グッゲンハイム美術館 presents: ジャクソン・ポロックの壁画
最も伝説的なアメリカの絵画の一つが、22年ぶりにマンハッタンに戻ってきます。ジャクソン・ポロックの「Mural」（1943年）は、2020年10月3日から2021年9月19日までニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で展示されます。この「焦点を絞った展覧会」（つまり展示される唯一の作品）は、ロサンゼルスのゲティ保存研究所での2年間にわたる修復と保存作業を経て、6年間にわたる世界巡回の最新の開催地です。修復された重さ345ポンド、2.5×6メートルのこの絵画は、2015年にイタリア・ヴェネツィアのペギー・グッゲンハイム・コレクションで開催された「ジャクソン・ポロックの壁画：見えるエネルギー」展で初公開されました。それ以来、ベルリン、マラガ、ロンドン、カンザスシティ、ワシントンD.C.、ボストンなどの美術館を巡っています。ニューヨークでの展示の後、「Mural」は技術的には恒久的な所蔵先であるアイオワ大学美術館に戻ります。（ペギー・グッゲンハイムは1951年にこの絵画をホークアイーズに贈りました。彼女の第一希望であったイェール大学の学生たちがこの申し出を断ったためと言われています。）しかしマンハッタンは常に「Mural」の真の故郷としての権利を主張できるでしょう。ポロックはこの作品を、グッゲンハイムがイースト61丁目の自宅アパートの細長い玄関ホールに飾るために依頼した後、ローワー・マンハッタンの自身のアトリエで描きました。この依頼が、ポロックが非客観絵画美術館の修復士という日中の仕事から、専業の画家へと転身するきっかけとなりました。「Mural」が抽象画の画期的な成果であることや、ポロックが一日で描いたという今では否定された神話など、この作品にまつわる様々な話はすでに多く語られています。ニューヨークでの凱旋展示の準備の一環として、私たちはこの作品に関わるもう一つの重要な側面、すなわちポロックのジェスチャー的な絵画スタイルの創造に影響を与えた見過ごされがちな写真家と、「Mural」が定義づけた持続的な美学的遺産について考察してみたいと思います。
動きの中の光
ポロックが現在知られるいくつかの技法は、実は著名なメキシコの壁画家ダビド・アルファロ・シケイロスによって先駆けられたものであるという話はすでにご存じかもしれません。ポロックは1930年代にシケイロスのクラスを受講し、その中で学生たちは絵の表面に絵の具をはねかけたり飛ばしたりして感情的な力を生み出す方法を学びました。しかし、「Mural」には滴りやはねかけの痕跡はほとんど見られず、この作品はポロックが制作した最初の「全面的な」抽象画と考えられています。現代の科学的分析によると、絵画のほとんどの痕跡は伝統的な筆がキャンバスに直接触れて作られたものです。しかし「Mural」は、ポロックにとって別の技法、すなわちジェスチャー的な筆跡の使用における画期的な瞬間を示しています。構図は激しく生物的で、流れるようなジェスチャー的な線と形のジャングルのようです。晩年のポロックがアトリエで制作する映像は、彼がダンサーのように全身を使い、絵画をエネルギーと動きの具現化にしたことを示しています。
ジャクソン・ポロックがMuralの前に立つ（1943年）、1947年頃、ヴォーグ誌のスタジオにて。写真：ハーバート・マター、スタンフォード大学図書館特別資料部所蔵
もちろん、ジェスチャー的な動きは絵画の伝統の一部であり続けてきました。中国の墨絵の画家たちは何世紀も前から描かれたジェスチャーの感情的な可能性を活用してきました。それでも「Mural」は、特に現代的な動きである「アクション・ペインティング」の先駆けと見なされています。ポロックはこの動きの先駆者ですが、彼のジェスチャー的な手法は別の芸術家、写真家バーバラ・モーガンの作品にも影響を受けています。写真の中に抽象の可能性を見出した初期の支持者であるモーガンは、1930年代にニューヨークでモダンダンサーを撮影して名を馳せました。彼女は彼らの流動的な動きに触発され、1940年頃から「光の描画」と呼ぶ作品を制作し始めました。暗い部屋で絞りを開けたカメラをセットし、手持ちの光を使ってネガフィルム上にジェスチャー的な動きをしながら「描く」という方法です。これらのジェスチャー的で抽象的な光の描画は、「Mural」の線や形と著しく似ています。これはポロックの功績を損なうものではなく、彼がモーガンと彼女の光の描画を知っていたことの証明であり、モーガンの作品はポロックが「Mural」を描いた同じ年にMoMAで開催された「アクション・フォトグラフィー」展に含まれていました。
ジャクソン・ポロック、『シー・ウルフ』、1943年。油彩、グアッシュ、石膏、キャンバス、106.4×170.2cm。ニューヨーク近代美術館蔵、1944年購入 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York。デジタル画像 © ニューヨーク近代美術館/SCALA/Art Resource, New Yorkより許諾
自然の表現
「Mural」は抽象画とされますが、構図の中にはいくつかの具象的な内容も見て取れます。ポロックはかつてこの絵を「アメリカ西部のすべての動物、牛や馬、アンテロープやバッファローの大群」と表現しました。構図の中央左寄りには馬の頭がはっきりと見えると言う人もいます。しかし、ポロックが現代美術の進化に与えた永続的な影響は、この作品や他のどの絵画においても、観る者が感じ取るかもしれない物語的な内容とは無関係です。むしろ彼の遺産は、彼がどのように描いたかに関わっています。彼がかつて「自然から描くのか」と問われた際に答えた有名な言葉、「私は自然だ」に集約されます。
ジャクソン・ポロック、未完成の「Mural」のキャンバスを持ち、リー・クラスナーとのニューヨークのエイス・ストリートのアパートにて、1943年夏。写真：バーナード・シャード、ポロック＝クラスナー邸宅・研究センター所蔵、イーストハンプトン、ニューヨーク、ジェフリー・ポッター寄贈
ポロックは、視覚芸術作品の真の主題は作品自体の視覚的側面に限定される必要はないという概念を理解していました。彼は自然を絵で表現する画家から、自然そのものの生きた代表者である画家へと飛躍しました。イヴ・クライン、ジョセフ・ボイス、具象グループ、アンディ・ウォーホル、小野洋子、アラン・カプロウ、ドナルド・ジャッド、リチャード・タトル、キャロリー・シュニーマンなど、美学的アプローチが多様な芸術家たちの立場はすべて、この同じ反物質主義的な考えに根ざしています。すなわち、美的遺物よりも創造行為そのものが重要であるということです。これはポロックの遺産の過小評価されがちな側面かもしれません。なぜなら彼の作品は地球上で最も高価な物質的なものの一つだからです。それでも私はこれが彼が証明した最も重要なことだと考えています。すなわち、方法こそが意味であるということです。
掲載画像： ジャクソン・ポロック - Mural、1943年。油彩とカゼイン、キャンバス、242.9×603.9cm。アイオワ大学スタンリー美術館蔵、ペギー・グッゲンハイム寄贈、1959年6月 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio著
