안니 알버스와 섬유 예술의 추상화

1919년 독일에서 바우하우스가 설립되었을 때, 그것은 비교적 진보적인 아카데미였다. 그것은 예술과 디자인의 연구를 통합하여 두 가지 모두에 대한 총체적 접근을 추구하였고, 모든 성별의 학생들에게 등록을 열었다. 그러나 안니 알버스가 1922년 그곳에 학생으로 등록했을 때, 바우하우스는 여전히 여성 예술가들이 섬유 수업만 듣도록 제한하고 있었다. 알버스는 지원할 당시 숙련된 화가였다. 그럼에도 불구하고 그녀는 두려움 없이 섬유 커리큘럼을 수용하였고, 그것이 도전적이고 계몽적임을 발견했다. 사실, 그녀는 섬유 매체에 깊은 영감을 받아 그 독특한 특성을 마스터하는 데 평생을 바쳤다. 1994년 그녀가 세상을 떠날 때까지, 알버스는 세계에서 가장 존경받는 섬유 전문가 중 한 명이자 그녀 세대에서 가장 영향력 있는 추상 예술가 중 한 명이 되었다. 그녀의 추상 섬유를 통해 그녀는 바우하우스 이상주의의 정수를 성취하였다: 그녀는 예술, 공예 및 디자인을 융합하여 건축적 정신에 봉사하였다.

기능을 찾고 있는 구조

섬유와 건축은 많은 공통점을 가지고 있습니다. 의복과 주거는 인류의 가장 원시적이고 기본적인 두 가지 필요입니다. 인간이 지은 최초의 건축 구조물인 석조 기념물은 달력으로 사용되며, 10만 년 전으로 거슬러 올라갑니다. 그리고 우리의 고대 조상들이 최소 50만 년 전에는 옷을 입고 있었다는 증거가 존재합니다. 그러나 섬유라는 단어는 동물 가죽과 같은 옷을 지칭하지 않습니다. 오히려 섬유는 섬유를 엮어 만든 직물입니다. 직조된 섬유의 가장 초기 증거는 약 3만 4천 년 전으로 거슬러 올라갑니다. 관점을 제공하기 위해, 가장 오래된 손도끼는 260만 년 전으로 거슬러 올라가며, 인간에 의한 불의 통제된 사용의 가장 오래된 증거는 170만 년 전으로 거슬러 올라갑니다.

그러나 직조의 기술은 섬유 자체보다 더 오래되었을 수 있습니다. 가장 오래된 직조 바구니는 약 50,000년 전으로 거슬러 올라갑니다. 바구니 직조에 사용되는 기술 중 하나는 트윌 직조라고 불립니다. 아프리카에서 발견된 조각된 돌인 블롬보스 동굴 껍질은 최소 70,000년 전으로 거슬러 올라가며, 트윌 직조의 이미지를 보여줍니다. 탄소 연대 측정은 이 바위들이 묻힌 시점만 알려줄 수 있고, 조각된 시점은 알 수 없기 때문에 이들이 정확히 얼마나 오래되었는지 아는 것은 불가능합니다. 그러나 그 존재 자체는 매혹적입니다. 이는 직조가 우리가 생각하는 것보다 훨씬 더 고대의 것일 수도 있음을 나타내거나, 이 기술에 관련된 패턴이 인간의 미적 어휘에서 추상적 구조로 존재했으며, 기능적 형태의 창조에서 실용적인 용도를 찾기 전에 존재했음을 나타냅니다.

7만 년 된 트윌 직조 패턴이 선사 시대 아프리카 돌에 새겨져 있다.

전산업 공예의 예술

안니 알버스가 바우하우스에 등록하고 섬유를 만드는 방법을 배우기 시작했을 때, 손으로 직조할 필요성은 이미 사라진 지 오래였다. 섬유를 만드는 과정은 완전히 산업화되었다. 고용량의 기계 직조기는 이미 100년 이상 존재해왔다. 그럼에도 불구하고 직조의 기술적 측면은 선사시대의 뿌리에서 거의 변하지 않았다. 오늘날에도 여전히 세 가지 기본 직조 방식만 남아 있다: 평직, 트윌, 새틴, 이 모든 것은 고대에 뿌리를 두고 있다.

구식임에도 불구하고, 산업 이전의 직조는 Anni Albers가 바우하우스에서 배운 것이었다. 그녀는 등받이 직조기와 같은 전통 도구, 아마와 대마와 같은 전통 재료를 연구하고, 기본 직조의 기초 구조를 마스터했다. 그리고 Albers는 실험하는 법도 배웠는데, 그녀는 이것이 자신의 교육에서 가장 중요한 부분이라고 믿었다. 그녀가 1941년 에세이 오늘날의 손직조: 블랙 마운틴 칼리지의 섬유 작업, 에서 쓴 것처럼, “손직조가 현대 생활에 실제적인 영향을 되찾으려면, 승인된 반복은 새로운 탐험의 모험으로 대체되어야 한다.” 바우하우스에서 그녀는 동물 털과 금속 실과 같은 새로운 재료를 시험하고, 그녀의 직물에 정교하고 현대적인 추상 이미지를 직조할 수 있게 해주는 새로운 패턴을 실험했다.

안니 알버스 - 벽걸이, 1984. 울. 98 × 89 인치. 243.8 × 226 cm. © 2018 조셉과 안니 알버스 재단

안니 알버스 섬유의 추상적 특성

추상에 대한 한 정의는 객관적인 영역이 아니라 아이디어의 영역을 다루는 것입니다. 그런 의미에서 알버스는 바우하우스에서 예술을 만드는 과정이 그 자체로 추상적인 경험이라는 것을 배웠습니다. 아카데미는 예술과 디자인에 대한 총체적 접근을 찾는 과정으로 커리큘럼을 구성함으로써 아이디어를 교육의 최전선에 두었습니다. 그러나 추상에 대한 또 다른 정의는 내용과 관련이 있습니다. 그런 의미에서 추상은 항상 예술에서 논란의 여지가 있었으며, 관객들은 그들이 보는 것의 의미에 대해 논쟁합니다. 또한 그런 의미에서, 관객들이 섬유와 가진 독특한 관계 때문에 알버스는 다른 매체에서 작업한 많은 동시대 예술가들에게 부여된 것보다 더 많은 자유를 가지고 추상을 탐구할 수 있었습니다.

추상 이미지가 섬유에서 대중적으로 수용되는 이유는 이 매체의 고대 전통과 관련이 있을 수 있습니다. 대체로 사람들은 섬유를 기능적인 아이템으로 간주합니다. 담요에 어떤 패턴이 있든, 당신이 그저 따뜻하게 지내기 위해 필요하다면 중요하지 않습니다. 추상 기하학적 그림은 이해할 수 없다는 이유로 분노를 일으킬 수 있지만, 추상 기하학적 섬유는 논란이 될 가능성이 낮습니다. 사실, 그것은 미적으로 아름답다고 여겨질 가능성이 높습니다. 추상 기하학적 패턴은 수만 년 동안 섬유에 존재해 왔습니다. 어쩌면, 우리가 이전에 그것들을 단순한 장식으로 보았던 것처럼, 알버스가 만든 고대의 추상 섬유는 우리가 아는 것과는 다른 의미나 기능을 가졌을지도 모릅니다.

안니 알버스 - 궤도에서, 1957. 양모. 21 ½ x 29 ½ 인치, 54.6 × 74.9 cm. 와즈워스 아테네움 미술관. © 2018 조셉과 안니 알버스 재단

직조에 관하여

바우하우스가 1933년에 문을 닫은 후, 알버스는 미국으로 이주하여 블랙 마운틴 칼리지에서 가르쳤습니다. 그녀는 경력 내내 계속해서 가르쳤고, 예술에 대해 광범위하게 글을 썼습니다. 그녀는 섬유에 대해 강의하고 예술 교육의 중요성을 옹호했습니다. 또한 중앙 및 남미를 광범위하게 여행하며, 그곳의 고대 원주민 문화의 풍부한 섬유 예술 역사에 매료되었습니다. 1965년, 알버스는 그녀의 기념비적인 저서 직조에 대하여를 "내 위대한 스승들, 고대 페루의 직조자들에게."에 헌정했습니다.

그녀는 자신의 책을 바우하우스 선생님들이나 블랙 마운틴 칼리지 동료들에게 헌정하기보다는 고대의 선배들에게 헌정하기로 선택했다. 그녀는 그들로부터 무엇을 배웠고, 어떻게 배웠는가? 그 답은 완전히 새로운 매체를 배우기 위해 그림과 드로잉을 포기해야 하는 요구에서 찾을 수 있다. 그녀가 1944년 에세이 예술 작업의 한 측면에서 썼듯이, “우리의 세계는 조각난다; 우리는 우리의 세계를 재건해야 한다. 붕괴의 혼돈 속에서 우리는 지속적인 것을 구할 수 있다: 우리는 여전히 우리의 '옳음' 또는 '그름', 내면의 목소리의 절대성을 가지고 있다—우리는 여전히 아름다움, 자유, 행복을 안다… 설명되지 않고 질문받지 않은 채.” 예술가로서 다시 배우는 과정은 그녀가 예술이 무엇인지 스스로 해체할 수 있게 해주었다. 그녀는 이미 창조적 충동과 예술 작품을 완성하는 느낌을 이해하고 있었다. 이제 그녀는 원초적이고 원시적인 예술의 진화와 연결될 수 있었고, 고대 직조자들이 했던 것처럼 충동에서 행동으로, 행동에서 완성된 객체로 천천히 의도적으로 나아갔다.

고대 페루 추상 섬유

마음의 특별한 능력

알버스가 만든 벽걸이와 섬유는 그 복잡성 면에서 놀랍습니다. 그들의 추상 예술 작품으로서의 가치는 그녀의 동시대 예술가들의 작품과 견줄 만합니다. 그러나 더욱 가치 있는 것은 알버스가 예술적 과정의 더 깊은 추상적 본질에 대해 얻은 통찰과 그 과정이 일상 생활과 어떻게 연결되는지에 대한 것입니다. 그녀는 그 주제에 대해 광범위하게 글을 썼고, 그녀의 글에서 우리는 예술의 근본적인 가치를 바라보도록 격려했습니다. 그녀는 예술이 우리에게 인내심을 기르고, 본능을 신뢰하며, 도전을 극복하고, 프로젝트를 끝까지 완수하는 방법을 가르친다고 썼습니다.

알버스는 예술을 만드는 과정의 각 단계가 마음의 작용에 대한 자신의 신비를 드러낸다고 믿었습니다. 직물처럼, 예술 창작 과정은 우리의 동기를 분석하고 우리의 행동의 더 큰 의미를 질문할 기회와 얽혀 있는 구조입니다. 알버스가 표현했듯이, “예술 작품은 예술 작품의 문제를 다루지만, 더 나아가 모든 창조의 과정, 즉 형체 없는 것을 형체 있게 만드는 과정을 가르칩니다. 우리는 그것을 통해 어떤 그림도 완성되기 전에는 존재하지 않으며, 어떤 형태도 형성되기 전에는 존재하지 않는다는 것을 배웁니다.” 그녀의 작업을 통해 그녀는 추상적인 내용을 전달했을 뿐만 아니라, 과학과 신앙처럼 예술을 만들고자 하는 탐구가 인간 의식의 근본적인 동력이라는 아이디어를 전달했습니다. 그것은 우주에 대한 지식뿐만 아니라 자아에 대한 지식으로 나아가는 길입니다.

특집 이미지: 안니 알버스 - 교차, 1962. 면과 레이온. 15.75 × 16.5 인치. 40 × 41.9 cm. 개인 소장. © 2018 요제프와 안니 알버스 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio