'주세페 페논의 림프 매트릭스를 통한 추상화와 아르떼 포베라'

2019년 파리에서 열린 국제 현대미술 박람회(Foire Internationale d'Art Contemporain, FIAC) 기간 동안 이에나 궁전(Palais d’Iéna)을 방문한 이들은 드문 광경을 목격했습니다. 바로 2008년에 주세페 페노네(Giuseppe Penone)가 처음 선보인 40미터 길이의 반으로 쪼개진 소나무 조각 작품 의 설치였습니다. 궁전의 대강당에서 를 처음 본 관람객들은 이것이 현대미술 작품임을 알아차리지 못했을 수도 있습니다. 그들은 바이킹의 배가 전시된 것으로 생각했을지도 모릅니다. 길이 방향으로 쪼개지고 중앙이 파내어졌으며, 가지는 80센티미터 지점에서 잘려 나간 이 쓰러진 나무는 실제로 고대의 운송 수단을 닮아 있습니다. 짧아진 노가 신비로운 강을 헤치고 나아가는 듯합니다. 그러나 자세히 보면 추가적인 개입이 드러납니다. 수액을 흉내 낸 식물성 수지가 빈 공간을 따라 흐르며, 페노네가 자신의 손과 발로 남긴 신체 자국을 덮고 있습니다. 바닥에는 가죽 조각들이 놓여 있습니다. 페노네는 동봉된 에세이에서 이렇게 썼습니다. “뒤집힌 소나무의 줄기는 식물의 본성을 일부 잃고 다른, 동물적인 본성을 암시한다; 바람에 흔들리며 나무를 빛으로 밀어 올렸던 가지들은 이제 희생 제단처럼 나무를 둘러싼다.” 이 작품은 독특하고 해석하기 어렵지만, 페노네가 개척한 예술 철학인 아르테 포베라(Arte Povera, 가난한 예술)를 완벽하게 보여줍니다. 1967년 제르마노 첼란트(Germano Celant)가 그의 선언문 “게릴라를 위한 노트(Notes for a Guerilla)”에서 처음 요약한 혁명적인 미학적 관점인 아르테 포베라는 인간화와 자연을 포용합니다. 첼란트는 선언문에서 미국에서 비평가, 큐레이터, 교수, 딜러 같은 자칭 권위자들이 역사와 결탁해 이른바 예술 운동을 조작하는 체계적인 예술의 비인간화를 강력히 비판했습니다. “저쪽에는 복잡한 예술이 있고,” 그는 썼습니다, “이쪽에는 현재에 헌신하는 가난한 예술이 있다. 목표는 해방이다... ‘팝’이든 ‘옵’이든 ‘기본 구조’이든 범주로 표현된 모든 입장을 폐지하고, 우리의 인식 세련됨에 아무것도 더하지 않는 몸짓에 집중하는 것이다. 예술이 삶과 대립하지 않고, 자아와 세계의 두 다른 차원의 분열과 창조로 이어지지 않는 것이다.”

지금, 개성

아르테 포베라에 대한 지속적인 오해 중 하나는 ‘포베라’라는 단어가 작품에 사용된 재료의 싸구려나 허술함과 관련이 있다는 점입니다. 사실, 첼란트는 “게릴라를 위한 노트” 어디에서도 가난한 예술이 오래가지 못할 재료로 만들어져야 한다고 언급하지 않습니다. 오히려 정반대입니다. 그는 가난한 예술이 예술가가 선택하는 어떤 수단이나 재료로도 만들어질 수 있다고 제안합니다. “예술가는 전투터를 선택할 수 있는 게릴라 전사”라고 말합니다. 이 오해는 피노 파스칼리(Pino Pascali) 같은 1세대 아르테 포베라 예술가들이 흙과 물 같은 단순한 재료를 사용한 작품을 오독한 데서 비롯된 일반화일 수 있습니다. 하드웨어 상점의 도구 같은 일상적인 물건을 차용한 피에로 질라르디(Piero Gilardi), 자신의 배설물로 예술을 만든 피에로 만조니(Piero Manzoni), “가난한 재료를 사용함으로써 그것들이 여전히 유용할 수 있음을 증명하고자 했다”고 말한 알베르토 사키(Alberto Sacchi)도 있습니다.

주세페 페노네, Matrice di Linfa, 이에나 궁전, 2019년 10월, 전시 전경. 주세페 페노네, Matrice di Linfa, 2008. 전나무, 수지, 테라코타, 가죽, 금속, 131 x 4500 x 212 cm. 사진 출처: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, 건축가 오귀스트 페레, UFSE, SAIF. Archivio Penone 및 Marian Goodman Gallery, 뉴욕, 파리, 런던 제공

그러나 사키가 사용한 핵심 단어는 “선택”이었습니다. 모든 아르테 포베라 예술가가 같은 선택을 했다고 생각하는 것은 플렉시글라스, 고무, 폴리에스터, 철, 구리 같은 재료를 사용한 지아니 피아첸티노(Gianni Piacentino)의 작품이나 오늘날 지도 작품으로 가장 유명한 알리기에로 보에티(Alighiero Boetti)의 작품을 무시하는 것입니다. 보에티는 우표부터 플라스틱 펜까지 모든 것을 사용했지만, 재료 자체는 그의 주된 관심사가 아니었습니다. 가장 중요한 것은 개인적인 진술, 즉 세계의 명백한 문화적 다양성을 지적하는 자명하고 경험적인 진술을 만드는 것이었습니다. 사실 첼란트가 아르테 포베라에 필수적이라고 말한 유일한 것은 예술가가 개성을 우선시하는 것입니다. 성별 언어를 떠나 그의 선언문은 자아를 찬양하며 “인간이 메시지다. 시각 예술에서 자유는 모든 것을 오염시키는 씨앗이다. 예술가는 모든 꼬리표를 거부하고 오직 자신과만 동일시한다”고 말합니다. 첼란트는 심지어 “가난한 예술”이라는 용어가 “풍부한 예술”이라는 표현으로 쉽게 바뀔 수 있다고도 생각했는데, 이는 “예술적 해방이 제공하는 엄청난 도구적·정보적 가능성” 덕분입니다.

주세페 페노네, Matrice di Linfa, 2008 (세부). 전나무, 수지, 테라코타, 가죽, 금속, 131 x 4500 x 212 cm. 사진 출처: Rebecca Fanuele. Archivio Penone 및 Marian Goodman Gallery, 뉴욕, 파리, 런던 제공

진부함을 없애다

아르테 포베라에 대한 또 다른 오해는 이 운동이 20세기 중반 이탈리아에서 시작되어 끝난 운동이라는 것입니다. 사실, 이 운동은 항상 존재해 왔으며 앞으로도 계속 존재할 것입니다. 첼란트는 인간 조건의 일부였던 현실에 단지 말을 붙였을 뿐입니다: 구조화된 통치와 무지도 자유 사이의 내적 투쟁. 이런 점에서 아르테 포베라 정신은 우리가 아는 가장 오래된 예술, 즉 북부 스페인의 구석기 동굴 예술에서 분명히 드러납니다. 이 예술은 사용 가능한 어떤 재료로든 만들어졌으며, 인류와 자연을 반영하는 듯 보입니다. 그러나 이 예술을 만든 예술가들의 사회 구조에 대해서는 아무것도 알 수 없습니다. 그들은 자유로웠을까요? 죄수였을까요? 구조화된 사회의 일부였을까요? 비위계적인 씨족의 자발적 구성원이었을까요? 그들의 작품은 완전히 설명되기를 영원히 거부하며, 단지 존재한다는 사실만으로도 완벽한 아르테 포베라의 선언입니다.

주세페 페노네, Pensieri di foglie, 2016. 청동, 강돌, 189 x 132 x 315 cm. 사진 출처: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, 건축가 오귀스트 페레, UFSE, SAIF. Archivio Penone 및 Marian Goodman Gallery, 뉴욕, 파리, 런던 제공

같은 정신이 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)이 사회 제도가 예술로 여기는 것을 끊임없이 질문하게 만들었고, 구타이 그룹, 플럭서스, 누보 레알리스트, 제로 그룹이 모호한 발견을 향해 나아가게 한 원동력이라고도 할 수 있습니다. 그리고 여전히 분류할 수 없는 작품을 만들거나 반복 압력에 저항하는 수많은 현대 예술가들의 작업 속에 존재합니다. 첼란트가 선언문에서 썼듯이, “이 작업은 ‘매 순간의 되풀이 불가능성’의 기록에 헌신한다.” 이 헌신이 추상미술의 핵심이 아니겠습니까? 범주적으로 불확정적인 것에 대해 확정적인 진술을 함으로써, 모든 추상 예술가는 어느 정도 ‘교리의 일관성’에서 벗어나 우리 자신을 자유롭게 할 수 있도록 돕습니다. 이들은 고독한 방식으로 미지의 표현과 이전에 보이지 않았던 것의 현현을 향해 작업하며, 아마도 헛되이 이미 존재하는 것을 모방하지 않기를 바라며, 아르테 포베라의 주요 열망 중 하나인 진부함의 근절을 계승하는 이들입니다.

대표 이미지: 주세페 페노네 - Pensieri di foglie, 2016, 세부. 사진 출처: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, 건축가 오귀스트 페레, UFSE, SAIF. Archivio Penone 및 Marian Goodman Gallery, 뉴욕, 파리, 런던 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
필립 Barcio 작성