47 x 2 1/8インチ（131.8 x 119.4 x 5.4 cm）。アンとシド・バス基金。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン

彼の考えが変わったのは、マーク・ロスコの絵画を初めて見た時でした。ライマンは「それまで絵をそういう風に見たことはなかった。ずっと絵画を見ていたが、これは全く違う感覚だった」と語りました。ロスコは自分の絵画を絵とは見なしていませんでした。彼はそれらを超越的な入り口と考えていました。絵の表面、絵具、色彩、質感、光、そして物理的な環境すべてが同じ体験の一部であることを意図していました。観る者が絵を「見る」のではなく、その体験に没入することを望んでいました。ロスコの絵画をじっと見つめることで、観る者が瞑想的な状態に入ることを期待していたのです。それが彼の作品の本当の目的でした。「彼が何をしているのか分からなかった」とライマンは言いました。しかしその時から、絵画と絵の本質的な違いを少なくとも認識するようになりました。この啓示に触発され、彼は初めて画材店に行き、絵具と描くための面を買いました。

ロバート・ライマン - ブリッジ、1980年。油彩と防錆塗料、キャンバスに四つの塗装された金属留め具と四角いボルト。75 1/2 x 72インチ（191.7 x 182.8 cm）。コンラッド・フィッシャー（デュッセルドルフ）、トーマス・アマン（チューリッヒ）、現所有者が上記から取得。© 2019 ロバート・ライマン

実験をやめない

学問的な美術界に参加したことがなかったライマンは、絵画の制作方法に関する偏見にとらわれることがありませんでした。彼はあらゆる可能性に心を開き、単に絵具を面に塗る過程を楽しむことを許しました。様々な道具の感触、それらが様々な媒介物とどのように作用し、それらの媒介物が様々な面をどのように変化させるかに魅了されました。彼の最初の絵画はほぼ単色で、主に緑やオレンジでした。しかし支配的な色だけが色ではありませんでした。1959年の「無題（オレンジの絵）」は黄色、赤、緑、青の斑点が散らばっています。オレンジが最初に目に入りますが、すぐに目と心は作品の中の矛盾に引き寄せられます。

ロバート・ライマン - 無題（オレンジの絵）、1955年および1959年。油彩、キャンバス。28 1/8 x 28 1/8インチ（71.4 x 71.4 cm）。ジョー・キャロルとロナルド・S・ラウダーによる分割および約束の贈り物、デイヴィッド・ロックフェラーの100歳の誕生日を記念して。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン

これらの矛盾こそが最終的にライマンを白色に惹きつけました。白は非常に鮮明な対比を提供したからです。それでも、白色に大きく依存しながらも、ライマンは最初の作品に見られた実験精神を失いませんでした。制限が創造性を生むという考えの生きた証拠でした。彼は白に固執しましたが、数十種類の媒介物を使いました。正方形の形にこだわりましたが、サイズは数インチ四方の小さなものから、ほぼ正方形の壁一面の大きさまで変化させました。描く面の種類に多様性を見出し、絵画を壁に取り付ける方法も試みました。唯一変えなかったのは、絵画が展示される状況でした。彼は、絵画が正しく機能するためには、清潔で白い壁のギャラリーの壁に標準的な照明で展示される必要があると信じていました。彼の展示における伝統主義は、すべての絵画にはそれ自体が表現したい何かがあるという信念に基づいていました。「絵画は完成するためにある種の敬虔な雰囲気が必要だ」とライマンはかつてArt21に語りました。「それが自らを現すことができる状況に置かれなければならないのです」

特集画像：ロバート・ライマン - 無題、1965年。エナメル、ブリストルボード。7 3/4 x 8 1/8インチ（19.7 x 20.6 cm）。MoMAコレクション。© 2019 ロバート・ライマン
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執筆：Phillip Barcio