18명의 현대 추상 예술가들이 그들의 혈통에 대해 이야기하다

예술을 가르치는 것은 위험하고 불가능합니다. 그러나 또한 필수적입니다. 예술이 존재하려면, 예술가들은 자신이 무엇이 될 것인지, 그리고 무엇을 창조할 것인지를 배우는 법을 익혀야 합니다. 어떤 이들은 학교에서, 자신과 마찬가지로 결함이 있는 다른 인간들로부터, 그들이 배운 것을 다른 이들과 나누는 위험하고 불가능하며 필수적인 임무를 맡은 이들로부터 배울 것입니다. 다른 예술가들은 교실 밖에서 스승을 찾을 것입니다. 그들은 개막식이나 바에서 다른 예술가들과 어울리며 예술가가 된다는 것이 무엇인지 배울 수도 있습니다. 온라인 비디오를 보거나 박물관이나 책에서 본 예술을 해체하며 예술을 만든다는 것이 무엇인지 배울 수도 있습니다. 어떤 예술가들은 건축과 디자인에서 받은 영감을 따라 스스로 자신이 무엇인지 가르칠 수도 있습니다. 일상적인 건축 환경과 수많은 제품과 공간과 상호작용하면서 경험하는 생각과 감정에 단순히 반응함으로써 말입니다. 또 다른 이들은 단지 내면의 창작 충동을 받아들이고 키우면서 예술가가 되는 법을 배울 수도 있습니다. 만드는 과정은 만드는 법을 가르쳐 줄 수 있습니다. 존재하는 과정은 우리가 무엇이 되고 싶은지 가르쳐 줄 수 있습니다. 결국, “나는 예술가다”라는 말을 거짓 없이 할 수 있는 순간까지 배움의 과정을 통과한 모든 이들은 그들의 스승에 관한 이야기를 갖게 될 것입니다. 오늘 우리는 배우는 계보를 기꺼이 나누는 용감한 예술가들의 이야기를 모아 여러분께 전합니다. 그들은 자신의 미학적 또는 개념적 유산을 밝히는 것이 끔찍한 위협에 노출되는 것이기에 용감합니다. 독자인 여러분은 한 예술가가 다른 예술가의 제자였거나 이러저러한 것에서 영감을 받았다는 사실을 알고 그것을 지름길로 오해할 수도 있습니다. “아하! 이제 그들이 누구를 모방하는지 알겠다”거나, “이제 그들의 예술을 이해했다!”라고 말할 수도 있습니다. 대신, 이 18명의 예술가가 어떻게 지금의 자신이 되었는지에 관한 일화를 읽으면서 그 정보가 여러분의 인식을 확장하게 하십시오. 각 실타래를 따라 더 깊이 파고드십시오. 진정으로 예술을 가르치고 배우는 것이 무엇인지에 대한 위험하고 불가능하며 필수적인 아름다움을 엿볼 수 있을 것입니다.

Anya Spielman

Spielman은 캘리포니아 대학교 데이비스 캠퍼스에서 Wayne Thiebauld의 제자였습니다. 그녀의 다른 스승들에 대해 그녀는 이렇게 말합니다:

"저에게 큰 영향을 준 것은 십대 때 프라도 미술관에서 본 Hieronymus Bosch의 삼면화 “The Garden of Earthly Delights”였습니다. 그의 작품의 상징성과 풍부한 색채, 정교한 구성이 저를 압도했습니다. 저는 Bosch 작품의 이중성에 즉각 반응했습니다: 그의 선명하고 빛나는 팔레트: 먹색, 엄버, 연분홍, 뼈색, 주홍, 그리고 청금석 색조; 에덴의 반투명 쾌락의 곡선과 환각적인 지옥으로의 심리적·육체적 추락이 대조를 이루었습니다. Bosch의 선견지명 있는 천재성은 인간 본성을 모든 형태로 표현했으며, 오늘날에도 매우 드문 직접적 친밀감과 힘을 지니고 있습니다."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. 패널에 유화. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin은 뉴욕시립대학교 퀸스 칼리지 대학원생 시절 Louis Finkelstein과 함께 공부했습니다. 같은 학교에서 그녀는 1950년대 시카고 미술학교에서 추상 표현주의자로 훈련받은 Benny Andrews, Mark Rothko의 스튜디오 조수였던 Clinton Hill, 그녀가 “비판적 시각을 키우는 데 도움을 받았다”고 말하는 미술 평론가이자 Artforum 부편집장 Robert Pincus-Witten, 그리고 Hans Hoffman의 제자였던 Charles Cajori와 함께 공부했습니다. Sirlin은 이렇게 말합니다:

"[Lineage]는 정말 복잡한 문제입니다. 예술가들과의 연결도 옆길로 새곤 합니다. Anne Truitt는 제가 Yaddo에서 젊은 예술가였을 때 저에게 중요했습니다. Melissa Meyer도 그 여름 [1983]에 거기에 있었습니다. Erin Lawlor는 라트비아의 Rothko Centre에서 제 스튜디오 동료였습니다. Jose Heerkins도 우리와 같은 시기에 Rothko Centre에 있었습니다 [2016]. Kara Walker는 제가 Atlanta College of Art에서 가르칠 때 학생이었고, Kara와 저는 1992년 같은 Atlanta Biennial에 출품했습니다. 그리고 다른 예술가들—작가들과 극작가들도 있습니다. Hayden Herrera [Frieda Kahlo와 Arshile Gorky의 전기 작가]는 예술 작가로서 저의 멘토였습니다. Chris Kraus [I Love Dick]와 저는 함께 Yaddo에 있었습니다... 저는 극작가 Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]의 가까운 친구였습니다. 그는 Warhol의 시나리오 작가였습니다... 이 추가 답변으로 혼란을 드리지 않았기를 바랍니다."

Deanna Sirlin - 원더, 2015년. 캔버스에 혼합 매체. 127 x 106.7 cm

브렌다 자피텔

"제가 처음 그림을 시작했을 때 가장 큰 영향을 준 사람은 피카소였습니다. 특히 '거울 앞의 소녀'(1932)에서 그의 색채 사용과 마크 메이킹에 끌렸습니다. 나중에 추상 표현주의 방식으로 그림을 그리기 시작하면서 Joan Mitchell과 Willem De Kooning에게 더 끌렸습니다. 하지만 사실 그들의 작품을 보기 시작한 것은 이 방식으로 그림을 그리기 시작한 후였습니다."

Brenda Zappitell - 지금 이 순간, 2017년. 플래시와 아크릴, 콜드 왁스가 패널에 혼합된 작품. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

2006년 Minus Space NY와의 인터뷰에서 화가 Chris Ashley가 Göttin에게 예술가로서 어디서 시작하는지 물었습니다. Göttin은 이렇게 대답했습니다:

"미술사는 때때로 특정 미술 운동이 완전한 실체인 것처럼 가장합니다. '콘크리트'라는 용어를 사용하는 것이 반드시 Konkrete Kunst의 이데올로기적 배경과 일치하는 것은 아닙니다. Konkrete Kunst는 사회와 정치에 관한 아이디어에도 기반을 두고 있었습니다. 제 관심사는 모순도 포함할 수 있는 실체—예스와 노, 심지어는 아마도—에 관한 것입니다. 제 출발점은 동시에 여러 관점이나 입장의 종합이며, 이는 저에게 공간적 관점입니다. 명백하거나 미묘할 수 있고, 대칭적이거나 비대칭적이거나 둘 다일 수 있으며, 모순이 있거나 없을 수 있습니다. 규칙과 일탈이 함께 있을 수도 있습니다. 제가 만든 초기 작품 중 일부는 Kurt Schwitters의 작업(Merz)과 관련된 콜라주였으며, 대충 판지에 붙인 발견된 재료들—물리적이고 직접적이며 즉흥적이고 우연적이며 다채롭고 심지어 다다이즘적이었습니다. 나중에 저는 미니멀 아트에 관심을 가지게 되었는데, 이 미술은 종종 작품이 정밀하게 계획되고, 재료의 정의된 사용과 세부 사항에 대한 주의와 함께 완벽하고 명확하게 구성됩니다. 두 운동 모두 저에게 중요하며, 때로는 제 작품이 두 미술사적 입장 사이에 해당하는 두 요소를 모두 담고 있다고 봅니다."

Daniel Göttin - 무제 2 (핑크), 1992년. 파바텍스에 아크릴. 97 x 58.5 x 3 cm

게리 팔러

"자신의 영향력을 이해하는 것은 꽤 어렵습니다, 적어도 저에게는, 왜냐하면 저는 주로 직관에 따라 작업하고 의식적으로 작업하지 않기 때문입니다. 저는 UCLA에서 미술 학생으로 보낸 형성기의 시절(학사 74, 석사 77)이 제 정체성의 큰 부분을 형성했다고 생각합니다. 그 시절 UCLA는 유럽/모더니스트 성향의 화가 학교였습니다. 첫 번째 회화 수업으로 저는 Richard Diebenkorn과 함께하는 입문 회화 수업에 등록되었는데(그가 누군지 전혀 몰랐습니다), 그와 교수진 간에 문제가 있었고 수업 시작 전에 그의 자리가 해지되었습니다. 그래서 저는 새로운 리얼리스트인 Richard Joseph와 공부했는데, 그는 저에게 탄탄한 기초를 다져주었습니다. 6개월 후 Charles Garabedian과 함께하는 더 고급 회화 수업에서 추상화 실험을 시작했습니다. 수년간 저에게 가장 큰 영향을 준 교수는 William Brice였습니다. Bill은 매우 명료하고 위엄 있으며 관대하고 사려 깊고 유머러스한 선생님이자 친구였습니다. 그는 열심히 일하는 다작 예술가로서 스튜디오에서 시간을 보내며 문제를 해결하는 것이 필수적이며 그 외의 것은 덜 중요하다고 자주 말했습니다. 저는 그를 자주 생각하며 오랫동안 알게 되어 매우 행운이라고 느낍니다. 학생이라는 생각과 그림을 그릴 때마다 머릿속에서 옛 교수들의 목소리를 듣는 것에서 벗어나려면 여러 해가 걸렸지만, 시간이 지나면서 저는 제 자신이 누구인지, 그리고 제 비전을 충족하는 작품을 만들어야 할 책임이 무엇인지 명확히 알게 되었습니다. 제 작품에서 다른 예술가들의 측면을 종종 보는데, 때로는 같은 아이디어를 통해 진정한 연결이 있다고 느끼고, 때로는 단지 표면적인 유사성일 뿐인 것 같습니다. 결국, 영향력에 대해서는 예술 평론가들이 이야기하게 두세요."

Gary Paller - 9 (2015), 2015년. 종이에 잉크. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

마이클 마주르 (1935-2009)는 25년 전 나의 판화 제작 선생님이었습니다. 우리는 내가 프로빈스타운의 파인 아트 워크 센터에 머무르던 중 처음 만났는데, 그곳에서 마이클은 일주일간의 판화 워크숍을 진행하고 있었습니다. 우리의 첫 만남에서 많은 것들이 인상 깊었습니다: 마이클은 그의 선택한 주제(정신병원에서 고통받는 환자들과 동물원 우리 안의 동물들을 그린 드로잉과 판화)뿐만 아니라 삶에 관한 일대일 대화에서도 믿을 수 없을 만큼 공감 능력이 뛰어나고 사회 의식이 강한 사람이었습니다. 그는 스튜디오에서의 자기 몰입을 균형 잡기 위한 방법으로 본보기를 통해 관대함을 가르쳐 주었습니다. 마이클은 그의 기법이나 예술 경력 추구에 대해 공유하지 않는 것이 없었습니다. 그는 80년대 후반 중국에서 시간을 보냈고, 아시아 풍경에 대한 그의 사랑을 통해 나는 제스처를 단순화하고 표현의 경제성을 가지고 그림을 그리는 법을 배웠으며, 이것은 내 마음속에 매우 소중히 간직하고 있는 것입니다. 그는 나에게 “Tracey, this is ungepatchke!”라고 말하곤 했던 그의 유머 감각을 절대 잊지 못할 것입니다. 이 단어는 너무 바쁘고 장식이 많다는 뜻의 이디시어입니다.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. 리브 종이에 구아슈, 흑연, 잉크. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee는 11살 때 본 Paul Cezanne의 수채화에서 첫 영감을 받았으며, 그것이 “잊을 수 없는 인상”을 남겼다고 말합니다. 그녀는 이어서 이렇게 말합니다:

"제 교수 Klaus Stümpel은 자연과 매우 가까워서 거의 ‘농부’라는 별명이 붙을 정도였습니다. 그는 제가 Frantisek Kupka를 공부하라고 추천했어요. 저는 그의 추상화 과정과 우주적이고 신비로운 관점을 배웠습니다. 무엇보다도 그의 삶에 대한 사랑과 생각을 지키려는 의지를 가장 많이 배웠습니다. 한국에 돌아왔을 때 다시 Kandinsky를 생각했습니다. 저는 그가 예술에서 객관적이고 보편적인 진리를 찾으려는 욕망이 불가능한 도전이라고 생각합니다. 예술은 무엇보다도 주관적이고 개인적이라고 생각합니다. 제 가장 깊은 내면을 찾을 때, 저는 다른 이들의 내면과 소통할 수 있습니다. 예술은 미시세계(인간)와 거시세계(세계)를 연결하는 매개체가 될 수 있다고 생각합니다. 특히 색채는 제 연구 주제입니다. 저는 형용사로서의 색을 찾고 있습니다. 저는 Richter의 작업 태도, 그림에 대한 열정, 실험 정신을 좋아합니다. 아마도 On Kawara? 그는 살아 있음을 증명하고 싶어 했고, 저도 매일 작업함으로써 감정적이고 감각적으로 여전히 살아 있음을 스스로 증명하고 싶습니다. Wassily Kandinsky와 많은 미니멀리스트에 대한 제 생각은 일반적인 관점과 매우 다릅니다. 저는 그들의 예술적 관점에 동의하지 않습니다."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. 캔버스에 아크릴, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman는 영향을 받은 예술가들로 (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, Andy Warhol), 디자이너들 (Saul Bass, Roy Kuhlman), 건축가들 (Le Corbusier)을 언급합니다. 하지만 그녀는 또한 문화가 그녀의 예술에 개인적으로 미친 영향에 대해 다음과 같은 일화를 통해 이야기합니다:

"저희 아버지 사업은 간판 제작이었어요. 미국의 대부분 도시 아이들처럼 저는 차 뒷좌석에서 자라면서 광고판과 네온사인에 매우 민감해졌습니다. 시선을 사로잡는 직접적인 시각 자극은 제 정신세계의 일부였죠. 최근 뉴욕 MoMA를 방문했을 때 Barnett Newman의 그림 “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51)을 다시 보고 깊은 인상을 받았습니다. 그 힘과 즉시성, 단순함에 대한 저의 본능적인 반응은 압도적이었고, 제 시각적 과거와 정체성을 다시 확인시켜 주었습니다."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. 수제 카디 종이에 구아슈. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"나에게는 Mondrian이었습니다. 그 당시의 추상 예술가들은 추상을 개념적으로 더 많이 작업했는데, 즉 그들은 그 아이디어를 좋아했지만, Mondrian은 역으로 그 메커니즘을 거슬러 올라가 그림 평면을 재발명했습니다. 그 이후로 그렇게 한 사람은 많지 않습니다. 나는 그 후에 Mondrian이 명확히 파악한 이 이상한 공간에 들어가는 더 많은 방법이 있을 것이라고 생각하기 시작했습니다. [Ellsworth] Kelly와 [Robert] Mangold는 이 ‘다른’ 공간을 표현하는 다른 방법을 보여주었습니다. 이 예술가들의 경험은 나에게 동료들의 노력을 진정으로 감상할 공간을 주었고, 다음 경계를 넘어가려는 노력을 하게 했습니다."

Brent Hallard - Clouds, 2013. 종이에 아크릴. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"나는 Vija Celmins의 작품을 사랑하고 자주 생각했습니다. 그녀의 강렬한 관찰력과 차분한 실행은 나에게 매우 영감을 줍니다. Louise Bourgeois는 자신의 아이디어에 가장 적합한 매체로 자신을 표현하려는 결단력으로 항상 나에게 영감을 주었습니다. 더 명백한 영감은 Agnes Martin일 것이며, 나는 그녀의 자신감 있는 절제와 Mark Rothko가 그의 작품으로 끌어내는 감정적 충격을 사랑합니다."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. 종이에 실, 잉크, 흑연. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville는 프랑스 대서양 해안선을 따라 늘어선 2차 세계대전 시대의 독일 방어호를 언급합니다. 그는 “대부분의 사람들은 그것들을 못생긴 흉터로 봅니다. 내 눈에는 그 본질이 풍경의 일부였고, 시간이 지나면서 모래, 모래언덕, 바다 또는 거리 예술가들이 그 위에 그린 그림들과 융합되었습니다.”라고 말합니다. 또한, Auville는 젊은 시절의 이 경험에 영향을 받았습니다:

"여섯 또는 일곱 살 때, 나는 프랑스 남서부에 있는 라스코 동굴을 방문하는 특권을 누렸습니다. 그것은 나에게 충격이었어요. 부모님은 기념품으로 몇 개의 복제품을 구입하셨고, 나는 우리 집 지하실에서 그것들을 몇 시간 동안 바라보며 그림과 진짜 예술작품 사이의 차이가 무엇인지 궁금해했습니다. 차이는 분명했지만, 그 본질을 이해하려 애썼습니다. 불을 켰다 껐다 하며, 라스코 그림의 본질을 재현하려고 그림 위에 모래를 붙여 보았지만, 그들의 영혼이라고 생각했던 것에는 도달하지 못했습니다."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. 폼 패널 위에 안료 시멘트. 뒷면에 구조적 및 걸이용 프레임. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan는 예술가들(Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly)부터 앨범 디자이너들(Hipgnosis, Peter Saville), 음악가들(Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno)에 이르기까지 다양한 영향들을 언급합니다. 그는 말합니다:

"사춘기 이전 몇 년 동안, Piet Mondriaan의 시각 언어가 네덜란드에서 많은 주목을 받았다. 나는 예술에 대해 생각하기에는 너무 어렸지만, Mondriaan은 그저 거기에 있었고 흥미로웠다. 지금도 그렇다! 조금 후에 나는 나처럼 기하학적 형태를 출발점으로 삼는 Suprematists를 알게 되었다. 내 자매들이 나보다 약 5살 많아서 나는 (그들의 남자친구를 통해) 십대 초반에 ‘진보적인’ 음악과 그에 따른 커버 디자인을 발견했다. 놀랍지 않게도 나는 커버 아트 디자이너가 되고 싶었다. 만약 내 시각을 바꾼 한 명의 시각 예술가를 꼽아야 한다면, 그것은 Ellsworth Kelly일 것이다. 80년대 중반 암스테르담의 Stedelijk Museum이 “Blue Curve VI” (1982)를 구입했다. 나는 정기적으로 그것을 보러 가서 시각 언어를 연구했다. 하지만 지금은, 아마도 더 중요하게, 나는 내 자신의 예술에 대한 반응에 의해서도 이끌린다... 나는 예술에 대해 생각하기 시작했다... 목적, 의미, 오 마이."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Hannemuhle 종이에 Ultrachrome HD 잉크. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albers의 가르침은 내가 색을 다양한 맥락에 배치하는 방식에 영향을 준다. 그리고 James Turrell의 skyspaces는 내가 대기색을 다양한 맥락에 배치하는 방식에 영향을 주었다. 일반적으로, 나의 Paper Skies와 Moving Pictures 시리즈의 전체 미학은 Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella 등과 같은 현대 미국 화가들의 영향을 많이 받았다."

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (대형), 2015. 알루미늄에 염료 승화 인쇄 (매트/광택 마감). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"20년 넘게 전에 나는 건축가 Charles Edouard Jeanneret, 즉 Le Corbusier의 후기 작품인 Ronchamp 예배당을 발견했다. 그 전이나 후에도 질량감과 고양감 사이의 가능성의 적절함을 이렇게 강하게 느낀 적이 없었다. 그때부터 나에게 이 긴 탐구가 시작되었고, 지금도 나를 먹여 살리며, 가득 찬 것과 빈 것 사이의 가장 적절한 관계에 접근하는 것을 목표로 한다."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. 구리 위에 카보런덤과 드라이포인트. bfk rives 종이에 인쇄 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"나는 수십 년 동안 나에게 영감을 준 예술가에 대해 이야기하고 싶다. 그 누구보다도: 마티스, 평생 연구할 수 있는 예술가. 그의 작품은 실험과 새로운 회화 가능성 탐구 덕분에 여러 경로를 탔다. 그것들은 아름답고, 고양시키며, 복잡하고, 때로는 사랑스럽고 평온하며, 때로는 어렵고 도전적이다—삶이 그러하듯이."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. 종이에 수채화. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

영향을 받은 예술가들을 나열하기보다는, Cantrick는 자신의 작업과 직접적인 연관이 있든 없든 가장 관심 있는 예술가들을 언급합니다. 그녀가 꼽은 현대 및 현대 미술 작가들의 짧은 목록:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, 그리고 Per Kirkeby. 이것은 다양하고 완전하지 않은 목록이지만, 그들이 공통적으로 지닌 것은 명료성, 복잡성, 활력입니다—이것들은 나의 관심사이기도 하며—강한 색채와 구조, 뚜렷한 형태, 얕은 회화 공간을 통해 표현됩니다. 전근대 미술에서는 Vermeer, Degas, Manet가 내 목록 상위에 있으며, 역시 그 세 가지 속성: 명료성, 복잡성, 활력 때문입니다. 추가로: Vermeer의 견고한 묘사에서 느껴지는 긴장감은 믿을 수 없을 정도로 실감 나는 정적—시간의 정지를 전달합니다. Degas는 '조용한', 움직이지 않는 영역이나 강한 수직 요소로 공간을 구분하여 장시간 리드미컬한 감상을 촉진합니다. 그리고 Manet에는 모든 마스터리 외에도 즉각성과 신선함이 있어, 최고의 순간에는 매혹적입니다."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012년. 리넨에 아크릴. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"내 경우에는 특정 한 명의 예술가에게 영향을 받은 것이 아니라 시카고에서 자란 예술 공동체 전체에 영향을 받았습니다. 내가 자란 동네인 링컨 파크 지역 또는 올드 타운에는 예술가들이 많았고, 내가 십대 초반에 그림에 관심을 보였을 때, 시카고 미술관과 연계된 학교에서 인체 드로잉을 배우도록 권유받았습니다. 그곳에 들어가기 위해 유명한 인상파 컬렉션이 있는 박물관을 직접 통과해야 했습니다. 이것이 기본적으로 나의 선, 제스처, 색채에 대한 관심을 형성했다고 생각합니다."

Anne Russinof - Look See, 2014년. 캔버스에 유화. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"나의 예술적 계보는 이미지/대상 제작에 대한 '감소주의적' 접근법과 표면 및 미묘한 디테일에 대한 주의를 결합한 예술가들에게서 찾을 수 있습니다. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros, 그리고 Sol Lewitt가 떠오릅니다. 또한, Richard Serra, Carl Andre, Fred Sandback의 조각 작업은 그들의 독특한 3차원 공간 활용으로 나의 회화 접근법에 계속 영감을 줍니다."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015년. 캔버스에 아크릴. 122 x 96.9 cm