ポール・モーゲンセンの体系的絵画
ポール・モーゲンセンは、シンプルな数学的システムに基づいた洗練された視覚的構成を作り出します。彼は、正方形、長方形、線の構造的な配置を通じてそれらのシステムを表現します。彼が作成する各画像は、限られたカラーパレットを使用しており、時には単一の色だけで構成されています。また、各作品は単一の塗料の層のみで構成されています。モーゲンセンは構成を視覚化し、表面に粗いアウトラインをスケッチし、そのアウトラインを塗料で塗りつぶします。最終的に得られたものが、その絵です。色が思ったようにうまくいかなくても、彼は物事を修正したりやり直したりしません。時にはエッジが雑だったり、虫が塗料に埋まってしまったりしますが、それは重要ではありません。プロセスには独自の論理があり、完成品がどのように仕上がるかに関係なく成り立っています。モーゲンセンの行うことのシンプルさにもかかわらず、彼の作品は多くのアートビューワーを困惑させます。特に他のアーティストやアートについて書く責任を担う人々にとっては、特に挑戦的です。彼のシンプルさに何がそんなに驚くべきことなのかというと、それはその誠実さです。彼は本質的に気取らないのです。モーゲンセンは自分が何をしているのかを正確に説明します。彼は数学を使って視覚的構成を発展させ、それを塗ります。他には何も起こっていません。それにもかかわらず、ある人々は彼のシンプルさの中に精神性を見出します。別の人々は哲学を感じ取ります。さらに別の人々は、モーゲンセンがアートの歴史について何かを主張しようとしていると思っています。しかし、モーゲンセンが作品を作るとき、実際にはそれらのことは何も関与していません。彼はミニマリストでもなく、必ずしも抽象主義者でもありません。彼はただの画家であり、システムの無限の可能なバリエーションで作業しているか、あるいは遊んでいるのです。
これはミニマリズムではありません
モーゲンセンに関する最も一般的な誤解の一つは、彼がミニマリストであるということです。このラベルが彼の作品に付けられる理由は理解できます。例えば、彼の最近の展覧会でニューヨークのKARMAギャラリーに展示されていた2つの無題の白い白の絵画を見てみましょう。これら2つの絵画は、モーゲンセンが用いる一般的な構成テーマ、すなわち、空間で区切られた線に配置された正方形と長方形の形状を表現しています。両方の絵画では、形状はあらかじめ考えられた数学的な公式に従って対称的にサイズが増加します。遠くから見ると、絵画は単色に見えます。しかし、近くで見ると、無数の形状が明らかになります。形状を見た後でも、ほとんどの人はこれらの絵画を、例えば具象画と比較してミニマルだと呼びます。しかし、反対の主張も可能です。これらの絵画は、目に見えるものが多く、考えるべきことが多いのです。
ポール・モーゲンセン - カーマ、ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：カーマ、ニューヨーク
テクスチャ、ブラシストローク、塗料の仕上げにはバリエーションがあります。手作りの質感は、キャンバスが塗料を通して見える場所があることを意味します。不透明さと半透明さの違いは、光が構成の異なる部分と異なる方法で相互作用することを意味します。色相は一つだけですが、複数のトーンが明らかです。また、形状に関して考えるべきこともたくさんあります。同じ色相であるため、そのサイズが主な差別化要因となります。心はあまりスケールについて考える機会がありません。しかし、スケールは視覚的世界の最も重要な側面の一つです。モーゲンセンは一つの色相だけを使用することで、彼のアイデアをできるだけシンプルで直接的な方法で表現しています。彼は私たちに彼の数学、ブラシワーク、そして手の安定性を示しています。彼はテクスチャ、トーン、構成の構造の表現を提示しています。これらは神秘的なアイデアではありません。哲学でもありません。これらは物理的世界の一般的な日常の構成要素です。もしそれらが面白くないなら、何が面白いのでしょうか？
ポール・モーゲンセン - カーマ、ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：カーマ、ニューヨーク
アクティブ・ルッキングの技術
彼の作品のシンプルさにもかかわらず、それらはしばしば動きの感覚で活性化されるように見えます。線状の構成は、特に色の関係が際立つときに振動しているように見えることがあります。円形の構成は、時には回転しているように見えます。しかし、モーゲンセンが黄金比やN+1のような数学的戦略を使用して、正方形の螺旋状の形成を作り出す作品が最も活発です。彼は最初に小さな正方形を一つ描き、次の正方形のサイズを選んだ公式に従って増やします。その後、同じ方法で追加の正方形を加え、キャンバスの端を回転させながら中心に向かって移動します。一見すると、絵の全体の表面が幾何学的に爆発しているか、または収縮しているように見えます。それが爆発しているのか収縮しているのかの感覚は、色の関係によって異なります。これは、ハンス・ホフマンの「プッシュ・プル」理論を示しており、ある色が他の色と比較して背景に後退しているように見え、他の色が表面から外に押し出されているように見えることを示しています。
ポール・モーゲンセン - カーマ、ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：カーマ、ニューヨーク
これらの作品に時折見られる活動性にもかかわらず、私はそれらの唯一の真にアクティブな要素は観客にあると感じています。これが私がモーゲンセン自身に対して問題を感じる唯一の点です。私が読んだアーティストとのさまざまなインタビューの中で、彼は一息で人々が作品についてどう思うかは気にしないと言い、次の息では彼の絵画に何か具象的なものを見たとコメントした観客に対して対立的になることについて話していました。アーティストは他の人々が自分の作品で何を見るかを完全にコントロールすることはできないということは明らかです。モーゲンセンや他のアーティストは、画像を必要最低限に削ぎ落とすことでメッセージをコントロールしている、あるいは少なくとも制限していると感じるかもしれません。しかし、人々は自分自身の内面的な思考や感情でアートを活性化する能力において驚くべき存在です。アーティストは他の人々が何を考えたり言ったりするかについて責任を負うべきではありません。しかし、彼らができる最小限のことは、アーティストが知っている以上のものがすべての作品に存在するという避けられない事実に対して責任を受け入れることです。モーゲンセンが創り出したシンプルなシステムから生まれる無限のバリエーションは、彼が筆を置いたときに終わるわけではありません。可能性は観客の体験にまで広がります。アクティブな視覚はアクティブなアートを生み出します。
特集画像: ポール・モーゲンセン - カーマ、ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供 カーマ、ニューヨーク
フィリップ Barcio による
