가장 단순한 형태로 최대한 활용하기 - Anne 트루잇, 매튜 마크스에서

Anne 트루잇의 드문 회화 전시가 현재 뉴욕의 매튜 마크스 갤러리에서 열리고 있습니다. 트루잇(1921 – 2004)은 주로 조각, 또는 구조물로 가장 많이 알려져 있습니다. 이는 1970년대 이후 그녀의 회화 작품에 대한 첫 번째 주요 미국 전시입니다—전시된 11점 중 단 두 점만이 이전에 공개된 적이 있습니다. 이는 현대 관람객들이 트루잇—그녀의 구조물, 그녀의 드로잉, 그리고 그녀의 회화 모두를 재조명할 수 있는 엄청난 기회입니다. 이 이차원 작품의 섬세한 손으로 그린 선들은 외로움과 희망이라는 상반된 감정을 불러일으킵니다. 불확실하고 화가의 느낌이 나는 형태는 약간의 균형을 잃은 듯 느껴지며, 이상하게도 인간적입니다: 결점이 있지만 자신감이 넘치고, 그녀가 그것들을 순수한 하드 엣지 기하학적 형태로 만들었다면 전혀 다른 느낌이었을 것입니다. 이 회화의 색상 관계는 신선한 중요성을 띠는 것처럼 보이며, 그녀의 구조물의 색상 관계를 다시 살펴보도록 저를 자극합니다. 한편, 표면의 형태—어떤 것은 높고 수직적이며, 다른 것은 수평적이고 길며, 또 다른 것은 완벽하게 정사각형인—은 구성에 풍부한 다양성을 부여합니다. 개성과 감정으로 가득 찬 이 회화들은 트루잇과 그녀의 작품이 너무 자주 오해받아 왔음을 상기시킵니다. 1960년대에 그녀는 클레멘트 그린버그와 도널드 저드로 대표되는 뉴욕 미술계 남자 클럽에 의해 프로토 미니멀리스트로 불렸습니다. 그러나 트루잇은 자신의 작업을 그렇게 보지 않았습니다. 그녀는 그것을 표현주의로 가는 길로 보았습니다. 그녀는 "나는 가능한 가장 단순한 형태로 최대의 의미를 얻기 위해 평생 고군분투해왔다."고 말했습니다. 1961년 구겐하임에서 아드 레인하르트와 바넷 뉴먼의 작품을 본 후, 그녀는 예술 작품에 충분한 색상과 공간을 담아내어 마침내 자신의 가장 깊은 감정을 표현할 수 있을 것이라는 깨달음을 얻었습니다. 그 계시를 물리적 형태로 번역한 후, 그녀는 "자신의 가장 친밀한 자아 안에 있었던 것이 가시화되는 것을 지켜보는 날카로운 기쁨"을 묘사했습니다.

오해의 역사

트루잇이 비평가들에 의해 오해받아온 역사는 1963년 2월 뉴욕의 앙드레 에머리히 갤러리에서 열린 그녀의 첫 번째 개인 전시회로 거슬러 올라갑니다. 이 전시회에는 여섯 개의 손으로 그린 직사각형의 포플러 구조물이 전시되었습니다. 각 구조물은 트루잇이 디자인한 후 가구 제작자가 원목으로 제작했습니다. 트루잇은 그 후 페인트를 적용하여 형태에 추상적인 패턴을 만들고, 눈에 보이는 붓 자국을 남기는 데 주의했습니다. 트루잇에게 형태, 색상 및 재료의 특성 간의 관계는 감정을 불러일으키고 의미를 찾도록 유도하기 위한 것이었습니다. 그러나 전시회에서 작품의 배치는 이러한 의도를 방해했습니다. 배치는 분명히 트루잇이 아닌 켄네스 놀랜드와 클레멘트 그린버그에 의해 이루어졌습니다. 그들은 전시회를 계획하는 동안 트루잇에게 의견을 묻지 않았고, 사람들이 그녀의 성별을 알지 못하도록 마케팅에서 그녀의 이름을 제거할 것을 제안하기도 했습니다.

Anne 트루잇 - 방탕한, 1986. 아크릴화, 캔버스. 96 x 8 1/2 인치. 244 x 22 cm. © Anne 트루잇. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공

사진에서 구조물들은 위압적이고 혼잡해 보이며, 낮은 천장의 방에 함께 모여 있거나 경우에 따라 벽에 붙어 있습니다. 그들은 독특한 예술 작품이라기보다는 쥐 미로의 조각처럼 보입니다. 작품 수를 줄이거나 더 넓은 공간에 작품을 배치했다면 각 구조물이 자신의 우려를 완전히 표현할 수 있었을 것입니다. 대신, 작품들은 미니멀리즘의 무의미하고 익명의 분출로 해석되었습니다. 그것이 바로 남자 클럽이 원했던 방식입니다. 저드는 몇 달 전 같은 갤러리에서 열린 그룹 전시회에서 그의 첫 번째 미니멀 구조물을 전시했습니다. 그리고 클레멘트 그린버그가 트루잇 전시에 대한 그의 에세이에서 처음으로 그녀의 작품이 "미니멀리즘을 예견했다"고 잘못 주장한 것이었습니다. 이 남자들이 한 거의 모든 것과 마찬가지로, 그것은 트루잇에 관한 것이 아니라 그들 자신에 관한 것이었습니다. 그들은 트루잇을 잘못된 비판적 상자에 가두어 그들 자신을 백인 남성들이 지배하는 예술 역사 전개의 주요 해석자로 자리매김할 수 있도록 했습니다. 그 이후로 관객들은 트루잇과 그녀의 작품의 의도에 대해 혼란스러워하고 있습니다.

Anne 트루잇 - 드루이드, 1992. 아크릴화. 20 x 120 인치. 51 x 305 cm. © Anne 트루잇. 매튜 마크스 갤러리 제공, 뉴욕

진정한 트루잇을 발견하세요

안타깝게도, 오늘날 많은 미술 비평가들도 별반 다르지 않습니다. 매튜 마크스 갤러리에서 열리는 트루잇 회화 전시는 2018년 4월 워싱턴 D.C.의 내셔널 갤러리 오브 아트에서 종료된 In The Tower: Anne 트루잇이라는 또 다른 주요 전시회 직후에 열립니다. 그 전시는 최근 박물관에 의해 인수된 트루잇 작품의 선택에 초점을 맞추었습니다. 전시된 작품 중에는 매혹적인 노란색과 흰색의 수직 구조물 “메리의 빛” (1962)과 초현실적이고 수평인 이색의 “파르바 XII” (1977)가 있었습니다. 이 작품들은 특히 뉘앙스와 시각적 시로 가득 차 있습니다. 페인트는 형태의 목소리를 모방하고, 색상 관계는 중력과 함께 또는 그에 반하여 음모를 꾸밉니다. 주의 깊은 관찰자는 그들의 감정적 힘에 의해 쉽게 눈물을 흘릴 수 있습니다. 그것은 눈에서 시작되지만, 빠르게 마음과 정신으로 이동합니다.

Anne 트루잇 - 앙부아, 1989. 아크릴 캔버스. 48 1/4 x 48 1/8 인치. 123 x 122 cm. © Anne 트루잇. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공.

그러나 그린버그와 저드의 시대처럼, 그 쇼를 다룬 가장 영향력 있는 작가인 워싱턴 포스트의 필립 케니콧(퓰리처상 수상자)은 트루잇의 작업에 대한 정당한 평가를 내리기보다는 그녀를 폄하했다. 케니콧은 주로 트루잇이 이끌었던 사생활에 집중했다. 그는 그녀가 존재했던 사회적 서클과 그 주위에서 떠도는 가십에 대해 사소한 논평을 했다. 그는 예술에 대해서는 거의 언급하지 않았고, 언급했을 때도 비판적으로 다루지 않았다. 예를 들어, 그는 트루잇 조각품의 선택이 “어떤 WASP적인 거리감을 두고 서로 떨어져 있다”는 터무니없고 명백히 불쾌한 발언을 했다. 그게 도대체 무슨 뜻인가? 어쨌든, 그것은 예술보다 작자에 대해 더 많은 것을 말해준다. Anne 트루잇: 매튜 마크스에서의 회화는 이 과소평가된 예술가가 창조한 중요한 작품을 새롭게 시작할 기회이다. 그것은 그녀가 했던 모든 다른 작업에 영향을 미친 뉘앙스와 복잡성에 대한 접근을 제공한다. 만약 그것을 볼 기회가 있다면, 이 조언만은 따르라: 비평가들을 무시하고 작품이 스스로 말하게 하라. Anne 트루잇 회화는 2018년 10월 27일까지 매튜 마크스 갤러리 뉴욕에서 전시된다.

특집 이미지: Anne 트루잇 - 브런트, 1974. 아크릴화. 19 x 92 인치. 48 x 234 cm. © Anne 트루잇. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공
필립 Barcio