추상화의 요소 - Elizabeth Gourlay와의 인터뷰

Elizabeth Gourlay는 자신의 작품을 형태와 색채에 대한 명상으로 여기며, 때로는 작업실에서의 작업 과정을 음악 작곡 과정에 비유하기도 합니다. 유화, 흑연, 콜라주 등 다양한 재료를 혼합하여 사용하면서, Gourlay는 자연과 기하학 사이에서 절묘하게 균형을 이루는 미적 어휘를 참조하는 추상적 구성을 만듭니다. 코네티컷 주 체스터에 거주하는 Gourlay는 이번 달 뉴욕, 코네티컷, 매사추세츠에서 네 개의 단체전에 참여하고 있습니다. IdeelArt는 그녀의 작업 방식, 전시 일정, 그리고 새로운 작품에 대해 이야기를 나눌 기회를 가졌습니다.

Elizabeth Gourlay 인터뷰 - 최근 전시 및 활동

IdeelArt: 이번 달 정말 바쁘시네요! 이번 달에 네 개의 다른 도시에서 네 개의 단체전에 참여하고 계십니다. 이렇게 여러 관람객이 한꺼번에 당신의 작품을 접할 기회를 가질 때, 작업실에서 계속 작업하는 시간을 내시나요, 아니면 갤러리에서 관람객들과 소통하며 그들의 반응을 직접 느끼는 것을 더 선호하시나요?

Elizabeth Gourlay: 이렇게 한꺼번에 많은 활동을 하는 것은 이번이 처음입니다. 흥미롭지만, 저는 개별 전시에 온전히 집중하는 데 익숙해서 한 전시 오프닝을 놓치고 다른 전시에 참석해야 했습니다. 하지만 작품이 전달되고 나면 시간이 제 것이 됩니다. 짧은 활동 기간 후에도 작업실에 들어가는 것이 매우 기대되지만, 오프닝이나 다른 갤러리 행사에서 동료 예술가나 친구들과 대화하는 갤러리 내 상호작용도 즐깁니다. 추상 미술은 하나의 언어이며, 특히 행사 중에 예술가나 친구들과 관람객과 대화하는 것은 우리가 찾고 있는 새로운 표현에 대한 회복력을 키워줍니다.

IA: 이번 달에는 코네티컷 레이크빌에 있는 The Tremaine Gallery 같은 목가적이고 시골스러운 장소와 맨해튼 미드타운의 1285 Avenue of the Americas Gallery 같은 인구 밀집 도시 중심지에서 전시를 하셨습니다. 이렇게 극적으로 다른 환경에 있는 관람객들이 당신의 작품에 대해 어떻게 다르게 반응했나요?

E.G. 두 경우 모두 관객들은 시각적으로 세련되고 참여적이며 긍정적이었습니다. 뉴욕시에서는 일반적으로 더 적극적으로 질문하고 의견을 표현하는 경향이 있었습니다. 뉴욕 관람객들은 작품에 더 가까이 다가가는 경향이 있었던 것 같습니다!

IA: 관람객과의 대화나 다른 형태의 상호작용이 당신의 작업 방향에 어떤 영향을 미쳤나요?

E.G. 관람객의 반응에 너무 영향을 받지 않으려 노력하지만, 새로운 방향에 대해 긍정적인 반응이 있으면 그 길을 계속 탐구하도록 영향을 받는 편입니다. 의견 차이를 경험하고 사람들이 왜 다른 작품에 끌리는지 이해하는 것은 항상 흥미롭습니다.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013년. 종이에 모노타입. 40.6 x 38.1 cm.

과거와 현재

IA: 오늘날 만드는 작품이 과거 작품과 어떻게 다른가요?

E.G. 1994년경부터 제 작품은 종종 격자 기반이고 정사각형 형식이었습니다. 여러 겹의 물감과 선으로 쌓아 올렸죠. 2005년경부터는 훨씬 대담한 기하학적 형태와 채도가 높은 색을 실험하기 시작했습니다. 그 이후로는 대담하고 강한 형태와 색과 더 섬세하고 부드러운 작업 사이를 오가며 때로는 두 가지를 결합하기도 합니다. 작품은 비슷한 방식으로 시작하지만 매우 다르게 끝날 수 있습니다. 아마도 가장 큰 변화는 창작 과정에서 스스로에게 허용하는 자유일 것입니다.

IA: 작업에 대해 명상이라는 말을 종종 언급하시는데, 그 단어가 당신의 예술과 어떤 관련이 있는지 자세히 설명해 주시겠어요? 예를 들어, 작업 과정 자체를 명상적이라고 생각하나요? 완성된 작품이 관람객에게 명상의 매개체가 될 수 있다고 보시나요?

E.G. 작업 과정을 명상적이라고 생각합니다. 작업실에 너무 많은 생각을 가져가지 않으려 노력하며, 색이나 형태에 대한 아이디어 정도만 가지고 시작합니다. 작업을 시작하면 내면의 눈, 무의식이 작품에 반응하며 멀리 있으면서도 매우 가까운 정신적 요소를 포착하도록 이끕니다. 보통 생각이 복잡하지 않고 작품과 조화를 이룰 때 최고의 작품이 나옵니다. 직접 그리거나 여러 겹의 물감을 칠할 때 작품이 자연스럽게 드러나는 경험을 즐깁니다. 폴 클레가 말했듯이 “내 손은 완전히 더 먼 영역의 도구”입니다. 다른 사람을 위한 작품을 만들려는 의도는 없지만, 그들의 반응과 해석에는 열려 있습니다. 작품과 함께 사는 사람들이 작품을 보며 평화, 차분한 기쁨, 또는 안정감을 느낀다고 자주 말합니다. 그래서 완성된 작품을 명상의 매개체로 보는 것은 매우 타당하다고 생각하지만, 작품과 함께 사는 이들과 명상 전문가들이 가장 잘 평가할 것입니다. 만약 아이콘이나 명상의 매개체가 차분한 기쁨이나 안정감을 주는 대상이라면, 제 작품이 그런 효과를 가진다는 말을 자주 듣습니다.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014년. 종이에 모노타입. 38.1 x 40.6 cm.

작업 과정에 대하여

IA: 바실리 칸딘스키는 음악과 그것이 추상적인 수준에서 감정을 전달하는 능력에 대해 썼습니다. 당신도 음악과 작업 사이의 연결고리를 만드는데, 선과 색채의 시각적 어휘가 음악 음계와 연관될 수 있다고 하셨죠. 당신의 작업 과정이나 작품이 음악 작곡과 공유하는 다른 공통점은 무엇인가요?      

EG: 저는 의식적으로 음악이나 음악 작곡을 생각하지 않습니다. 하지만 음악과 연결 짓는 사람이 많으니 그 비유에는 뭔가가 있을 겁니다. 작업할 때 자주 음악을 듣고, 어릴 때 피아노를 배워서 이것이 작업에 영향을 미칠 수도 있습니다. 저는 음표와 화음이 악보의 여러 위치에 있는 것처럼, 막대기, 선, 색 블록을 가지고 놀면서 일종의 “작곡”을 하는 셈입니다.

IA: 당신의 작업 과정, 특히 콜라주와의 관계에 대해 이야기해 주세요. 예를 들어, 종이를 겹쳐 붙이는 과정이 그림 그리는 과정과 어떻게 다르게 당신에게 영향을 주나요? 

EG: 대부분 종이나 리넨에 그리는 과정은 매우 직접적입니다. 보통 선을 그리는 것으로 시작해 색을 여러 겹 칠하고, 형태 요소를 더합니다. 강렬하고 예상치 못한 형태나 평소 팔레트와 다른 색으로 스스로를 놀라게 하려 합니다. 색과 형태 사이의 균형을 맞추기 위해 이것들을 이리저리 옮기는데, 이 단계는 계속되는 춤과 같아서 형식주의가 잠시 스며들면 그것에 맞서기도 합니다. 대담한 침입을 포함할지 말지 결정하는 과정은 몇 주 동안 작품에 몰입하게 하는 역동성입니다. 콜라주 작품은 색을 가지고 놀면서 시작합니다. 잉크로 가장자리를 물들이고 일본 종이에 선을 그린 후 조각으로 자릅니다. 이 조각들을 캔버스나 리넨에 조심스럽게 붙이지만 미리 구상한 구성이나 구조는 없습니다. 작품이 발전하면서 편집자가 다시 들어와 색이나 형태를 조정해 작품이 적절하다고 느껴질 때까지 다듬습니다.   

대표 이미지: 작업실의 Elizabeth Gourlay