헬렌 프랭켄탈러 회화, 이중 회고전에서 기념되다
헬렌 프랭켄탈러의 그림은 세계 최고의 박물관과 많은 권위 있는 현대 및 현대 미술 박람회와 경매에서 흔히 볼 수 있는 풍경입니다. 그러나 헬렌 프랭켄탈러의 목판화 앞에 서 있는 경험을 해본 사람은 훨씬 적습니다. 그녀의 목판화가 그녀의 그림보다 덜 평가받는 것은 그리 놀라운 일이 아닐지도 모릅니다. 프랭켄탈러는 화가로서 이름을 알렸고, 그 분야에서의 그녀의 업적은 오늘날에도 여전히 급진적으로 돋보입니다. 그녀는 24세에 가장 유명한 그림 중 하나를 그렸습니다. 그리고 그녀가 30대에 판화 작업을 시작했지만, 40대 중반이 되어서야 목판화를 만들기 시작했습니다. 그러나 매사추세츠주 윌리엄스타운의 클락 미술관에서 이달 초 동시에 열린 두 개의 프랭켄탈러 전시 덕분에, 이 특별한 예술가의 팬들은 그녀의 작품의 두 가지 측면에서 가장 훌륭한 예시를 경험할 수 있는 드문 기회를 가지게 되었습니다. 전시 자연 속에서는 헬렌 프랭켄탈러의 초기 단계에서 그녀의 혁신적인 "흡수-얼룩" 기법을 발명하기 전까지의 경력을 추적하는 12개의 대형 그림을 특징으로 합니다. 동시에 클락의 별도 갤러리에서는 전시 규칙 없음이 12개의 헬렌 프랭켄탈러 목판화 선택작을 선보입니다. 두 전시는 함께 프랭켄탈러가 지난 세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명이 되도록 이끈 다양한 능력의 드문 엿보기를 제공합니다.
자연 속에서: 헬렌 프랭켄탈러 회화
전설에 따르면 헬렌 프랭켄탈러는 1952년에 그녀를 유명하게 만든 기법을 발명했습니다. "흡수-얼룩" 기법으로 알려진 이 기법은 바닥에 수평으로 작업하고, 터펜틴으로 희석된 페인트를 프라이밍되지 않은 캔버스에 직접 적용하는 것이었습니다. 이렇게 해서 페인트는 캔버스의 섬유에 스며들어 이미지와 표면을 하나의 실체로 변형시켰습니다. 그녀가 이 기법으로 만든 것으로 알려진 첫 번째 그림은 산과 바다라고 불립니다. 프랭켄탈러가 이 작품의 창작에 대해 이야기한 바에 따르면, 그녀는 노바스코샤 여행에서 막 돌아온 상태였습니다. 그녀는 그곳의 아름다운 풍경을 기억 속에 간직하고 있으며, 그것들을 팔에 안고 있다고 느꼈다고 말했습니다. 그녀는 그것들을 그리고 싶었지만, 단순히 그들의 이미지를 복사하는 데는 관심이 없었습니다. 오히려 그녀는 추상적인 방법을 통해 그들의 본질, 그들의 정신을 전달하고 싶어했습니다. 그녀가 이루고자 했던 것에 대해 프랭켄탈러는 "자연이나 이미지 대신, 그것은 일종의 추상적 투영으로 관련될 수 있는 정신이나 감각과 관련이 있어야 한다고 생각합니다"라고 말했습니다.
그녀는 캔버스를 바닥에 놓음으로써 작업과 물리적으로 교감할 수 있는 방법을 찾았고, 그녀가 팔에 안고 있던 이미지들이 농부가 밭에서 일할 때 땀처럼 직접적으로 쏟아져 나올 수 있게 되었다. 그녀는 물감을 희석시킴으로써 이전에는 수채화로만 얻을 수 있었던 유화와 아크릴에서도 같은 투명도를 달성할 수 있었다. 그 투명도는 이제 그녀의 기억 속에만 남아 있는 풍경의 덧없음을 전달할 수 있는 방법을 제공했다. 그녀는 캔버스를 프라이밍하지 않음으로써 물감이 자신의 궤적을 스스로 결정하도록 허용했으며, 그녀의 제안과 조작에 의해 안내되었지만 전적으로 그것들에 의해 결정되지는 않았다. 그것은 혁신적인 접근 방식이었다. 다른 화가들에 의해 빠르게 채택되었고, 비평가들에 의해 급진적인 변화로 찬양받았으며, 이후 주로 꽤 학문적인 용어로 논의되었다. 그러나 이 기법의 뿌리는 학문에 있지 않았다. 그것은 트렌드나 미술사와는 아무런 관련이 없었다. 그것은 단순히 직관적이었다.
헬렌 프랭켄탈러 - 산과 바다, 1952, 프라이밍되지 않은 캔버스에 유화와 목탄, 86 3/8 × 117 1/4 인치
감각보다 설명
자연처럼 전시된 작품의 선택은 프랭크텐할러가 역사 속에서 회화를 발전시키려는 학자라기보다는, 무언가를 찾고, 씨를 뿌리고, 심고, 일하고, 희망하는 사색적인 예술가였다는 사실을 증명합니다. 완벽한 예로 밀크우드 아케이드라는 그림이 있습니다. 이는 조화와 혼란 사이의 변태 속에 얼어붙은 형태들의 놀라운, 비대칭적인 구성입니다. 그녀의 많은 작품들처럼, 이 그림은 단순히 깊이 바라보아야 하며, 설명을 만들기 위해서가 아니라 감각을 경험하기 위해서입니다.
그리고 프랭크텐할러가 학문보다 감정에 더 중점을 두었다는 의심이 남아 있다면, 자연 속에서는 그렇게 많은 거대한 규모의 그림들을 포함함으로써 이를 없애버립니다. 가장 대표적인 예는 기념비적인 오프 화이트 스퀘어입니다. 두 미터가 넘는 높이와 여섯 점 반 미터의 길이를 자랑하는 이 작품은 이미지라기보다는 환경에 가깝습니다. 그 한가운데 서면 색채는 감정으로 변모합니다. 서로 겹쳐진 페인트 층들이 흡수된 공간 안에서 원초적인 가능성의 감각이 열립니다. 그녀의 가장 잘 알려진 기법이 혁신적이었음을 확실히 증명하지만, 프랭크텐할러에게 그것은 자연의 정신과 감각의 추상적 투영을 위한 수단에 불과했습니다.
헬렌 프랭켄탈러 - 밀크우드 아케이드, 1963, 아크릴화, 86 1/2 x 80 3/4 인치, 219.7 x 205.1 센티미터
규칙 없음: 헬렌 프랭켄탈러 목판화
규칙 없음, 헬렌 프랑켄탈러 목판화의 동시 전시는 아마도 가장 유명한 헬렌 프랑켄탈러의 인용구에서 유래합니다: “규칙은 없다... 그것이 예술이 태어나는 방법이며, 그것이 돌파구가 생기는 방법이다. 규칙에 반하거나 무시하라, 그것이 발명의 본질이다.” 바로 이러한 발명의 정신이 프랑켄탈러로 하여금 그녀가 추구하는 특정 미적 특성을 달성하기 위해 목판 인쇄의 기법을 완전히 재발명하게 만들었습니다. 전통적으로 목판화는 흰 선과 날카로운 형태로 정의되는 외관을 가지고 있습니다. 그러나 프랑켄탈러는 그녀의 목판화에서 부드러움을 달성하고 싶어 했으며, 이는 그녀의 그림에서 이끌어낸 같은 비현실적인 아름다움을 전달할 수 있었습니다. 그녀의 목표를 달성하기 위해 그녀는 시간 소모가 크고 복잡한 개별화된 과정을 만들었습니다. 그 결과는 장관이었으며, 이 전시회에서 전면적으로 전시되고 있습니다.
규칙 없음은 Frankenthaler가 완성한 첫 번째 목판화인 동쪽과 그 너머로 시작합니다. 감각적인 형태들이 부드럽고 유기적인 방식으로 서로 녹아듭니다. 풍부하고 생동감 있는 색상은 거의 그려진 것처럼 보입니다. 이전의 어떤 목판화와도 전혀 다르게 보입니다. 다음으로 전시되는 것은 Frankenthaler가 목판화 기술의 두 일본 거장, 조각가 Reizo Monjyu와 인쇄자 Tadashi Toda와 협력하여 만든 목판화 선택입니다. 그들과 전통 기법으로 작업하면서 Frankenthaler는 최종 인쇄물에서 나무의 결이 드러나도록 허용하는 아이디어를 수용했습니다. 다음으로 전시는 Frankenthaler가 1990년대에 실험한 조작된 종이들을 보여주며, 자유 낙하와 반경과 같은 목판화에서 그 예를 볼 수 있습니다. 마지막으로 전시는 Frankenthaler가 만든 마지막이자 가장 훌륭한 목판화 중 일부로 마무리되며, 여기에는 46개의 개별 목판을 사용하여 제작된 2미터 길이, 102색 목판화 삼부작인 기념비적인 마담 버터플라이가 포함됩니다.
헬렌 프랭켄탈러 - 마담 버터플라이, 2000, 46개의 목판에서 나온 102색 목판화, 41 3/4 x 79 1/2 인치, 106 x 201.9 cm
전설을 기억하며
헬렌 프랭켄탈러가 세상을 떠난 지 거의 6년이 되었습니다. 그녀는 지난 세기 가장 영향력 있는 미국 예술가 중 한 명이었지만, 아이러니하게도 그녀의 유산은 그녀의 경력을 시작하는 데 도움을 준 바로 그 돌파구에 의해 종종 축소됩니다. 1952년, 그녀가 첫 번째 "소크-스테인" 그림을 완성한 해에, 미국 미술계에서 트렌드를 설정하고 스타를 만드는 다양한 세력들이 다음 큰 것을 찾고 있었습니다. 잭슨 폴록과 같은 추상 표현주의 예술가들은 그들의 공격적이고, 임파스토적이며, 고뇌에 찬 작업 방식으로 거의 10년 동안 주목을 받았습니다. 산과 바다와 같은 그림의 숭고하고 평평하며 사색적인 성격은 프랭켄탈러를 완벽한 균형추로 자리매김하게 했습니다. 그러나 그 단일 성취는 사실 크고 작은 수많은 진화를 겪으며 시작된 경력의 시작에 불과했으며, 프랭켄탈러가 지금까지 받은 것보다 훨씬 더 많은 고려를 받을 가치가 있는 작품을 만들어냈습니다.
이 두 개의 동시 전시회, 자연 속에서와 규칙 없음을 개최함으로써, 클락 미술관은 헬렌 프랑켄탈러의 전설을 확장하는 우아한 발걸음을 내디뎠습니다. 우선, 이 두 전시는 윌리엄 루이-드레퓨스 재단과 헬렌 프랑켄탈러 재단의 두 개의 주로 개인 소장품에서 온 작품들을 특징으로 하므로, 대부분의 작품이 이전에 공개적으로 함께 전시된 적이 없습니다. 둘째로, 이러한 대형 작품을 선택함으로써 이 전시는 그들의 창작에 들어간 물리적 노동의 규모를 보여줍니다. 이는 박물관에서 단일 그림을 감상할 때, 특히 온라인에서 이미지를 볼 때 자주 잊혀지는 부분입니다. 셋째로, 이 전시는 헬렌 프랑켄탈러를 그녀가었던 다작의 다면적인 예술가로서 맥락화하는 데 궁극적으로 도움이 될 수 있는 미래의 회고전으로 가는 길을 열어줍니다. 자연 속에서: 헬렌 프랑켄탈러 회화는 2017년 10월 9일까지 클락 미술관에서 전시되며, 규칙 없음: 헬렌 프랑켄탈러 목판화는 같은 건물의 별도 구역에서 2017년 9월 24일까지 전시됩니다. 입장료는 20달러이며, 클락 도서관 패스 프로그램 회원, 유효한 신분증을 가진 학생, 18세 미만의 어린이 및 회원은 무료입니다.
헬렌 프랭켄탈러 - 실내 풍경, 1964, 아크릴화, 104 3/4 x 92 3/4 인치, 266 x 236 cm, 샌프란시스코 현대미술관
특집 이미지: 헬렌 프랭켄탈러 -
모든 사진 © 2017 헬렌 프랭켄탈러 재단, Inc./아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕, 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
