찰롯 파크, 알아야 할 추상 화가

샬롯 파크의 작품에서 익숙한 것들을 발견합니다. 그녀의 그림에서는 거의 끝이 없는 불안과 탐색이 보이며, 때때로 고요함이나 정적이 그 자리를 대신하지만 항상 자신감이 느껴집니다. 파크는 오늘날 특별히 잘 알려진 화가는 아니지만, 그녀의 가장 가까운 동료들은 지난 세기 가장 유명한 예술가들 중에 속합니다. 그녀는 제임스 브룩스와 결혼했으며, 그의 작품은 테이트, 모마, 스미스소니언 등 여러 기관 소장품에 포함되어 있습니다. 파크와 브룩스는 뉴욕시에서 잭슨 폴록과 리 크래스너의 이웃에 살았습니다. 폴록과 크래스너가 햄튼스로 이사했을 때, 파크와 브룩스는 그들의 아파트를 인수했고, 이후 롱아일랜드로 그들을 따라갔습니다. 수십 명의 재능 있는 화가들 사이에 사회적으로 둘러싸여 있었음에도 불구하고, 파크는 저에게 즉시 공감되는 독특한 시각적 목소리를 발전시켰습니다. 아마도 그녀가 동시대 예술가들에 비해 상대적으로 덜 알려진 이유는 그들이 모두 추상 표현주의와 기쁘게 연관되어 있었기 때문일 것입니다. 많은 현대 미술 작가와 딜러들이 파크를 “재발견”하려고 시도하고 그녀의 작품을 같은 역사적 맥락에 억지로 끼워 맞추려 했지만, 저는 파크를 그 운동이나 경향, 현상, 혹은 그것이 무엇이었든 간에 그 일부로서 글을 쓰고 싶은 마음이 없습니다. 파크는 저에게 개인적인 예술 여정을 걸어온 사람으로 보이며, 독특한 진화를 따라갔습니다. 비평적 성공을 거두고 굳어버린 많은 동료들과 달리, 파크는 경력 후반에 절정을 이루었는데, 마치 현명한 현자가 마침내 산 정상에 올라 가장 작은 것에서 모든 것을 보는 것과 같습니다. 추상 표현주의가 항상 ‘나 자신’에 관한 것처럼 느껴지는 반면, 파크는 ‘모두’에 관한 느낌을 주는 작품을 만들었습니다. 그녀의 그림은 그녀의 개성뿐 아니라 인류애—탐색자에서 내면의 평화로의 진화를 그려냅니다.

고립된 인물

1918년 매사추세츠주 콩코드에서 태어난 파크는 1939년 예일에서 미술 학위를 받았습니다. 제2차 세계대전 중에는 전략사무국(OSS, 후에 CIA가 됨)에서 일했고, 전쟁 후 브룩스와 함께 뉴욕으로 이주했습니다. 전후 맨해튼에서 그녀와 브룩스는 세계에서 가장 활기찬 예술 전위 중 하나 한가운데에 있었습니다. 그러나 그 시기의 파크 작품에 스며든 유일한 측면은 추상에 대한 집중뿐입니다. 그녀의 그림은 동시대인들이 관심을 가졌던 무의식, 자동 드로잉, 초월주의, 신화 창조 같은 주제에는 거의 관심을 보이지 않습니다. 파크는 폴록처럼 자신을 자연의 화신으로 보지 않았던 것 같습니다. 대신 그녀는 회화가 무엇인지, 그리고 그것이 인간 경험의 총체를 표현하는 데 정말 적합한지에 대해 근본적인 질문을 던지는 예술가처럼 그렸습니다.

샬롯 파크 - 태양, 1950년. 캔버스에 부착한 종이에 유화. 18 x 24 인치 (45.7 x 61 cm). © 베리 캠벨 갤러리

“가면”(1950), “태양”(1950), “출발”(1955) 같은 초기 작품들은 군중을 그리려는 듯 보입니다—모여 있는, 생물형태적 형상들이 밀고 당기는 게임에 갇힌 듯합니다. 이 그림들에서 형상 자체는 진짜 주제가 아닙니다. 오히려 그들 사이와 환경과의 관계가 중요하게 느껴집니다. 1950년대에 시작한 주로 검은색 계열의 연작에서 파크는 표면 뒤에 무언가를 발견하려는 듯 현실을 찢으려 했던 것 같습니다. 분노와 좌절이 거친 시각적 폭발 속에 내재되어 있습니다. 감정, 우화, 은유가 자신을 표현하려 하지만, 그림들은 그 메시지를 담기에 거의 부족해 보입니다. 이 그림들이 반복해서 성공적으로 전하는 한 가지 선언은, 이 그림을 그린 사람이 외로움을 느낀다는 것입니다.

샬롯 파크 - 제목 없음, 1985년. 종이에 아크릴. 28.6 x 28.6 cm. © 제임스 브룩스와 샬롯 파크 재단. 베리 캠벨 갤러리 제공

격자 찾기

어떤 작가들은 이야기를 들려주려는 요구를 거부합니다. 이상하게 들릴지 모르지만, 그들은 단지 구조나 기대 없이 글을 쓰고 싶어합니다. 이야기는 작가의 많은 창의적 자유를 빼앗는 감옥이 될 수 있습니다. 일부 화가들도 격자에 대해 같은 감정을 느낍니다. 기존 시각 형식에 맞는 이른바 구성을 만들어야 하는 것은 단지 그림을 그리고 싶은 예술가에게 진정한 좌절의 원천입니다. 그녀 경력 대부분에 걸쳐 작품에 나타난 불안은 파크가 이 투쟁에 친숙했음을 시사합니다. 1950년대와 60년대, 그리고 70년대 초반까지 그녀의 작품은 틀의 경계를 거세게 거부하며, 격자의 영향력을 무너뜨리고, 전통적인 조화와 균형 개념을 거부하며, 많은 동시대인들이 받아들인 ‘전체적’ 구성 전략을 무시합니다. 그녀가 경력 전반기에 만든 많은 그림들은 저에게 그림이라기보다 싸움처럼 느껴집니다: 공간과의 싸움; 빛과의 싸움; 물질성과의 싸움; 폴리네시아인들이 ‘마나’라 부르는 모든 것에 모이는 에너지와의 싸움.

샬롯 파크 - 페레시아, 1976년. 캔버스에 아크릴. 18 x 18 인치 (45.7 x 45.7 cm). © 베리 캠벨 갤러리

파크는 자신의 그림에 에너지를 불어넣었습니다. 그녀는 자신에게서, 혹은 자신으로부터 살아 있는 무언가를 무생물인 그림에 옮겼습니다. 그러나 그 싸움은 1970년대 중반경 갑작스럽게 끝났는데, 파크가 뜻밖의 미적 우회로인 피에트 몬드리안과 신조형주의 유산을 탐구했기 때문입니다. “게라르디아”(1975), “헬레보어”(1975-77), “페레시아”(1976-78) 같은 그림들은 몬드리안의 단순화된 신조형주의 색채 팔레트와 격자 구조가 남긴 자취를 이어받았습니다. 다만 파크는 모든 것을 자유로운 손과 자유로운 마음으로 그렸습니다. 그녀의 신조형주의 격자 그림 단계는 짧았지만, 격자라는 개념은 그녀의 작품 전반에 남아 있었습니다. 틀의 한계와 구성 구조의 반자유주의에 맞서 싸우기보다는, 파크는 그런 제약을 받아들이면서 뜻밖의 비밀스러운 자유를 발견한 듯합니다. 그녀의 그림은 항상 자신감이 넘쳤지만, 격자가 늦게 등장하면서 그림들은 조용하고 고요해졌습니다. 저는 개인적으로 이 평화로운 그림들에 가장 적게 공감하지만, 파크는 주로 자신을 위해 그림을 그린 드문 예술가였기에 제 의견은 그녀에게 아무 의미가 없을 것입니다.

대표 이미지: 샬롯 파크 - 제목 없음, 1960년. 캔버스에 유화. 34 x 34 인치 (86.4 x 86.4 cm). © 베리 캠벨 갤러리
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성