스포트라이트의 아티스트 - 시릴 랭슬랭
프랑스 아티스트 Cyril Lancelin은 예술, 건축, 장난감 사이에 실제로 차이가 있는지 의문을 품게 할 수 있는 하이브리드 조각을 만듭니다. 랑슬랭은 스펙타클의 전문가입니다. 그는 금속 작업도 하지만, 가장 잘 알려진 것은 기념비적인 인플레이터블 예술 작품을 디자인하는 것입니다. 그의 창작물은 마치 클라에스 올덴버그, 앤디 워홀, 제프 쿤스가 파티 용품 웹사이트의 점핑 하우스 페이지에서 만난 것처럼 하이브리드 시각 언어를 포용합니다. 매우 사진 찍기 좋은 이 작품들은 수년간 갤러리와 인스타그램에서 화제를 모았습니다. 최근에는 더 넓은 공공 영역에도 등장하기 시작했습니다. 가장 최근에는 랑슬랭이 필라델피아의 메이드 인 아메리카 페스티벌의 자선 야외 모임 공간인 코즈 빌리지의 잔디밭에 두 개의 거대한 분홍색 인플레이터블 피라미드를 설치했습니다. 피라미드는 잊혀진 캔디랜드의 유적처럼 땅에서 솟아올라 방문객들이 그 안으로 들어가 장난스럽고 기괴한 통로를 탐험하도록 초대했습니다. 외부에서 보면, 그들은 풍경을 충격적으로 만들었습니다—터무니없고, 화려하며, 그렇지 않은 자연 환경의 완벽하게 잘못된 성장물: 배경의 마천루와 크게 다르지 않습니다. 내부에서는 피라미드가 감각을 기이함에 몰입시켰습니다. 천막의 가스가 나오는 것과 압도적인 분홍색 색조가 결합되어 마치 거대한 솜사탕 기계에 행복하게 빨려 들어가는 것과 같은 감각을 만들어냈습니다. 공공 영역에서 이전에는 드물었던 광경이었고, 그 당시에도 세계적으로 유명한 아티스트들의 이력서에 주로 한정되어 있었던 대규모의 팝적인 공공 작품들이 우리의 건축 환경에서 점점 더 흔하게 나타나고 있으며, 점점 더 많은 신진 또는 심지어 알려지지 않은 아티스트들에 의해 만들어지고 있습니다. 우리가 그들에 대해 어떻게 생각하든, 랑슬랭이 분명히 즐기고 있는 재미는 그와 다른 아티스트들이 계속해서 이러한 작품을 만들도록 보장합니다. 문제는, 우리가 왜 그런지 이해할 만큼 문해력이 있는가, 그리고 이 작품에 대해 지적으로 이야기할 수 있는가? 우리가 그럴 필요가 있는가? 아니면 결국 우리가 이 작품을 예술, 건축, 스펙타클, 또는 일상 생활에서의 단순한 산만함으로 이해하는 것이 정말로 중요하지 않은가?
모든 것이 장관입니다
아마도 그것은 시카고 피카소에서 시작되었을 것입니다. 아니면 그것은 6세기 바미얀의 부처들로부터 훨씬 이전에 시작되었을지도 모릅니다. 언제 어디서 시작되었든, 오늘날 세계는 다양한 이유와 목적을 위해 인간이 만든 거대한 미적 형태로 가득 차 있습니다. 이러한 객체 중 하나가 예술로서 특별히 구별되는 것은 논란의 여지가 있습니다. 그러나 기념비적인 조각의 기초로 사용될 수 있는 형태는 이제 완전히 열려 있습니다. 문자 그대로 모든 것이 장관을 이룰 수 있습니다. 한때 올덴버그의 거대한 화살이나 쿤스의 거대한 풍선 토끼에 대해 주저했던 사람들은 오늘날 조각 공원, 공공 광장 및 아트 페어를 헤매고 있을 것입니다. 여기에는 거대한 색칠된 돌 더미가 있고; 저기에는 거대한 판다 곰이 있으며; 여기에는 지하에서 기어 나오는 거대한 좀비가 있고; 저기에는 마천루 크기의 중국 테이크아웃 상자가 있습니다.
Cyril Lancelin - 플라밍고 그라운드, 핑크닉 페스티벌 2019, 뉴욕시. © 2019 Cyril Lancelin
개인적으로, 저는 이 대담한 새로운 세계의 거대한 예술을 사랑합니다. 저는 자연 환경에서 솟아오르는 거대하고 멋진 추상 형태를 보는 것을 정말 좋아합니다. 괴물 무당벌레가 건물 옆으로 기어가는 모습을 보는 것만큼이나요. 하지만 저는 이 모든 것의 의미에 대한 논의가 필요하다고 생각합니다. 이것은 예술가가 자신의 스튜디오에서 혼자, 늦은 밤에, 식사와 수면을 건너뛰며 작업을 계속해야 한다는 강박에 의해 무언가를 만드는 예술이 아닙니다. 이것은 데스크탑 컴퓨터 앞에 있는 누군가, 또는 데스크탑 컴퓨터 앞에 있는 여러 사람들로 가득 찬 방입니다. 이러한 새로운 기념비적인 예술 작품에 들어가는 개인적인 수고는 시카고 피카소와 같은 것에 들어간 것에 비하면 미미합니다. 디지털 디자인 소프트웨어, 로봇 제작 과정, 초경량, 초저렴한 재료 덕분에 인터넷 연결만 있으면 누구나 예술에서 다음 큰 것을 디자인할 수 있습니다. 우리는 왜 그런지 물어봐야 할까요? 예술가들이 이미 이루어진 것의 맥락에서 자신이 하는 일을 정당화하도록 이끌었던 사고의 흐름에 의해 안내받던 좋은 옛 시절로 돌아가야 할까요? 아니면 그냥 어깨를 으쓱하며 "네! 더 많은 거대한 베리, 제발! 더 많은 거대한 모든 것!"이라고 말해야 할까요?
Cyril Lancelin - Half Line, Galerie MR80, 2018, Paris. 사진 제공: Dannan Wang. © 2019 town.and.concrete
합리적인 해결책
랜슬린이 그의 거대한 인플레이터블 조각을 디자인하는 이유 중 하나는 인플레이터블 재료가 가볍고 배송이 용이하다는 것입니다. 이는 공공 예술가들이 직면하는 실제 문제입니다. 거대한 금속 조각을 제작하고 배송한 다음 설치하는 데 들어가는 노력을 상상해 보세요. 리처드 세라의 “Tilted Arc”를 생각해 보세요. 광석을 추출하고, 강철을 만들고, 조각을 만들고, 배송하고, 설치하는 데 수십만 달러와 수많은 시간이 소요되었고, 그 후에는 그냥 철거되어 창고에 쌓였습니다. 이것이 낭비였던 걸까요, 아니면 그 노력과 결과로 나타난 이론적 논의가 가치가 있었던 걸까요? 공공 예술이란 그런 것인가요? 그것이 위대한 비전을 위한 인간의 서사적 노력에 관한 것인가요? 어쩌면 한때는 그랬을지도 모릅니다. 오늘날에는 더 많은 것이 덧없고 일시적인 충동과 순간에 대한 기념비에 관한 것입니다. 점점 더 엄격해지는 예산 현실과 결합하여, 임시적이고 가벼운 인플레이터블(따라서 공기 주입이 가능한) 조각을 만드는 것은 합리적인 해결책처럼 들립니다.
시릴 랭슬랭 - 아치, 리그네 로제 웨스트엔드, 런던 디자인 페스티벌 2018. © 2019 시릴 랭슬랭
그럼에도 불구하고, 예술 저널리스트로서 저는 이러한 유형의 작업에 대해 이야기할 때 어떤 언어를 사용해야 할지 이해하고 싶습니다. 예를 들어, 랭슬린은 자신의 작업 공간을 창의적인 스튜디오라고 설명합니다. 그게 예술 스튜디오와 어떻게 다릅니까? 아니면 디자인 스튜디오와는? 우리는 예술을 넘어섰습니까? 상상력의 시대가 시작되었다는 이야기를 들었습니다. 아마도 예술가들이 자신의 작업에 몰두하며, 겸손하게 또는 심지어 오만하게 그것을 박물관의 벽에 걸기를 바라는 개념은 끝났을지도 모릅니다. 아마도 창의적인 사람들이 이제 예술가들을 대체하기 위해 여기 있는 것일지도 모릅니다. 아니면 이 모든 것이 단지 언어 놀이일 뿐일까요? 아마도 공원에서 우리를 기다리고 있는 거대한, 공기 주입식, 분홍색 피라미드를 찾는 것과 비슷한 방해일지도 모릅니다.
특집 이미지: Cyril Lancelin - Inner Circles, Eastman Garden, 클리블랜드 공립 도서관, 클리블랜드, 2019, 미국. Land Studio 큐레이션 © 2019 Cyril Lancelin
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
