抽象表現主義のデンマザー - ベティ・パーソンズ

Betty Parsonsが亡くなったのは35年前、私が13歳のときでした。私は彼女を知りませんでした。理論的には、会おうと思えば会えたのだと思います。けれど、彼女が存在することを知ったのは、あまりにも遅すぎました。Parsonsを知ることができなかったと後悔している人は、きっと大勢いるのでしょう。彼女はモダンアートの革命家でした。本人はそうなるとは思いもしなかったでしょうが、彼女の生き方は私に、そして私と同世代の多くの人々に、アートにおける新たな本物らしさと卓越性のモデルを追い求めるよう促しました。非営利のアート・コレクティブから、アーティストが運営するプロジェクト・スペース、実験的な美術館まで、今日のアート界には、大きな利益よりも優れたアートを重視する人々や場所があふれています。その遺産に対して、私はParsonsに感謝しています。しかし彼女については、最も権威あるアート誌で、私よりはるかに優れた書き手たちによって、すでに幅広く論じられています。私が新たに報告できることは何もありません。それでも、彼女は私の魂が敬愛する意味で唯一無二の存在だったので、私はやはり書いてみたいと思います。彼女の愛称である「抽象表現主義の母」は、Grace Lichtensteinが執筆した1979年のARTnewsの記事に登場しました。この呼び名は、アメリカで誰も彼らの作品を支援し、育て、展示しようとしなかった時代に、ParsonsがMark Rothko、Hans Hofmann、Jackson Pollock、Clyfford Still、Barnett Newmanを信じ、支え、紹介したことに由来します。この記事はまた、アーティスト、愛好家、そしてビジネスパーソンとしてのParsonsが備えていた複雑さと深みも明らかにしています。一方、アーティストのHelène Aylonが1977年にParsonsに行ったインタビューは、Judith Steinによって2013年にArt in America Magazineで全文掲載され、ひとりの人間としてのParsonsがいかに非凡であったかを明らかにするうえで大きな役割を果たしています。Parsonsに敬意を表すために私ができる最良の方法は、実際に彼女と人生を共にした人々が作り上げたこの2つのプロフィールに焦点を当てることだと思います。ここでは、その中から抜粋した、Parsonsが私にとって個人的な英雄となった10の言葉を紹介します。それらは、アートの制作と鑑賞において何が大切なのかを思い出させてくれるからです。

「ありがたいことに、今日はいかなる『イズム』も存在しないようです。私は流行が嫌いです」

私たちはしばしば、今日の運動に名前を付けようとします。なぜそうするのでしょうか。ラベルを付けると、特に十分な教育や真の鑑賞眼を持たない人々にとって、商品を売りやすくなるからです。Parsonsは流行を信じるのではなく、良いものを優先し、異なるものの中に喜びを見いだしました。

「私はいつも、私が『見えない存在』と呼ぶものに魅了されてきました。この世界で最も永続するものは見えないものです。そこから逃れることは決してできません」

市場で売りやすいアイデンティティを持つこと、あるいは現代の観客に人気のある特定のテーマについて作品を作ることによってしか成功できないと考えるアーティストもいます。Parsonsが注目したのは未知のものでした。明白なもののアートを広めるのではなく、隠されたものを明らかにするアートに惹かれたのです。

「私は緊張感を信じています。絵を描いていて、そこに緊張感がなければ、興奮もありません」

作品における緊張感は、鑑賞者には認識できない何かから生まれることがあります。あるいは、下品、粗野と見なされるものから生まれることもあります。また、私たちが単純に美しいとは感じないものから生まれる場合もあります。Parsonsはこうしたものから目をそらすのではなく、受け入れました。そして、自分自身に成長を促す挑戦の機会をそこに見いだしたのです。

Betty Parsons - Green #1, 1971, キャンバスにアクリル、© 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

「私は重要な絵画に関心があります。家には関心がありません」

Parsonsは、壁も床もむき出しの白い部屋で作品を展示しました。コレクターに購入を促すための余計な努力はしませんでした。彼女は自分の仕事を2つの部分から成るものと考えていました。アーティストの誠実さを広めること、そして作品がソファの上に飾られたときにどれほど見栄えがするかとは無関係の理由で、その作品には価値があると大衆に納得させることです。

「こんなに富を抱え込みたくはありません。死ぬほど退屈するでしょう」

Parsonsは上流社会に生まれましたが、富にまつわるものを拒みました。大恐慌ですべてを失った後、彼女はゼロから出発しました。その後の50年間、彼女はたびたび請求書の支払いに苦労しました。明かりを灯し続けられるだけの作品を、自分の作品も、彼女が扱ったアーティストたちの作品も、十分に売り、それを経済的成功の定義と考えていました。

「抽象の世界は、人物が描かれていないという理由で冷たいと考えられていました。しかしそこには、炎、エネルギー、自然、光、空間があり、それらすべての価値に集中していたのです」

Parsonsには、自分自身の審美眼を信じる自信がありました。ほとんどのアメリカ人よりはるか以前から、彼女は抽象を理解していました。アート界の他の人々が何を言おうと、何をしようと、自分のビジョンを信頼したのです。

「私はいつも時代の10年先を行っていました。それが私の人生の物語です」

経済的に成功していないと、自分のしていることには価値がないからだと思いたくなるものです。Parsonsは、誰もあなたの作品を買わないことがあるのは、それを認識できないから、つまりそれが未来のものだからだと理解していました。

Betty Parsons - Challenge, 1976, キャンバスにアクリル（左） / Sputnik, 1961, キャンバスにアクリル（右）、© 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

「常にアートと同一化しなさい。アーティストとは決して同一化してはいけません」

Parsonsは一部のアーティストを嫌っていましたが、彼らの作品を深く愛していました。アーティストは好感が持て、社交的で、魅力的である必要はないと理解していたのです。アーティストはセールスマンでも政治家でもありません。作品そのものが語るのです。

「［私が扱うアーティストたちは］進むにつれて、より自由に、より創造的になっていきます。私はいつもそれを奨励してきました」

売れるスタイルを見つけたら、それに固執するようアーティストに勧めるギャラリストもいます。Parsonsは、自分が展示するアーティストたちに挑戦を促しました。より良くなるためには、躍動性と成長が重要であり、売上はアートキャリアにおいて最も重要度の低い側面だと信じていたのです。

「私たちは皆、すべての一部です」

Parsonsは、社会問題についての自分の信念をたびたび尋ねられました。この言葉は、そのような質問のひとつに対する彼女の答えでした。アートには、私たちを隔てるものよりも、私たちに共通するものの方がはるかに多いという現実を明らかにする力があることを、彼女は知っていました。この言葉は、私に最も大きな影響を与えました。忘れてしまうのはあまりにも簡単なので、何度でも繰り返す価値があります。

Betty Parsons - Requiem, 1963, キャンバスにアクリル、© 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

掲載画像: Betty Parsons - Orange, 1956, キャンバスにアクリル、© 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
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著者 Phillip Barcio 2018
編集 IdeelArt（2026年）