추상화의 요소 - Elizabeth Gourlay와의 인터뷰

Elizabeth Gourlay는 자신의 작업을 형태와 색상에 대한 명상으로 간주하며, 때때로 자신의 스튜디오 작업을 음악 작곡 과정에 비유합니다. 유화, 그래파이트, 콜라주 등 다양한 매체를 혼합하여 Gourlay는 자연과 기하학 사이에서 절묘하게 균형 잡힌 미적 어휘를 참조하는 추상적인 구성을 만듭니다. 코네티컷주 체스터에 거주하는 Gourlay는 이번 달 뉴욕, 코네티컷, 매사추세츠에서 네 개의 그룹 전시회에 작품을 전시하고 있습니다. IdeelArt는 그녀의 작업, 전시 일정 및 새로운 작품에 대해 이야기할 기회를 가졌습니다.

Elizabeth Gourlay 인터뷰 - 최근 전시 및 활동

IdeelArt: 바쁜 한 달을 보내고 계시군요! 이번 달에는 네 개의 다른 도시에서 네 개의 그룹 전시에 참여하고 있습니다. 이렇게 많은 다양한 관객들이 당신의 작품을 접할 기회를 가지는 시기에, 여전히 스튜디오에서 활동할 시간을 만들고 있나요, 아니면 갤러리에서 그 관객들과 상호작용하며 그들의 작품에 대한 반응을 흡수하는 것을 선호하시나요?

엘리자베스 고울레이: 이번이 한 번에 이렇게 많은 활동을 한 것은 처음입니다. 흥미롭지만, 저는 개인적인 쇼에 온전히 집중하는 것에 익숙해져 있어서, 이제는 하나의 개막식을 놓치고 다른 개막식에 참석해야 했습니다. 하지만 작품이 배달되면, 시간은 다시 제 것이 됩니다. 짧은 활동 기간 동안 스튜디오에 들어가고 싶어 안달이 나지만, 개막식과 다른 갤러리 이벤트 동안 동료 예술가들과 친구들과 대화하는 갤러리에서의 상호작용도 즐깁니다. 추상 미술은 하나의 언어이며, 특히 이벤트 동안 관람객, 특히 예술가 및 친구들과 대화하는 것은 우리가 찾고 있는 새로운 표현에서 회복력을 키우는 데 도움이 됩니다.

IA: 이번 달에 CT의 Lakeville에 있는 The Tremaine Gallery와 맨해튼 미드타운의 1285 Avenue of the Americas Gallery와 같은 인구 밀집 도시 중심지에서의 전시가 있습니다. dramatically 다른 환경에서 관객들이 당신의 작품에 어떻게 다르게 반응했는지에 대한 방법은 무엇인가요?

예를 들어, 두 경우 모두, 관객들은 시각적으로 세련되었고 참여도가 높고 긍정적인 것처럼 보였습니다. 뉴욕시에서는 일반적으로 더 목소리를 내는 경향이 있었고, 질문을 하고 의견을 더 쉽게 표현했습니다. 저는 뉴욕의 관객들이 작품에 더 가까이 다가가는 경향이 있었다고 생각합니다!

IA: 관객과의 대화나 다른 유형의 상호작용이 당신의 작업 방향에 어떤 영향을 미쳤나요?

예를 들어, "나는 시청자들의 반응에 영향을 받지 않으려고 노력하지만, 새로운 방향에 대한 반응이 긍정적이라면 내가 그 작업에 대해 흥미를 느끼는 경우, 그 길을 계속 탐구하도록 나를 영향을 미치는 경향이 있다. 의견의 차이를 경험하고 사람들이 왜 다른 작품에 끌리는지에 대해 아는 것은 항상 흥미롭다."

Elizabeth Gourlay - 탄타라 1, 2013. 모노타입, 종이에. 40.6 x 38.1 cm.

과거와 현재

IA: 오늘 당신이 만드는 작업은 과거에 만든 작업과 어떻게 다릅니까? 

예를 들어, 내 작업은 1994년경부터 매우 자주 그리드 기반이며 정사각형 형식이었습니다. 이는 여러 겹의 물감과 그려진 선으로 쌓아 올려졌습니다. 2005년경부터는 훨씬 대담한 기하학적 형태와 채도가 높은 색상으로 놀기 시작했습니다. 그 이후로 저는 대담하고 강한 형태와 색상, 그리고 더 섬세하고 부드러운 작업 사이를 오가며 때때로 두 가지를 결합하기도 했습니다. 작품은 종종 비슷한 방식으로 시작하지만 매우 다르게 끝날 수 있습니다. 아마도 가장 큰 변화는 창작 과정에서 스스로에게 허용하는 자유일 것입니다.

IA: 당신은 작업에 대해 이야기할 때 가끔 명상을 언급합니다. 그 단어가 당신의 예술과 관련하여 무엇을 의미하는지 자세히 설명해 주실 수 있나요? 예를 들어, 작업을 만드는 과정이 명상적이라고 생각하십니까? 완성된 작품이 관객들에게 잠재적인 명상적 매개체가 될 수 있다고 생각하십니까? 

예를 들어, 나는 이 과정을 명상적이라고 생각한다. 나는 스튜디오에 너무 많은 아이디어를 가져오지 않으려고 노력하는데, 아마도 색상 아이디어나 형태 아이디어 정도일 것이다. 작업을 시작하면서 나는 내면의 눈, 즉 무의식이 작업에 반응하고 나를 이끌어 잡히기 힘든 정신적 요소를 포착하게 한다. 보통 내 생각이 복잡하지 않을 때, 즉 작업과 조화를 이룰 때 내 최고의 작업이 이루어진다. 직접 그리거나 레이어를 쌓을 때, 나는 작품이 자연스럽게 드러나는 경험을 즐긴다. 나는 폴 클레가 말한 것처럼 "내 손은 완전히 더 먼 영역의 도구이다"라고 말할 수밖에 없다. 나는 다른 사람의 경험을 위해 무언가를 만들겠다는 의도로 작업하지 않지만, 그들의 반응과 해석에 열려 있다. 내 작품과 함께 사는 사람들은 종종 그 작품을 바라보면 평화롭고, 차분한 기쁨을 느끼거나 그 작품이 안정감을 준다고 말한다. 그래서 완성된 작품을 명상적 중재물로 간주하는 것이 매우 유효하다고 확신하지만, 나는 그 작품과 함께 사는 사람들과 마음과 명상에 전문가인 사람들이 가장 좋은 평가를 내리도록 하겠다. 만약 아이콘이나 명상적 중재물이 차분한 기쁨이나 안정감을 주는 객체라면, 그렇다면 나는 종종 내 작품이 그런 효과를 가지고 있다고 들었다.

Elizabeth Gourlay - 키타 4, 2014. 모노타입, 종이에. 38.1 x 40.6 cm.

프로세스에 대하여

IA: 바실리 칸딘스키는 음악과 그 음악이 추상적인 수준에서 감정을 전달하는 능력에 대해 썼습니다. 당신 또한 음악과 당신의 작업 사이의 연결을 만듭니다. 당신이 만드는 한 가지 연결은 당신의 선과 색의 시각적 어휘가 음악적 음계에 대한 참조로 해석될 수 있다는 것입니다. 당신의 과정이나 예술 작품이 음악 작곡과 공통점을 공유하는 다른 방법은 무엇입니까?    

예: 나는 음악이나 음악 작곡에 대해 의식적으로 생각하고 있지 않다. 그럼에도 불구하고 음악과의 연결을 느끼는 사람들의 수가 매우 많기 때문에, 그 비유에는 뭔가가 있을 것이다. 나는 일할 때 자주 음악을 듣고, 어릴 때 피아노를 배웠기 때문에 이것이 작업에 영향을 미칠 수 있다. 나는 막대, 선, 색 블록을 가지고 노는 과정에서 음악 작곡과 유사하게 "작곡"하고 있다. 그림 평면에서 그것들을 이동시키는 것은 악보의 다른 위치에 음과 화음을 두는 것과 매우 유사하다. 

IA: 당신의 작업 과정에 대해 조금 이야기해 주세요. 특히 콜라주와의 관계에 대해요. 예를 들어, 당신의 작업에서 종이를 겹치는 과정이 회화의 과정과 어떻게 다르게 당신에게 영향을 미치는지 말씀해 주세요. 

예: 대부분의 경우, 종이나 리넨 위에서의 내 그림 과정은 매우 직접적입니다. 일반적으로, 나는 선을 그리는 것부터 시작하고, 그 다음 색의 세척을 하고, 마지막으로 형태의 요소를 추가합니다. 나는 강렬하고 예상치 못한 형태나 내가 보통 사용하는 팔레트에서 벗어난 색으로 나 자신을 놀라게 하려고 합니다. 나는 색과 형태 사이의 균형을 맞추기 위해 이것들을 이동시킵니다. 이 단계는 계속 진행되는 춤처럼 느껴지며, 형식주의가 잠시 스며들고 나는 그것에 저항합니다. 결과적으로 생긴 대담한 침입을 포함할지 말지에 대한 결정은 내가 한 작품에 몇 주 동안 몰두할 수 있게 해주는 일종의 역동성입니다. 콜라주 작품은 색을 가지고 노는 것부터 시작하여, 잉크로 가장자리를 얼룩지게 하고 일본 종이에 선을 그린 다음, 이것들을 스트립으로 자릅니다. 나는 미리 구상된 구성이나 구조 없이 조심스럽게 캔버스나 리넨에 이것들을 콜라주합니다. 작품이 발전함에 따라, 나는 편집자를 다시 방으로 들여보내기 위해 분석을 시작하여 색이나 형태를 조정하여 작품이 올바르게 느껴질 때까지 진행합니다.   

특집 이미지: Elizabeth Gourlay 스튜디오에서