18명의 현대 추상 예술가들이 그들의 혈통에 대해 이야기하다

예술을 가르치는 것은 위험하고 불가능하다. 그러나 그것은 또한 필수적이다. 예술이 존재하기 위해서는 예술가들이 자신이 될 것과 창조할 것을 배우는 방법을 알아야 한다. 어떤 이들은 학교에서, 자신과 같은 결함이 있는 다른 인간들로부터 배울 것이다. 그들은 어떤 이유로든 다른 이들과 자신이 배운 것을 나누는 위험하고 불가능하며 필수적인 작업을 맡은 사람들이다. 다른 예술가들은 교실 밖에서 스승을 찾을 것이다. 그들은 개막식이나 바에서 다른 예술가들과 어울리며 예술가가 된다는 것이 무엇인지 배울 수 있다. 그들은 온라인 비디오를 보거나 박물관이나 책에서 보는 예술을 해체함으로써 예술을 만드는 것이 무엇인지 배울 수 있다. 어떤 예술가들은 건축과 디자인에서 받은 영감을 따라가며, 일상적으로 만들어진 환경과 그 수많은 제품 및 공간과 상호작용하면서 경험하는 생각과 감정에 단순히 반응함으로써 자신이 무엇인지 스스로 가르칠 수 있다. 또 다른 이들은 단순히 창조하고자 하는 내적 충동을 받아들이고 그것을 키움으로써 예술가가 되는 방법을 배울 수 있다. 만들기 과정은 우리가 만드는 방법을 가르쳐 줄 수 있다. 존재하는 과정은 우리가 되고자 하는 것을 가르쳐 줄 수 있다. 결국, "나는 예술가다"라는 문구를 거짓말이라고 느끼지 않고 말할 수 있는 학습 과정을 거친 모든 사람은 자신의 스승에 대한 이야기를 가지고 있을 것이다. 오늘 우리는 학습의 계보를 나누는 용감한 예술가들의 이야기를 모아왔다. 그들은 자신의 미적 또는 개념적 유산을 발표하는 것이 끔찍한 위협에 노출된다는 점에서 용감하다. 독자인 당신은 한 예술가가 다른 예술가의 제자였거나 이러저러한 것에서 영감을 받았다는 것을 깨닫고 그것을 지름길로 오해할 수 있다. 당신은 "아하! 이제 그들이 누구를 모방하고 있는지 알겠다," 또는 "이제 그들의 예술을 이해했다!"라고 말할 수 있다. 대신, 이 18명의 예술가들이 어떻게 그들이 된 것인지에 대한 일화를 읽으면서, 그 정보를 통해 당신의 인식을 확장해 보라. 각 실타래를 따라가고 더 깊이 파고들어 보라. 당신은 예술을 가르치고 배우는 것이 진정으로 무엇을 의미하는지에 대한 위험하고 불가능하며 필수적인 아름다움을 엿볼 수 있을 것이다.

Anya Spielman

Spielman은 캘리포니아 대학교 데이비스에서 웨인 티바우드의 제자였습니다. 그녀의 다른 스승들에 대해 그녀는 다음과 같이 말합니다:

"저에게 큰 영향을 준 것은 10대 시절에 프라도 미술관에서 Hieronymus Bosch의 3부작 '지상의 정원'을 본 것이었습니다. 그의 작품의 아이코노그래피와 풍부한 색감, 복잡한 구성에 감명을 받았습니다. 저는 Bosch의 작품에서의 이중성에 즉각 반응했습니다: 그의 뚜렷하고 빛나는 팔레트: 잉크 블랙, 엄버, 연한 핑크, 뼈, 버밀리온, 아주라이트의 색조; 에덴의 투명한 쾌락 포드의 곡선은 환각적인 지옥으로의 심리적, 육체적 하강과 대조를 이룹니다. Bosch의 비전ary 천재성은 인간 본성을 모든 형태로 표현했으며, 저는 오늘날에도 믿기 힘든 직접적인 친밀감과 힘을 느낍니다."

Anya Spielman - 자외선, 2015. 패널에 유화. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin은 뉴욕시립대학교 퀸스 칼리지에서 대학원생으로 재학 중 Louis Finkelstein과 함께 공부했습니다. 같은 학교에서 그녀는 1950년대 시카고 미술학교에서 추상 표현주의자로 훈련받은 Benny Andrews, Mark Rothko의 스튜디오 어시스턴트였던 Clinton Hill, 그녀가 "내 비판적 시각을 도와준" 아트 비평가이자 Artforum 부편집자인 Robert Pincus-Witten, 그리고 Hans Hoffman의 제자였던 Charles Cajori와 함께 공부했습니다. Sirlin은 다음과 같이 말합니다:

"[Lineage]는 정말 복잡한 질문입니다. 예술가들과의 연결도 측면적으로 이루어집니다. Anne 트루잇은 제가 야도에서 젊은 예술가였을 때 저에게 중요했습니다. Melissa Meyer도 그 여름 [1983]에 그곳에 있었습니다. 에린 로울러는 라트비아의 로스코 센터에서 제 스튜디오 동료였습니다. 호세 헤르킨스는 우리와 같은 시기에 로스코 센터에 있었습니다 [2016]. 카라 워커는 제가 애틀랜타 예술 대학에서 가르칠 때 학생이었고, 카라와 저는 1992년 같은 애틀랜타 비엔날레에 전시했습니다. 그리고 다른 예술가들—작가와 극작가들이 있습니다. 헤이든 헤레라 [프리다 칼로와 아르실 고르키의 전기 작가]는 저의 예술 작가로서의 멘토였습니다. 크리스 크라우스 [아이 러브 딕]와 저는 함께 야도에 있었습니다... 저는 극작가 로널드 타벨 [희극의 극장]의 가까운 친구였습니다. 그는 워홀의 각본가였습니다... 이 추가 답변에서 혼란을 드리지 않았기를 바랍니다."

Deanna Sirlin - 원더, 2015. 혼합 매체 캔버스. 127 x 106.7 cm

브렌다 자피텔

"내가 처음 그림을 시작했을 때, 나는 피카소의 영향을 가장 많이 받았다. 나는 그의 색상 사용과 마크 메이킹에 매료되었고, 특히 '거울 앞의 소녀' (1932)에서 그랬다. 나중에, 내가 더 추상 표현주의적인 방식으로 그림을 그리기 시작하면서, 나는 조안 미첼과 윌렘 드 쿠닝에게 더 끌리게 되었다. 그러나 나는 이 방식으로 그림을 그린 후에야 그들의 작품을 보기 시작했지, 그 이전에는 아니었다."

브렌다 자피텔 - 현재, 2017. 플라셰와 아크릴, 콜드 왁스가 패널 위에 사용됨. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

2006년 Minus Space NY 인터뷰에서 화가 Chris Ashley는 Göttin에게 예술가로서 어디서 시작하는지 물었습니다. Göttin은 다음과 같이 대답했습니다:

"예술사는 때때로 특정 예술 운동이 완전한 실체인 것처럼 가장합니다. '콘크리트'라는 용어를 사용하는 것은 사회와 정치에 대한 아이디어를 바탕으로 한 Konkrete Kunst의 이념적 배경과 반드시 일치하지 않습니다. 제가 우려하는 것은 모순을 포함할 수 있는 실체입니다—예, 아니오, 그리고 심지어 아마도. 제 출발점은 동시에 다양한 관점이나 입장의 종합으로, 저에게는 공간적 관점입니다. 그것은 명백할 수도 있고 미묘할 수도 있으며, 대칭적일 수도 비대칭적일 수도 있고, 둘 다일 수도 있으며, 모순이 있을 수도 없을 수도 있습니다. 그것은 규칙과 일탈이 함께할 수 있습니다. 제가 만든 초기 작품 중 일부는 Kurt Schwitters의 작업(Merz)과 관련된 콜라주로, 발견된 재료를 대충 판지에 붙인 것입니다—물리적이고, 직접적이며, 즉흥적이고, 우연적이며, 다채롭고, 심지어 다다이즘적입니다. 이후 저는 미니멀 아트에 관심을 가지게 되었고, 여기서 예술 작품은 종종 정밀하게 계획되고, 재료의 정의된 사용과 세부 사항에 대한 주의로 완벽하고 명확하게 구성됩니다. 두 운동 모두 저에게 중요하며, 때때로 제 작업이 이 두 예술사적 위치 사이에서 상응하는 두 부분을 지니고 있다고 봅니다."

Daniel Göttin - 제목 없음 2 (핑크), 1992. 아크릴, 파바텍스. 97 x 58.5 x 3 cm

게리 팔레트

"자신의 영향을 이해하는 것은 꽤 어렵습니다. 적어도 저에게는 그렇습니다. 저는 주로 직관에 따라 작업하고 의식에서 그렇게 많이 작업하지 않기 때문입니다. UCLA에서 미술 학생으로 보낸 formative years가 제가 누구인지의 큰 부분을 형성했다고 생각합니다. 그 당시 UCLA는 유럽/모더니스트 성향의 화가 학교였습니다. 첫 번째 회화 수업에서는 리차드 디벤콘(Richard Diebenkorn)과 함께 입문 회화 수업을 듣기로 되어 있었는데 (그가 누구인지 전혀 몰랐습니다), 그와 교수진 간에 문제가 생겨 수업이 시작되기 전에 그의 직위가 해지되었습니다. 그래서 저는 새로운 리얼리스트인 리차드 조셉(Richard Joseph)과 함께 공부하게 되었고, 그는 저에게 탄탄한 기초를 다져주었습니다. 6개월 후, 찰스 가라베디안(Charles Garabedian)과 함께 더 고급 회화 수업을 하면서 비로소 추상화 실험을 시작했습니다. 세월이 흐르면서 저에게 가장 큰 영향을 준 교수는 윌리엄 브라이스(William Brice)였습니다. 빌은 매우 유창하고, 품위 있으며, 관대하고, 사려 깊고, 유머러스한 선생님이자 친구였습니다. 열심히 일하는 다작의 예술가로서 그는 스튜디오에서 시간을 보내며 문제를 해결하는 것이 얼마나 중요한지 자주 이야기했습니다. 그 외의 모든 것은 덜 중요하다고 생각했습니다. 저는 그를 자주 생각하며 오랜 시간 그를 알게 되어 정말 운이 좋았다고 느낍니다. 학생이라는 생각과 그림을 그릴 때마다 제 머릿속에서 예전 교수들의 목소리를 듣는 것에서 저 자신을 분리하는 데는 몇 년이 걸렸지만, 시간이 지나면서 저는 제가 누구인지와 제 비전을 실현하는 작업을 해야 할 책임에 대한 명확한 감각을 얻었습니다. 저는 종종 제 작업에서 다른 예술가들의 측면을 보며, 때로는 같은 아이디어를 통해 정말로 연결되어 있다고 느끼기도 하고, 다른 때는 그 어떤 유사성도 단지 피상적이라고 느끼기도 합니다. 결국, 예술 작가들이 영향에 대해 이야기하게 두세요."

게리 팔러 - 9 (2015), 2015. 종이에 잉크. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"마이클 마주르(1935-2009)는 25년 전 내 판화 수업 선생님이었다. 우리는 내가 프로빈스타운의 미술 작업 센터에 머물고 있을 때 처음 만났고, 그곳에서 마이클은 판화에 관한 일주일 워크숍을 진행하고 있었다. 우리의 초기 연결에서 많은 것들이 두드러진다: 마이클은 믿을 수 없을 만큼 공감 능력이 뛰어나고 사회적으로 의식이 있는 사람이었으며, 그의 선택한 주제(정신병원에서 고통받는 환자들의 드로잉과 동물원에서 갇힌 동물들)뿐만 아니라 삶에 대한 일대일 대화에서도 그랬다. 그는 스튜디오의 자기 몰입을 균형 잡기 위한 방법으로 나에게 본보기를 통해 관대함을 가르쳐 주었다. 마이클이 공유하지 않은 그의 기법이나 예술 경력 추구에 대한 것은 없었다. 마이클은 80년대 후반에 중국에서 시간을 보냈고, 그의 아시아 풍경에 대한 사랑을 통해 나는 내 제스처를 단순화하고, 표현의 경제성으로 그림을 그리는 법을 배웠다. 이것은 내가 매우 소중히 여기는 것이다. 그는 나에게 "트레이시, 이건 운게파치크야!"라고 말하며 유머 감각을 잊지 않았다. 운게파치크는 너무 복잡하고 장식적이라는 의미의 이디시어 단어이다."

Tracey Adams - 균형 잡기 2, 2016. 구아슈, 그래파이트 및 잉크, 리브스. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee는 11살 때 본 폴 세잔의 수채화가 첫 영감이라고 언급하며, 그것이 "잊을 수 없는 인상"을 남겼다고 말합니다. 그녀는 계속해서 말합니다:

"내 교수인 클라우스 슈템펠은 자연과 가까워서 거의 '농부'라는 별명을 가질 정도였다. 그는 내가 프란티셰크 쿠프카를 공부하라고 추천했다. 나는 그의 추상화 과정과 우주적이며 신비로운 관점을 연구했다. 무엇보다도, 나는 그의 삶에 대한 사랑과 자신의 생각을 지키려는 의지에 대해 많은 것을 배웠다. 한국에 돌아왔을 때, 나는 다시 칸딘스키에 대해 생각했다. 나는 그가 예술에서 객관적이고 보편적인 진리를 찾으려는 욕망이 불가능한 도전이라고 생각한다. 나는 예술이 다른 무엇보다도 주관적이고 개인적이라고 생각한다. 내가 가장 깊은 내면을 찾을 때, 나는 다른 사람들의 내면과 소통할 수 있다. 나는 예술이 미시우주(인간)와 거시우주(세계)를 연결하는 매개체가 될 수 있다고 생각한다. 특히 색깔은 나의 연구 주제이다. 나는 형용사로서의 색깔을 찾고 있다. 나는 리히터의 작업에 대한 태도, 그의 회화에 대한 열정, 그리고 실험 정신이 마음에 든다. 아마 온 카와라? 나는 그가 살아있음을 증명하고 싶어 했던 그의 작업이 마음에 들고, 나는 매일 작업함으로써 내가 여전히 감정적으로나 감각적으로 살아있다는 것을 스스로 증명하고 싶다. 나는 바실리 칸딘스키와 많은 다른 미니멀리스트들에 대한 생각이 일반적인 관점과 매우 다르다고 생각한다. 나는 그들의 예술적 관점에 동의하지 않는다."

Kyong Lee - 흰색과 함께한 그림, 2008. 아크릴화, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman은 예술가들(엘스워스 켈리, 카를라 아카르디, 앙리 마티스, 폴 필리, 모리스 루이스, 바넷 뉴먼, 앤디 워홀), 디자이너들(사울 배스와 로이 쿨만), 그리고 건축가들(르 코르뷔지에)의 영향을 언급합니다. 하지만 그녀는 또한 문화가 그녀의 예술에 영향을 미친 개인적인 방식에 대해서도 이야기하며, 다음과 같은 일화를 들려줍니다:

"내 아버지의 사업은 간판이었습니다. 미국의 대부분의 도시 아이들처럼 저는 차 뒷좌석에서 자랐고, 광고판과 네온사인에 대해 매우 민감하게 반응했습니다. 주목을 끄는 직접적인 시각적 자극은 제 정신의 일부였습니다. 최근에 뉴욕의 모마를 방문했을 때, 바넷 뉴먼의 그림 "Vir Heroicus Sublimis" (인간, 영웅적이고 숭고한) (1950-51)에 다시 한 번 감명을 받았습니다. 그 힘과 즉각성, 단순함에 대한 저의 본능적인 반응은 압도적이었고, 제 자신의 시각적 과거와 정체성을 재확인시켜 주었습니다."

Joanne Freeman - 커버스 13-퍼플, 2014. 고아쉬, 수제 카디 종이에. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"나에게는 몬드리안이었다. 그 시대의 추상 화가들은 추상에 대해 개념적으로 작업하고 있었고, 즉 그들은 그 아이디어를 좋아했지만, 몬드리안은 역으로 기계적인 과정을 통해 작업하며 그림 평면을 재발명했다. 그 이후로 그렇게 한 사람은 많지 않다. 나는 몬드리안이 그렇게 명확하게 다루었던 이 이상한 공간에 들어가는 방법이 더 많을 것이라고 생각하게 되었다. [Ellsworth] 켈리와 [Robert] 맹골드는 이 '다른' 공간을 표현하는 다른 방법을 보여주었다. 이 예술가들의 경험은 나에게 동료들의 노력에 진정으로 감사할 수 있는 여유를 주었고, 다음 봉투를 넘기기 위해 노력하도록 했다."

Brent Hallard - 구름, 2013. 아크릴화, 종이에. 25.4 x 35.6 cm

오드리 스톤

"나는 Vija Celmins의 작업을 자주 사랑하고 생각해왔다. 그녀의 강렬한 관찰력과 차분한 실행은 나에게 매우 영감을 준다. Louise Bourgeois는 항상 자신의 아이디어에 가장 적합한 매체로 자신을 표현하려는 결단력으로 나에게 영감을 주었다. 더 명백한 영감은 Agnes Martin일 것이고, 나는 그녀의 자신감 있는 절제와 Mark Rothko의 작업이 줄 수 있는 감정적인 충격을 사랑한다."

오드리 스톤 -Nb. 61, 2011. 실, 잉크 및 그래파이트로 종이에. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville은 프랑스 대서양 해안선을 따라 늘어선 제2차 세계대전 시대의 독일 벙커에 대해 언급합니다. 그는 "대부분의 사람들은 그것들을 추한 상처로 여깁니다. 하지만 제 눈에는 그들의 본질이 풍경의 일부였고, 시간은 그것들을 모래, 언덕, 바다 또는 거리 예술가들이 그 위에 그린 그림들과 합쳐지게 했습니다."라고 말합니다. 또한, Auville은 그의 젊은 시절의 이 경험에 영향을 받았습니다:

"여섯 살이나 일곱 살 때, 나는 프랑스 남서부에 있는 라스코 동굴을 방문할 수 있는 특권을 가졌습니다. 그것은 나에게 충격이었습니다. 부모님은 기념품으로 몇 개의 복제품을 구입하셨고, 나는 우리 집 지하실에서 그것들을 보며 그림과 실제 예술 작품 사이의 차이가 무엇인지 몇 시간 동안 고민했습니다. 차이는 분명했지만, 그 본질을 파악하는 데 어려움을 겪고 있었습니다. 나는 불을 켰다 껐다 하며, 라스코 그림의 본질을 복제하려고 그림에 모래를 붙였지만, 내가 생각했던 그들의 영혼에 도달하지 못했습니다."

Pierre Auville - 4 카레, 2014. 안료 시멘트로 만든 폼 패널. 뒷면에 구조적 및 걸이 프레임. 120 x 120 x 6 cm

루크 드 한

De Haan은 예술가들(피트 몬드리안, 카지미르 말레비치, 엘 리시츠키, 앤디 워홀, 엘스워스 켈리)부터 앨범 디자이너들(힙그노시스, Peter 사빌), 음악가들(스티브 라이히, 테리 라일리, 모턴 펠드먼, 브라이언 이노)까지 다양한 영향을 언급합니다. 그는 말합니다:

"사춘기 이전의 몇 년 동안, 피에트 몬드리안의 시각 언어는 네덜란드에서 많은 주목을 받았습니다. 저는 예술에 대해 생각하기에는 너무 어렸지만, 몬드리안은 그저 존재했고, 그것은 매력적이었습니다. 지금도 여전히 그렇습니다! 조금 후에 저는 저와 같이 기하학적 형태를 출발점으로 삼은 수프레마티스트들을 알게 되었습니다. 제 여동생들이 저보다 약 5살 더 많기 때문에, 저는 십대 초반에 그들의 남자친구를 통해 '진보적인' 음악과 그에 따른 커버 디자인을 일찍 발견했습니다. 놀랍지 않게도, 저는 커버 아트 디자이너가 되고 싶었습니다. 제 시각을 변화시킨 한 명의 시각 예술가를 선택해야 한다면, 그것은 엘스워스 켈리일 것입니다. 80년대 중반, 암스테르담의 스테델릭 미술관은 "블루 커브 VI"(1982)를 구입했습니다. 저는 정기적으로 그것을 보러 가서 시각 언어를 연구했습니다. 하지만 지금은, 아마도 더 중요하게도, 저는 예술에 대한 제 자신의 반응에 의해 안내받고 있습니다... 저는 예술에 대해 생각하기 시작했습니다... 목적, 의미, 오 마이."

Luuk De Haan - 디아파너스 댄스 9, 2013. 울트라크롬 HD 잉크, 한네뮐레 종이에 인쇄. 29.7 x 21 cm

브렌다 블론드

"요셉 알버스의 가르침은 내가 색상을 다양한 맥락에 배치하는 방식에 영향을 미칩니다. 그리고 제임스 터렐의 스카이스페이스는 내가 대기 색상을 다양한 맥락에 배치하는 방식에 영향을 미쳤습니다. 일반적으로, 나의 '종이 하늘'과 '움직이는 그림' 시리즈의 전반적인 미학은 조지아 오키프, 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 엘스워스 켈리, 프랭크 스텔라와 같은 현대 미국 화가들에게서 많은 영향을 받았습니다."

브렌다 비온도 - 종이 하늘 21호 (대형), 2015. 알루미늄에 염료 승화 인쇄 (무광/광택 마감). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"나는 20년 이상 전에 건축가 샤를 에두아르 제안레(Le Corbusier)로 알려진 론샹의 예배당을 발견했다. 그 당시 나는 대량성과 고양 사이의 가능성의 정확성에 대한 인식을 느끼지 못했다. 그때부터 나는 오늘날까지 나를 계속 채우고 있는 이 긴 탐구를 시작하게 되었고, 가득 찬 것과 비어 있는 것 사이의 가장 적절한 관계에 접근하는 것을 목표로 하고 있다."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. 카보룬덤과 드라이포인트로 구리 위에 인쇄. BFK 리브스 종이 250G에 인쇄. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"저는 수십 년 동안 저에게 영감을 준 예술가에 대해 이야기하고 싶습니다. 다른 어떤 예술가보다도: 마티스, 평생 공부할 수 있는 예술가입니다. 그의 작품은 실험과 새로운 가능성에 대한 탐구로 인해 많은 경로를 걸었습니다. 그들은 아름답고, 고양시키며, 복잡하고, 때로는 사랑스럽고 평화롭고, 때로는 어렵고 도전적입니다—삶이 그러하듯이 반영됩니다."

Jessica Snow - 플링 1, 2015. 종이에 수채화. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

그녀의 영향을 나열하기보다는, Cantrick은 자신의 작업과 직접적인 연관이 있든 없든, 그녀에게 가장 흥미로운 예술가들을 언급합니다. 그녀의 현대 및 현대 미술에 대한 짧은 목록:

"셜리 자페, 토마스 노스코프스키, 에이미 실먼, 샤를린 폰 하일, 리차드 디벤코른, 후안 우슬레, 그리고 페르 키르케비. 이것은 다양한 예술가들의 목록이지만, 그들이 공통적으로 가지고 있는 것은 명료함, 복잡성, 그리고 생동감입니다. 이는 제가 개인적으로 중요하게 생각하는 요소들로, 강렬한 색상과 구조, 독특한 형태, 그리고 얕은 회화 공간을 통해 표현됩니다. 고전 예술가들 중에서는, 베르메르, 드가, 그리고 마네가 제 목록의 최상위에 있습니다. 다시 말해, 그 세 가지 속성: 명료함, 복잡성, 생동감 때문입니다. 추가적으로: 베르메르의 견고한 표현에서 느껴지는 긴장감은 믿을 수 없을 만큼 실질적인 정적을 전달합니다. 시간의 정지입니다. 드가의 공간을 "조용한" 비활성 영역과/또는 강한 수직 요소로 강조하는 독특한 방식은 지속적이고 리드미컬한 관람을 촉진합니다. 그리고 마네의 작품에는 즉각성과 신선함이 있으며, 나머지 모든 기교를 제외하고도, 그가 가장 잘 표현했을 때는 매혹적입니다."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. 아크릴화, 리넨. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"내 경우에는 특정한 한 아티스트의 영향을 받기보다는, 시카고에서 자란 예술 공동체의 영향을 받았습니다. 내 동네인 링컨 파크 지역이나 올드 타운에는 예술가들이 가득했으며, 내가 사춘기 때 그림에 관심을 보였을 때, 훌륭한 시카고 미술학교와 관련된 학교에 가도록 격려받았습니다. 그곳에서는 학교에 들어가기 위해 유명한 인상파 컬렉션이 있는 박물관을 직접 지나가야 했습니다. 이것이 기본적으로 선, 제스처, 색상에 대한 내 관심을 형성했다고 생각합니다."

Anne Russinof - 룩 씨, 2014. 캔버스에 유화. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"나의 예술적 혈통은 이미지/객체 제작에 대한 '축소적' 접근 방식과 표면 및 미세한 세부 사항에 대한 주의를 결합한 예술가들에서 발견됩니다. 브라이스 마든, 이미 크노벨, 데이비드 노브로스, 솔 르윗이 떠오릅니다. 또한, 리차드 세라, 칼 안드레, 프레드 샌드백의 조각 작업은 그들의 독특한 3차원 공간 사용으로 인해 나의 회화 접근 방식에 계속해서 영감을 줍니다."

Macyn Bolt- 섀도우 복서 (B.2), 2015. 아크릴화, 캔버스. 122 x 96.9 cm