찰롯 파크, 알아야 할 추상 화가

샬롯 파크의 작업에서 친숙한 것들을 발견합니다. 그녀의 그림에서 거의 무한한 불안과 탐색을 보며, 특정 순간에는 고요함이나 정적이 그 자리를 대신하지만 항상 자신감이 느껴집니다. 파크는 오늘날 특히 잘 알려진 예술가는 아니지만, 그녀의 가장 가까운 동료들은 지난 세기 가장 유명한 예술가들 중 일부입니다. 그녀는 제임스 브룩스와 결혼했으며, 그의 작품은 테이트, 모마, 스미소니언 등 여러 기관 컬렉션에 소장되어 있습니다. 파크와 브룩스는 뉴욕시에서 잭슨 폴록과 Lee 크래스너 옆집에 살았습니다. 폴록과 크래스너가 햄프턴으로 이사했을 때, 파크와 브룩스는 그들의 아파트를 인수했고, 이후 롱아일랜드로 그들을 따라갔습니다. 수십 명의 다른 재능 있는 화가들에 의해 사회적으로 둘러싸여 있었음에도 불구하고, 파크는 저에게 즉각적으로 공감할 수 있는 독특한 시각적 목소리를 발전시켰습니다. 아마도 그녀가 동시대 예술가들에 비해 상대적으로 덜 알려진 이유는 그들이 모두 추상 표현주의와 기쁘게 연관되어 있었기 때문일 것입니다. 많은 현대 미술 작가들과 딜러들이 파크를 "재발견"하려고 시도하고 그녀의 작업을 같은 역사적 맥락에 강제로 끼워 맞추려 했지만, 저는 그 운동이나 경향, 현상, 또는 그것이 무엇이든 간에 파크에 대해 쓰고자 하는 마음이 없습니다. 파크는 개인적인 예술적 여정을 걸어온 것처럼 보이며, 이는 독특한 진화를 따랐습니다. 많은 동료들이 비평적 성공을 거두고 나서 경직된 것과는 달리, 파크는 경력 후반에 정점에 도달했으며, 마침내 산 정상에 도달한 지혜로운 현자처럼 모든 것을 보며, 결국 가장 작은 것에서 모든 것을 보았습니다. 추상 표현주의가 항상 저에게 "나"에 관한 것처럼 보이는 반면, 파크는 "모두"에 관한 느낌을 주는 작업을 창조했습니다. 그녀의 그림은 그녀의 개성을 매핑할 뿐만 아니라, 그녀의 인류애—탐색자에서 내적 평화로의 진화를 나타냅니다.

고립된 인물

1918년 매사추세츠주 콘코드에서 태어난 파크는 1939년 예일 대학교에서 미술 학위를 받았다. 그녀는 제2차 세계 대전 중 전략 서비스국(OSS)에서 일했으며, 이 기관은 나중에 CIA가 되었다. 전쟁 후 브룩스와 함께 뉴욕으로 이주했다. 전후 맨해튼에서 그녀와 브룩스는 세계에서 가장 활기찬 예술적 아방가르드 중 하나의 한가운데에 놓이게 되었다. 그러나 그 시기에 파크가 만든 작품에 스며든 유일한 요소는 추상에 대한 집중이다. 그녀의 그림은 동시대 작가들이 관심을 가졌던 무의식, 자동 드로잉, 초월주의 또는 신화 창조와 같은 주요 관심사에 대한 흥미를 거의 드러내지 않는다. 파크는 폴록처럼 자신을 자연의 화신으로 보지 않았던 것으로 보인다. 대신 그녀는 회화가 무엇인지, 그리고 그것이 인간 경험의 총체성을 표현하는 데 정말 적합한지에 대한 근본적인 질문을 던지는 데 관심이 있는 예술가처럼 그림을 그렸다.

샬롯 파크 - 태양, 1950. 캔버스에 장착된 종이에 유화. 18 x 24 인치. (45.7 x 61 cm). © 베리 캠벨 갤러리

"마스크"(1950), "태양"(1950), "출발"(1955)와 같은 초기 그림들은 군중을 그리려는 듯한 누군가를 암시합니다—모여 있는, 생물형 형태들이 밀고 당기기 게임에 갇혀 있습니다. 이 그림들에서 형태 자체는 실제로 주제가 아닙니다. 오히려 그들 사이의 관계와 그들의 환경이 중요하게 느껴집니다. 1950년대에 시작한 대부분 검은 그림의 연장된 시리즈에서, 박은 표면 뒤에 있는 무언가를 발견하기 위해 플라스틱 현실을 찢으려는 듯 보였습니다. 분노와 좌절감이 이러한 거친 시각적 폭발 속에 내재되어 있는 것 같습니다. 감정, 우화, 은유가 자신을 표현하려 하지만, 그림들은 그들의 메시지를 전달하기에는 거의 불충분한 것 같습니다. 이 그림들이 반복적으로 성공적으로 전달하는 유일한 선언은 이 그림을 그린 사람이 외롭다는 것입니다.

샬롯 파크 - 제목 없음, 1985. 아크릴화, 종이에. 28.6 x 28.6 cm. © 제임스 브룩스와 샬롯 파크 재단. 베리 캠벨 갤러리 제공

그리드 찾기

어떤 작가들은 이야기를 들려주라는 부름에 저항합니다. 이상하게 들릴지 모르지만, 그들은 단순히 구조 없이, 기대 없이 글을 쓰고 싶어합니다. 이야기는 작가에게 많은 창의적 자유를 빼앗는 감옥이 될 수 있습니다. 어떤 화가들은 그리드에 대해 같은 기분을 느낍니다. 기존의 시각적 형식에 맞춰 이른바 구성을 만들어야 한다는 것은 그저 그림을 그리고 싶어하는 예술가에게 진정한 좌절의 원천입니다. 그녀의 경력 대부분에 걸쳐 그녀의 작업에 존재하는 불안은 박이 이 투쟁에 친숙했음을 시사합니다. 1950년대와 60년대, 그리고 70년대 초반에 걸쳐 그녀의 작업은 프레임의 경계에 맞서 격렬하게 저항하며, 그리드의 영향을 무시하고, 전통적인 조화와 균형의 개념을 거부하며, 그녀의 동시대 많은 이들이 받아들인 "모두 다" 구성 전략을 무시합니다. 그녀의 경력 전반에 걸쳐 만든 많은 그림들은 저에게 그림처럼 느껴지지 않습니다. 그것들은 싸움처럼 느껴집니다: 공간과의 싸움; 빛과의 싸움; 물질성과의 싸움; 폴리네시아인들이 mana라고 부르는 것과의 싸움: 모든 것에 모이는 에너지.

샬롯 파크 - 페레시아, 1976. 아크릴화. 18 x 18 인치 (45.7 x 45.7 cm). © 베리 캠벨 갤러리

박은 그녀의 그림에 에너지를 쏟았다. 그녀는 자신으로부터, 또는 자신에 대한 무언가를 무생물인 그림으로 옮겼다. 그러나 그 싸움은 1970년대 중반에 갑작스럽게 끝났다. 박은 예상치 못한 미적 측면으로 나아갔고, 그것은 피에트 몬드리안과 네오 플라스티시즘의 유산이었다. "제라르디아"(1975), "헬레보르"(1975-77), "페레시아"(1976-78)와 같은 그림들은 몬드리안의 단순화된 네오 플라스틱 색상 팔레트와 격자 구조가 끝난 지점에서 시작된다. 하지만 박은 모든 것을 자유롭게 손으로 그리고, 자유로운 마음으로 작업한다. 그녀의 네오 플라스틱 격자 그림의 단계는 짧았지만, 격자의 개념은 그녀의 경력 내내 그녀의 작업에 남아 있었다. 마치 프레임의 한계와 구성 구조의 반자유주의와 씨름하기보다는, 박이 그러한 매개변수를 수용함으로써 어떤 비밀스러운 자유를 발견한 것처럼 보인다. 그녀의 그림은 항상 자신감이 넘쳤지만, 그 안에 격자가 늦게 나타나면서 조용하고 고요해졌다. 개인적으로 나는 그녀의 작품 중에서 이러한 평화로운 그림들과 가장 적게 관련이 있지만, 내 의견은 박에게 아무 의미가 없을 것이라고 장담한다. 왜냐하면 그녀는 주로 자신을 위해 그림을 그린 드문 예술가였기 때문이다.

특집 이미지: 샬롯 파크 - 제목 없음, 1960. 유화. 34 x 34 인치. (86.4 x 86.4 cm). © 베리 캠벨 갤러리
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필립 Barcio