가장 단순한 형태로 최대한 활용하기 - Anne 트루잇, 매튜 마크스에서

뉴욕의 매튜 마크스 갤러리에서 Anne Truitt의 희귀한 회화 전시가 현재 열리고 있습니다. Truitt(1921 – 2004)는 주로 조각품, 또는 흔히 구조물이라 불리는 작품들로 잘 알려져 있습니다. 이번 전시는 1970년대 이후 그녀의 회화 작품을 다룬 첫 번째 주요 미국 전시로, 전시된 11점 중 단 두 점만이 이전에 공개된 적이 있습니다. 현대 관람객들이 Truitt의 구조물, 드로잉, 그리고 회화 작품을 다시 살펴볼 수 있는 훌륭한 기회입니다. 이 2차원 작품들에 섬세하게 손으로 그려진 선들은 외로움과 희망이라는 상반된 감정을 불러일으킵니다. 약간 불균형한, 부정확하고 화가다운 형태들은 이상하게도 인간적입니다: 결함이 있지만 자신감이 넘치며, 만약 그녀가 순수한 단단한 경계의 기하학적 형태로 만들었다면 느낄 수 없었을 차별화된 느낌입니다. 이 회화들 속 색채 관계는 새롭게 중요한 의미를 띠는 듯하며, 저로 하여금 그녀의 구조물 색채 관계를 다시 살펴보게 만듭니다. 한편, 표면의 형태들—어떤 것은 높고 수직이며, 어떤 것은 수평으로 길고, 또 어떤 것은 완벽한 정사각형—은 구성에 풍부한 개성을 부여합니다. 개성과 감정으로 가득한 이 회화들은 Truitt와 그녀의 작품 세계가 너무 자주 오해받아 왔음을 상기시켜 줍니다. 1960년대에 그녀는 뉴욕 미술계 남성 클럽, 특히 클레멘트 그린버그와 도널드 저드에 의해 원시 미니멀리스트로 불렸습니다. 그러나 Truitt는 자신의 작품을 그렇게 보지 않았습니다. 그녀는 그것을 표현주의로 가는 길로 보았습니다. 그녀는 “나는 평생 가장 단순한 형태 안에서 최대의 의미를 얻기 위해 고군분투해 왔다”고 말했습니다. 1961년 구겐하임 미술관에서 아드 라인하르트와 바넷 뉴먼의 작품을 본 후, 그녀는 작품 안에 충분한 색과 공간을 담아내어 자신의 가장 깊은 감정의 광대함과 깊이를 표현할 수 있을 것이라는 깨달음을 얻었습니다. 그 깨달음을 물리적 형태로 옮긴 후, 그녀는 “자신의 가장 내밀한 자아 안에 있던 것이 가시화되는 날카로운 기쁨”을 묘사했습니다.

오해의 역사

Truitt가 비평가들에게 오해받아 온 역사는 1963년 2월 뉴욕의 앙드레 에머리히 갤러리에서 열린 그녀의 첫 개인전으로 거슬러 올라갑니다. 그 전시에는 여섯 점의 손으로 그린 직사각형 포플러 구조물이 전시되었습니다. 각 구조물은 Truitt가 설계하고 목공 장인이 원목으로 제작했습니다. Truitt는 그 위에 추상적인 무늬를 그리며 붓질 자국이 보이도록 페인트를 칠했습니다. Truitt에게 형태, 색상, 재료의 관계는 감정을 불러일으키고 의미를 탐색하게 하는 의도였습니다. 그러나 전시에서 작품 배치는 그 의도를 방해했습니다. 배치는 분명히 Truitt가 한 것이 아니라, 같은 갤러리 소속이었던 Kenneth Noland과 클레멘트 그린버그가 했습니다. 그들은 전시 기획 시 Truitt의 의견을 묻지 않았으며, 심지어 마케팅에서 그녀의 이름을 빼 성별이 드러나지 않도록 하자고 제안하기도 했습니다.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. 캔버스에 아크릴. 96 x 8 1/2 인치. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공

사진 속 구조물들은 낮은 천장 방에 빽빽이 모여 벽에 기대어 있는 경우도 있어 위압적이고 혼잡해 보입니다. 독특한 예술 작품이라기보다 쥐 미로의 조각처럼 보입니다. 작품 수를 줄이거나 더 넓은 공간에 배치했다면 각 구조물이 자신의 의도를 충분히 표현할 수 있었을 것입니다. 대신 작품들은 무의미하고 익명적인 미니멀리즘의 폭발로 해석되었습니다. 바로 그 점이 남성 클럽이 원했던 바였습니다. 저드는 몇 달 전 같은 갤러리에서 열린 그룹 전시에서 자신의 첫 미니멀 구조물을 선보였습니다. 그리고 클레멘트 그린버그는 Truitt 전시에 관한 글에서 그녀의 작품이 “미니멀리즘을 예견했다”고 잘못 주장했습니다. 이 남성들이 한 거의 모든 말과 행동이 그랬듯, 그것은 Truitt에 관한 것이 아니라 자신들에 관한 것이었습니다. 그들은 Truitt를 거짓된 비평적 틀에 가두어 자신들이 백인 남성 중심의 미술사 해석의 핵심 인물로 자리매김하려 했습니다. 그 이후로 관람객들은 Truitt와 그녀 작품의 의도에 대해 혼란스러워했습니다.

Anne Truitt - Druid, 1992. 캔버스에 아크릴. 20 x 120 인치. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공

진정한 Truitt를 발견하다

안타깝게도 오늘날 많은 미술 비평가들도 별반 다르지 않습니다. 매튜 마크스 갤러리에서 열리는 Truitt 회화 전시는 2018년 4월 워싱턴 DC 국립미술관에서 막을 내린 또 다른 주요 전시 In The Tower: Anne Truitt에 이어 열립니다. 그 전시는 최근 미술관이 소장한 Truitt 작품들을 중심으로 구성되었습니다. 전시된 작품 중에는 오싹한 노란색과 흰색의 수직 구조물 “Mary’s Light”(1962)와 이세계적인 수평의 두 가지 파란색 톤 “Parva XII”(1977)가 있었습니다. 이 작품들은 특히 미묘함과 시적 아름다움으로 가득합니다. 페인트는 형태의 목소리를 흉내 내고, 색채 관계는 중력과 함께 또는 대항하며 작용합니다. 세심한 관찰자는 그 감정적 힘에 눈물을 흘릴 수도 있습니다—눈에서 시작해 곧 마음과 가슴으로 전해집니다.

Anne Truitt - Envoi, 1989. 캔버스에 아크릴. 48 1/4 x 48 1/8 인치. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공

그러나 그린버그와 저드 시대와 마찬가지로, 그 전시를 다룬 가장 영향력 있는 작가인 워싱턴 포스트의 필립 케니콧(퓰리처상 수상자)은 Truitt를 깎아내리며 그녀의 작품에 합당한 평가를 하지 않았습니다. 케니콧은 주로 Truitt의 사생활에 초점을 맞추었고, 그녀가 속한 사회적 모임과 그 주변의 소문에 대해 하찮은 논평을 했습니다. 작품에 대해서는 거의 언급하지 않았고, 언급할 때도 비평적이지 않았습니다: 예를 들어, Truitt 조각품 몇 점이 “어떤 WASP(백인 앵글로색슨 개신교도) 같은 절제된 태도로 서로 떨어져 서 있다”는 그의 터무니없고 명백히 모욕적인 발언을 보십시오. 그게 무슨 뜻인가요? 어쨌든 그것은 작품보다 작가에 대해 더 많은 것을 말해줍니다. 매튜 마크스 갤러리에서 열리는 Anne Truitt: Paintings 전시는 이 과소평가된 예술가가 창조한 중요한 작품 세계를 새롭게 시작할 기회입니다. 그녀가 한 다른 모든 작업에 영향을 준 미묘함과 복잡함에 접근할 수 있는 길을 제공합니다. 기회가 된다면, 단 한 가지 조언을 드립니다: 비평가들의 말을 무시하고 작품이 스스로 말하게 하십시오. Anne Truitt Paintings는 2018년 10월 27일까지 뉴욕 매튜 마크스 갤러리에서 전시됩니다.

대표 이미지: Anne Truitt - Brunt, 1974. 캔버스에 아크릴. 19 x 92 인치. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공
필립 Barcio 작품