ジャクソン・ポロックを恐れているのは誰？

私は自然を描かない。私は自然である。 - ジャクソン・ポロック

アートワークの力を判断する一つの方法は、それに対してどれだけの人々が怒りを抱くかを測ることです。憎しみ、嫌悪、混乱、怒りは原始的な感情です。そのような感情を人間から引き出し、彼らを本当に怒らせるためには、アートワークは何か個人的なものとつながる必要があります。

先史時代の洞窟画家が最初の印を残して以来、ジャクソン・ポロックほど一貫して激しい反発を引き起こした画家は少ない。特に、ポロックの60年以上前のジェスチャー抽象画（いわゆるスプラッターペインティング、アクションペインティング、またはドリップペインティング）は、世界で最も物議を醸すアートワークのいくつかであり、同時に嫌われ、愛されている。

それはあなたにどんな気持ちを与えますか？

ポロックの「ナンバー1A, 1948」のような作品の前に1時間立っていると、まるでグループセラピーのセッションを聞いているかのように感じるかもしれません。観客は「私にもできた」とか「私の6歳の子供にもできた」と言います。中には「これをアートと呼ぶの？」とか「これはジョークなの？」と言ったり、「ひどい！」と宣言する人もいます。それでも他の人々はその作品を美しい、瞑想的、超越的、または深遠だと感じます。中には涙を流す人もいます。

人々は「ナンバー1A、1948」に自分自身を見出します。それは、ポロックの他のアクションペインティングと同様に、単に感情的な反応を引き起こすだけでなく、感情の具現化です。それに直面したとき、観客は何かを感じます。だからこそ、彼の死から60年経った今でも、ポロックは歴史上最も影響力があり、語られるアーティストの一人であり続けています。

ジャクソン・ポロック - ナンバー 1A, 1948。油彩とエナメルペイント、キャンバスに、68″ x 8’8″。ニューヨーク近代美術館。購入。© 2013 ポロック＝クラズナー財団/アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク

彼はなぜそんなことをしたのか？

ニューヨークのMoMAでは、彼らの膨大なジャクソン・ポロックコレクションの展示が行われています。「ジャクソン・ポロック：コレクションサーベイ、1934–1954」は、2016年5月1日まで開催されます。この展示は、アーティストの進化するスタイルを探求しており、より具象的な初期の作品から始まり、彼が有名（あるいは悪名高い）になった変革的なジェスチャー絵画に至ります。

抽象芸術の本質的な定義、つまりそれが以前の方法からの出発点となった理由は、物体や風景、人間の姿のような認識可能なイメージを提示しようとするのではなく、観客からの感情的な反応を引き起こす新しいイメージを創造しようとしたことです。抽象表現主義は、シュルレアリスムや第二次世界大戦後の心理学の影響を受けて、その目標を拡大し、観客からの感情的な反応を引き起こすだけでなく、潜在意識、無意識、または原始的なレベルで彼らに影響を与えることを望みました。

ジャクソン・ポロック - 無題（動物と人物）、1942年。グワッシュとインクを用いた紙上の作品。22 1/2 x 29 7/8インチ（57.1 x 76 cm）。ドナルド・B・ストラウス夫妻基金。MoMAコレクション。© 2019 ポロック＝クラズナー財団 / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

彼らはどうやってそれをやったのか?

抽象表現主義者は、観客が自分の潜在意識とつながることを望んでいた隠れたトーテミックなイメージを見つけるために、さまざまな技法を利用しました。多様な方法とメディウムを用いて、彼らは原始的なイメージを具現化し、それをキャンバスに移すための個人的で情熱的な試みに取り組みました。ポロックの象徴的なスプラッター技法は、抽象表現主義の目標を達成するのに非常に成功したため、運動の象徴となりました。抽象表現主義の一般的な理解にとってそれは非常に重要であり、ジェスチャー抽象はしばしばこのスタイルを説明するために同義語として使用されます。

ポロックの手法は、薄い絵の具の層をキャンバスに投げたり、飛ばしたり、注いだりすることを含んでいました。ブラシや棒を使うとき、彼は道具をキャンバスに接触させるのではなく、わずかに上に浮かせていました。彼の制約のない身体性は、完成品にとって重要でした。彼は材料だけでなく、重力、運動量、そして心といった力とも働きました。アクションペインティングは、画像制作の制約された概念から解放される方法を提供します。これは第一世代の抽象表現主義者たちが用いた唯一の技法ではありませんでしたが、最も持続的で認識しやすいものとなりました。

ジャクソン・ポロック- フレーム, c. 1934-38. キャンバスに油彩、ファイバーボードに貼付。20 1/2 x 30" (51.1 x 76.2 cm). エニッド・A・ハウプト基金。MoMAコレクション。© 2019 ポロック＝クラズナー財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク

時の荒廃

ニューヨークのMoMAが現在のポロック回顧展の準備を進める中、博物館は複数の作品の修復という手間のかかるプロセスに着手しました。1970年代初頭以来、行われたメンテナンスは時折の埃払いだけでした。「エコー」、「ワン」、および「ナンバー1A、1948」の3作品の修復には、チームが約18ヶ月を要しました。作業は、絵画の表面を丁寧に清掃することから始まりました。次に、露出したキャンバスの部分が損傷の有無を分析され、細心の注意を払って修復されました。それから、塗料の層が分析され、以前の画像や作品の記録と比較されました。塗料の損失があった部分は、体系的に対処されました。最後に、ストレッチャーが支えられ、修理されました。

作品の修復は、それらを活気と輝きの状態に戻しました。彼らは驚くべきエネルギーを持ち、新しい状態で目撃することがどんなだったのかという疑問を呼び起こします。彼の修復されたアクションペインティングに出会うことは、ポロックがなぜこれほど物議を醸し、人気があるのかを再確認させます。これらのアートワークは、私たちに何かを感じさせるだけでなく、私たち自身の内面とつながります。古代的でありながら現代的な何かです。それは私たちが何でできているのか、そして私たちがまだ何になれるのかを示唆しています。彼らは混沌としていて、醜く、複雑で、層を成し、美しい、私たちと同じように。

特集画像：ジャクソン・ポロック - ステノグラフィック・フィギュア、1942年。リネンに油彩。40 x 56インチ（101.6 x 142.2 cm）。ウォルター・バレイス夫妻基金。MoMAコレクション。© 2019 ポロック＝クラズナー財団 / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク
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