グッゲンハイム美術館 presents: ジャクソン・ポロックの壁画

最も物語のあるアメリカの絵画の一つが、22年の不在を経てマンハッタンに戻ってきます。 “ミューラル”（1943年）を ジャクソン・ポロック が描いたこの作品は、2020年10月3日から2021年9月19日までニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で展示されます。この「集中展示」（つまり、展示される唯一の作品です）は、ロサンゼルスのゲティ保存研究所での2年間の清掃と保存作業を経て、6年間の世界ツアーの最新の停留所です。再調整された345ポンド、2.5 x 6メートルの絵画は、2015年にイタリアのヴェネツィアにあるペギー・グッゲンハイム・コレクションでの展覧会「ジャクソン・ポロックのミューラル：エネルギーを可視化する」でデビューしました。それ以来、ベルリン、マラガ、ロンドン、カンザスシティ、ワシントンDC、ボストンなどの美術館を巡回しています。ニューヨークでの滞在の後、「ミューラル」は技術的にはその恒久的な居所であるアイオワ大学美術館に戻ります。（ペギー・グッゲンハイムは1951年にこの絵画をハウキーズに寄贈しましたが、彼女の第一希望であるイェール大学の学生たちがそのオファーを辞退したためです。）しかし、マンハッタンは「ミューラル」の真の故郷としての主張を常に持ち続けることができます。ポロックは、グッゲンハイムから彼女が住んでいたイースト61丁目のアパートビルの長く狭いロビーに掛ける作品を依頼されて、ローワー・マンハッタンのスタジオでこの作品を描きました。この依頼が、ポロックが非客観的絵画の美術館での保存者としての昼間の仕事から、フルタイムのアーティストへと移行することを可能にしました。「ミューラル」が代表する抽象の画期的な成果や、ポロックが1日で描いたという今は否定された神話など、すでに多くのことが書かれています。この画期的な絵画のニューヨークへの帰還に向けた準備の一環として、私たちは、ポロックが彼のジェスチャー絵画スタイルを創造するのを助けた見落とされた写真家や、「ミューラル」が定義する持続的な美的遺産など、作品の他の重要な側面を見てみることにしました。

ライトの活用

あなたは、ポロックが現在有名な方法のいくつかが、実際には著名なメキシコの壁画家ダビッド・アルファロ・シケイロスによって先駆けられたという話をすでに聞いたかもしれません。ポロックは1930年代にシケイロスのクラスを受講し、その中で学生たちは、表面にペンキをはねかけることで作品に感情的な力を生み出すことを教えられました。しかし、「ミューラル」には、ポロックが創り出した最初の「オールオーバー」抽象画と見なされる作品において、滴りやはねかけの証拠はほとんどありません。現代の科学的分析によれば、絵画のほとんどのマークは、キャンバスに直接接触する伝統的なブラシによって作られたことが明らかになっています。しかし、「ミューラル」は、ポロックにとって別の技法、すなわちジェスチャーによるマークメイキングの使用において画期的な瞬間を表しています。構図は熱狂的で生物的です：流れるようなジェスチャーの線と形のジャングルです。後年、スタジオで作業するポロックの映像は、彼がダンサーのように全身を使って、彼の絵画がエネルギーと行動の具現化となるようにしていたことを示しています。

ジャクソン・ポロックが壁画の前に立っている (1943) ヴォーグ誌のスタジオにて、約1947年。写真：ハーバート・マッター、スタンフォード大学図書館特別コレクション部提供

もちろん、ジェスチャーの動きは常に絵画の伝統の一部でした。中国のインクアーティストたちは、何世紀も前に描かれたジェスチャーの感情的な可能性を活用しました。「壁画」は、明確に現代的な動きである「アクションペインティング」の先駆者と見なされています。ポロックはこの運動の先駆者ですが、彼のジェスチャーの手法は、別のアーティスト、バーバラ・モーガンという写真家の作品にも影響を受けていました。モーガンは、1930年代にニューヨーク市で現代のダンサーを撮影することで名を馳せ、写真メディアにおける抽象の可能性の初期の支持者でした。彼女は、彼らの動きの流動性に触発され、1940年頃から「光のドローイング」と呼ぶものを作り始めました。彼女はカメラの絞りを開いたまま暗い部屋に設置し、手持ちの光を使ってネガティブ上に「描く」際にジェスチャーの動きを行いました。これらのジェスチャーで抽象的な光のドローイングは、「壁画」の線や形に顕著な類似性を持っています。もちろん、これはポロックの価値を損なうものではありません。彼がモーガンと彼女の光のドローイングに精通していたことを認めるだけであり、これらはポロックが「壁画」を描いたのと同じ年にMoMAで開催された展覧会「アクションフォトグラフィー」に含まれていました。

ジャクソン・ポロック、ザ・シーウルフ、1943年。油彩、グワッシュ、プラスターをキャンバスに使用、106.4 x 170.2 cm。ニューヨーク近代美術館、購入、1944年 © 2020 ポロック＝クラズナー財団/アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク。デジタル画像 © ニューヨーク近代美術館/SCALA/アートリソースによるライセンス

自然を表現する

「ミューラル」は抽象的と見なされているが、構成の中にはいくつかの具象的な内容も見受けられる。ポロックはかつてこの絵を「アメリカ西部のすべての動物、牛や馬、アンテロープやバッファローの群れ」と表現したことがある。構成の中央の少し左に馬の頭がはっきりと見えると言う人もいる。それにもかかわらず、ポロックが現代美術の進化に与えた持続的な影響は、観客がこの作品や彼の他の絵画において知覚するかもしれない物語的内容とは関係がない。むしろ、彼の遺産は彼がどのように絵を描いたかに関係している。それは、彼が自然から描くかどうかという質問に対する彼の有名な返答で要約できる。ポロックは「私は自然である」と答えた。

ジャクソン・ポロックが、彼とLee・クラスナーのイースト・ストリートのアパート、ニューヨークでの壁画のための未塗装のキャンバスと共に、1943年夏。写真：バーナード・シャルト、ポロック・クラスナー・ハウスおよびスタディセンター、イースト・ハンプトン、ニューヨーク、ジェフリー・ポッターの寄贈。

ポロックは、視覚芸術の作品の真の主題が、その芸術自体の視覚的側面の中に含まれている必要はないという概念的な考えを理解しました。彼は、自然を絵で表現するアーティストから、自然の生きた代表者であるアーティストへと飛躍しました。イヴ・クライン、ヨーゼフ・ボイス、グタイグループ、アンディ・ウォーホル、横尾忠則、アラン・カプロウ、ドナルド・ジャッド、リチャード・タトル、キャロリー・シュニーマンといった、さまざまな美的アプローチを持つアーティストたちの立場は、すべてこの同じ反物質主義的な考えに根ざしています。すなわち、美的遺物は創造的行為そのものよりも重要ではないということです。これはポロックの遺産の中で過小評価されている側面であり、彼の作品が地球上で最も高価な物質的なものの中にあるためかもしれません。それでも、私は彼が証明した最も重要なことだと考えています：方法が意味であるということです。

注目の画像： ジャクソン・ポロック - 壁画、1943年。油彩とカゼイン、キャンバスに、242.9 x 603.9 cm。アイオワ大学スタンリー美術館、ペギー・グッゲンハイムの寄贈、1959.6 © 2020 ポロック＝クラズナー財団/アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による