5명의 뉴욕 기반 현대 미술가들은 엘스워스 켈리의 유산을 어떻게 활용하고 있나요?

현재 뉴욕의 The FLAG Art Foundation에서 열리고 있는 전시회 Painting/Object는 Ellsworth Kelly의 예술과 대화하는 다섯 명의 현대 미술가들의 작품을 살펴봅니다. Kelly가 Window, 파리 현대미술관(1949)을 만든 지 69년이 지났습니다. 두 개의 직사각형 캔버스가 쌓여 있는 이 작품은—하얀 캔버스가 회색 캔버스 위에 놓여 있고, 가장자리에 검은 막대기가 창틀을 연상시키도록 고정되어 있습니다—Kelly가 만든 첫 번째 “회화/물체”였습니다. 이 작품은 그가 2015년 사망할 때까지 만든 모든 작품의 기초가 되었습니다. Kelly는 이 작품을 만든 지 20년 후에 쓴 에세이에서 Window에 대해 명료하게 설명했습니다. 그 에세이에서 그는 1949년 파리 현대미술관을 둘러보던 중, 그림 자체보다 그림 사이의 창문에 더 관심이 간다는 것을 갑자기 깨달았다고 회상합니다. 그 창문들은 구조와 존재감을 가지고 있었습니다. Kelly는 그 형태를 스케치했고, 나중에 그 스케치를 그의 돌파구가 된 작품으로 옮겼습니다. 그것은 창문을 그린 그림도, 창문의 추상화도, 실제 창문도 아니었습니다. Kelly는 그것을 회화/물체라고 불렀으며—“형태에 대한 비개인적인 관찰”이라고 했습니다. 그는 이 작품이 어린 시절 기억을 떠올리게 한다고 말했습니다. 지나가던 집의 창문을 통해 방 안의 “빨강, 파랑, 검정 모양”을 보았던 기억입니다. 그는 그 모양들을 보기 위해 창문으로 달려갔지만, 그것들은 실제 물체로 변해버렸습니다—“빨간 소파, 파란 커튼, 검은 탁자”였습니다. 그는 그 모양들로 다시 돌아가고 싶어 했습니다; 그 본질, 단순함, 진실을 포착하고 싶어 했습니다. Window는 그 목표에 대한 그의 첫 성숙한 시도였습니다. 이 작품을 통해 그는 “르네상스 이전의 유럽식 예술...유물의 물체적 특성, 작품이 작가의 개성보다 더 중요하다는 사실”을 재발견했다고 느꼈습니다. 오늘날에도 Window는 오해받기 쉽고, 다른 더 명확한 걸작들과 비교하면 간과되기 쉽습니다. 그럼에도 불구하고, 이 작품은 세 세대에 걸친 예술가들, 그리고 Painting/Object에 참여한 다섯 명의 현대 미술가들에게 자명한 가치로 존경받아 왔습니다.

Sarah Crowner

Sarah Crowner(1974년생)는 자신의 작품에서 사용하는 형태와 모양의 시각 언어 외에도 Ellsworth Kelly와 회화에 대한 좌절의 역사를 공유합니다. Crowner는 매체에 대해 더 건설적인 접근법을 찾던 중, 다른 그림 캔버스 조각들을 꿰매어 하나의 캔버스로 만드는 기법에 도달했습니다. 표면의 바느질 자국은 그녀의 완성된 작품에 프랑켄슈타인 같은 존재감을 부여합니다. 형태와 색채의 조립된 언어는 객관적 현실에 대한 어떤 참조도 제거합니다. Kelly의 작품처럼, 이 그림들은 순수하게 자기 참조적인, 고유한 특성을 가진 구체적 물체로 읽힐 수 있습니다. 그러나 Kelly의 작품과 달리, Crowner는 자신의 작품이 “회화나 조각이 다른 무언가에 대한 제안으로 기능할 수 있다는 생각을 제공한다”고도 말했습니다.

Sarah Crowner - Standing Legs (Red), 2017년, 캔버스에 아크릴, 꿰매기, 48 x 48 인치, 작가와 Casey Kaplan, 뉴욕 제공

N. Dash

N. Dash와 Ellsworth Kelly 사이의 연결 고리는 처음에는 명확하지 않을 수 있습니다. 그녀의 그림은 Kelly를 연상시키는 약간 기하학적인 감각을 사용하지만, 작품의 물질성과 질감은 아르테 포베라나 단색화와 더 닮은 인상을 줍니다. 그러나 철학적 차원에서 Dash와 Kelly 사이에는 분명한 연결점이 있습니다. Kelly는 한때 “내 그림에서 그림이 주제이지, 주제가 그림이 아니다”라고 말했습니다. Dash는 완성된 재료인 물감과 캔버스를 그것들이 만들어진 원재료와 결합함으로써 이 개념을 구현합니다. 예를 들어, 그녀는 물감과 그것이 만들어진 흙 성분을 결합해 진흙 같은 물질을 만듭니다. 그 물질을 회화나 조각의 주제를 전달하는 데 사용하는 대신, 그 물질 자체가 작품의 주제가 됩니다.

N. Dash - 제목 없음, 2018년, 아도비, 젯소, 캔버스, 에나멜, 리넨, 안료, 아크릴, 스티로폼, 나무 받침, 107 x 24인치 / 271.78 x 60.96cm, 작가와 Casey Kaplan, 뉴욕 제공, 사진: Jason Wyche

Sam Moyer

Kelly는 자신의 형태를 구성하기 위해 “모든 것에서 가져올 수 있다”고 말했습니다. Sam Moyer(1983년생)는 이 생각을 문자 그대로 해석하여 대리석 조각이나 천 조각 같은 실제 물체를 빌려와 표면에 붙여 작품을 만듭니다. Kelly가 했던 것처럼 단순화하지 않고, Moyer는 이 물체들이 본래 가진 특성을 그대로 드러내도록 합니다. 그녀의 작품은 분열과 재결합에 관한 시각 언어를 담고 있습니다. 물리적 형태의 존재감을 통해 회화/물체를 앞으로 나아가게 할 논리적 제안을 제공합니다.

Sam Moyer - Rye, 2018년, 돌, 손으로 그린 캔버스 MDF 판에 부착, 76 5/8 x 60 3/8 인치, 작가와 Sean Kelly, 뉴욕 제공

Julia Rommel

Julia Rommel(1980년생)의 경우, 그녀는 회화/물체보다는 물체/회화를 만드는 듯한 느낌을 줍니다. 차이는 미묘하지만 그녀의 작품에서 분명합니다. Ellsworth Kelly처럼 Rommel도 실제 세계의 형태를 작품에 도입합니다. 그러나 자연에서 형태를 선별하는 대신, 그녀가 사용하는 형태는 자신의 그림입니다. 그녀는 캔버스를 늘이고, 그림을 그리고, 다시 캔버스틀에서 떼어내어 더 큰 캔버스틀에 다시 붙입니다. 캔버스를 겹겹이 쌓아 가장자리에 주목하게 만듭니다. 이렇게 쌓인 그림들의 물체성은 작품의 성격에 필수적입니다.

Julia Rommel - The Unbelievers, 2016년, 리넨에 유화, 71 1/2 x 106 5/8 인치, 작가와 Bureau, 뉴욕 제공

Erin Shirreff

주로 사진과 조각 매체로 작업하는 Erin Shirreff(1975년생)는 정확히 회화/물체를 만든다고 할 수는 없습니다. 그럼에도 불구하고 그녀의 작품은 여러 면에서 Ellsworth Kelly의 정신을 찬양합니다. Shirreff는 자연 세계의 생물형 기하학을 말하는 시각적 조각들로 작품을 구성합니다. 둥글고 부피감 있는 형태와 단단하고 건축적인 구조가 결합되어 알려진 무언가를 떠올리게 하면서도, 미지의 가능성 세계를 참조한다고 선언합니다. 어떤 의미에서 Shirreff는 물체/회화의 철학과 시각 언어를 초현실 영역으로 확장합니다.

Erin Shirreff - Fig. 3, 2017년, 아카이벌 안료 인쇄, 40 x 54 인치, 작가와 Sikkema Jenkins & Co. 제공

Painting/Object는 2018년 5월 19일까지 뉴욕의 The FLAG Art Foundation에서 열리며, Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel, Erin Shirreff의 작품을 선보입니다. 현재 갤러리 9층에서는 Ellsworth Kelly 전시가 열리고 있습니다.

대표 이미지: Sarah Crowner - Sliced Greens, 2018년, 캔버스에 아크릴, 꿰매기, 65 x 60 인치, 작가와 Casey Kaplan, 뉴욕 제공

필립 Barcio 작성