아고스티노 보날루미의 다면체를 통한 창의적 경로
올 여름, 아고스티노 보날루미의 사망 5주년을 기념하여 밀라노 왕궁에서는 보날루미 1958 – 2013를 선보입니다. 이는 그가 세상을 떠난 이후 그가 태어난 도시에서 열리는 첫 번째 전시입니다. 전시는 연대순으로 전개되며, 관람객들에게 그의 초기 아르떼 포베라 탐구에서 제로 운동의 가장 매력적인 예술가 중 한 명으로 발전하기까지의 과정을 추적할 기회를 제공합니다. 1958년 유럽에서 설립된 제로 운동은 제2차 세계대전 이후 10년 동안 널리 퍼진 추상 표현주의와 같은 서정적이고 감정적인 예술 경향에 반응하기 위한 광범위한 시도였습니다. 제로 아티스트들은 감정이나 개인적 성격에 의존하지 않는 방법을 확립함으로써 예술가들에게 새로운 가능성을 창출하기를 희망했습니다. 제로 아트는 의도적으로 표현주의가 결여되어 있었습니다. 그룹의 공동 창립자인 오토 피에네의 말에 따르면, 제로라는 용어는 "새로운 시작을 위한 침묵의 영역과 순수한 가능성을 표현하는 방법"이었습니다. 이 운동은 제로라는 잡지의 발행으로 시작되었고, 결국 누보 레알리즘, 아르떼 포베라, 미니멀리즘, 옵 아트 및 키네틱 아트를 포함한 다양한 예술 운동으로 확장되었습니다. 이 모든 운동은 공통의 철학적 목표를 공유했습니다. 보날루미는 다면체와 물리적 세계에 존재할 수 있는 잠재적으로 무한한 차원에 대한 신비로운 관점을 표현하는 "엑스트로플렉션"이라는 그가 개척한 기술에 집중함으로써 그룹에 독특한 기여를 했습니다. 제로 아트의 전반적인 목적이 개별 예술가에 대한 개인적 참조를 피하는 것이었지만, 보날루미가 만든 엑스트로플렉션의 특이한 성격은 이러한 작품들이 그의 것으로 즉시 식별 가능하게 만듭니다.
다각형의 부상
간단히 말해, 다면체는 하나 이상의 면을 가진 고체 형태입니다. 기술적으로, 종이 한 장이나 캔버스 한 장과 같은 단일 평면 물체는 하나 이상의 면을 가지고 있지만, 기술적으로 여전히 다면체는 아닙니다. 그것은 단순한 다면체입니다. 그러나 그 평면 종이나 평면 캔버스를 접어서 피라미드 형태를 만든다면, 그것은 다면체가 됩니다. 기본적으로, 평면 표면에 어떤 움푹 들어간 부분이나 주름이 생겨서 여러 개의 평면 면을 가진 3차원 형태가 만들어지면, 다면체가 생성된 것입니다. 모든 다면체는 그 움푹 들어간 부분이나 주름에 의해 형성된 면의 수에 따라 고유한 이름을 가지고 있습니다. 예를 들어, 네 개의 평면을 가진 형태는 사면체이고; 여덟 개의 평면을 가진 형태는 팔면체이며; 계속해서 그렇게 됩니다.
아고스티노 보날루미 - 네로, 1959, 60 x 90 cm, 텔라 에스트로플레사 및 비닐릭 템페라. © 아고스티노 보날루미
예술가가 이런 것들에 대해 신경 쓸 이유가 무엇일까요? 보날루미는 다면체에 관심이 있었는데, 이는 물리적 세계의 힘과 요소를 표현하는 방식 때문입니다. 특히 그는 그림이 평면성에 의해 부분적으로 정의되는 방식에 관심이 있었습니다. 그는 자신의 그림의 평면 표면을 변형시키고, 다면체를 만들어 그들의 단순한 예술 작품으로서의 지위를 혼란스럽게 하여 대신 추상 객체 그림으로 승격시키고자 했습니다. 그는 처음에 가능한 가장 간단한 방법으로 이 목표를 달성했습니다. 캔버스의 표면을 팽팽하게 늘리고 그 뒤에 물체를 삽입하여 표면을 통해 돌출되게 하여 추가적인 표면을 만드는 것이었습니다. 결과적으로 생성된 다면체는 단순해 보일 수 있지만, 실제로는 공간, 형태, 차원성, 색상, 질감, 빛과 그림자를 표현하는 매우 복잡한 것입니다. 이는 모두 압력으로 2차원 표면을 방해하는 간단한 행위를 통해 이루어집니다.
아고스티노 보날루미 - 비앙코, 1986, 130 x 162 cm. © 아고스티노 보날루미
엑스트로플렉션의 범위
보날루미는 그의 다면체 작품을 "에스트로플레시오니(estroflessioni)" 또는 외향으로 설명했으며, 이는 뒤로 구부러지는 것(후향(reflection)이라고 불리는 것)의 반대 개념을 전달하는 단어입니다. 외향은 앞으로 구부러지며, 긴장을 사용하여 공간과 시간으로 뻗어나갑니다. 어떤 의미에서 외향하는 행위는 미래를 향해 손을 뻗는 상징적인 제스처로 인식될 수 있습니다. 보날루미는 그의 작품에 대해 매체와 내용의 혁신적인 파괴를 설명하며 "표면이 예술 작품이 되었다"고 선언했습니다. 이 아이디어를 강조하기 위해 그는 각 외향에 대해 단색 팔레트를 유지했으며, 이는 긴장과 평면이 빛을 방해하는 능력을 충분히 표현할 수 있도록 해준다고 느꼈습니다. 능선을 만들어 외향은 평면에 그림자를 드리움으로써 색조에 대한 인식을 변화시킵니다. 따라서 단색은 다차원적으로 변함으로써 다채롭게 보이는 것처럼 보입니다. 이 현상은 색과 빛의 차이를 질문함으로써 진정한 단색의 정의에 도전하며, 과연 그 사이에 진정한 차이가 있는지에 대해 의문을 제기합니다.
아고스티노 보날루미 - 지알로, 2013, 100 x 200 cm. © 아고스티노 보날루미
이러한 실험을 통해 보날루미는 그의 물리적 예술작품뿐만 아니라 그의 개념도 앞으로 나아간다는 것을 증명했습니다. 그의 작업의 지적 측면은 보날루미 1958 – 2013에서 특히 분명하게 드러납니다. 많은 다른 작품들 중에서 이 전시회는 보날루미가 1960년대 후반에 만든 세 개의 중요한 대형 작품을 선보입니다. 첫 번째 작품인 “블루 아비타빌레” (1967)는 크기가 300 x 340 센티미터입니다. 이름에서 알 수 있듯이, 이 작품은 공간을 포괄하고 생명을 지탱할 수 있는 구체적인 요소로서 색상을 표현합니다. 나머지 두 작품은 “네로” (검정)와 “비앙코” (흰색)라는 이름의 대형 유리섬유 외부 굴곡물로, 1970년 베니스 비엔날레를 위해 보날루미가 만든 방 크기의 설치 작품에서 처음 선보였으며, 이번 전시를 위해 재현되었습니다. “네로”는 6 x 12 미터, “비앙코”는 25 미터가 넘습니다. 이러한 작품의 본질은 그들의 거대한 규모에 있습니다. 그들의 물리적 존재는 인간 형태에 대해 부인할 수 없는 힘을 발휘합니다. 그들이 자신을 포함하고 있다고 여겨지는 공간을 변형하고 도전할 수 있는 능력 덕분에, 그들은 보날루미가 기억되는 독특한 아이디어를 완벽하게 구현합니다: 긴장이 매체로 변형될 수 있고, 공간이 내용이 될 수 있으며, 표면만으로도 예술 작품으로 승격될 수 있음을 증명합니다. 보날루미 1958 – 2013는 2018년 7월 13일부터 9월 30일까지 밀라노 왕궁에서 전시됩니다.
특집 이미지: 아고스티노 보날루미 - 블루 아비타빌레 (거주할 수 없는 파랑), 1967, 300 x 340 cm. © 아고스티노 보날루미
필립 Barcio
