5명의 뉴욕 기반 현대 미술가들은 엘스워스 켈리의 유산을 어떻게 활용하고 있나요?
전시회 엘스워스 켈리의 예술과 대화하는 작품을 만드는 다섯 명의 현대 미술가를 다루고 있는 Painting/Object가 현재 뉴욕의 FLAG Art Foundation에서 열리고 있습니다. 켈리가 Window를 창작한 지 69년이 지났습니다. 이 작품은 두 개의 쌓인 직사각형 캔버스로 구성되어 있으며, 흰색 캔버스가 회색 캔버스 위에 놓여 있고, 가장자리에 검은 막대가 고정되어 있어 창문의 프레임을 연상시킵니다. 이것은 켈리가 만든 첫 번째 "painting/object"였습니다. 이 작품은 그가 2015년에 사망할 때까지 만든 모든 다른 작품의 기초가 되었습니다. 켈리는 이 작품을 만든 지 20년 후에 쓴 에세이에서 Window에 대해 유창하게 이야기했습니다. 그는 1949년 파리의 현대 미술관을 투어하던 중, 그림 자체보다 그림 사이의 창문에 더 관심이 있다는 것을 갑자기 깨달았다고 회상합니다. 창문은 구조와 존재감을 가지고 있었습니다. 켈리는 그 형태를 스케치했고, 나중에 그 스케치를 그의 돌파구가 된 작품으로 변환했습니다. 그것은 창문의 그림도 아니었고, 창문의 추상도 아니었으며, 실제 창문도 아니었습니다. 켈리는 그것을 Painting/Object라고 불렀습니다. "형태에 대한 비인격적인 관찰"이라고 그는 말했습니다. 그는 이 작품이 그가 지나가던 집의 창문을 통해 "빨간색, 파란색, 검은색 형태가 있는 방"을 보았던 어린 시절의 기억을 떠올리게 한다고 말했습니다. 그는 형태를 보기 위해 창문으로 달려갔지만, 그것들은 실제 물체로 녹아들었습니다. "빨간 소파, 파란 커튼, 검은 테이블"이었습니다. 그는 그 형태로 돌아가고 싶어 했습니다. 그 본질, 단순함, 진실을 포착하고 싶어 했습니다. Window는 그 목표에 대한 그의 첫 번째 성숙한 시도였습니다. 그는 이를 통해 "프레 르네상스, 유럽식 예술... 유물의 객체적 특성, 작품이 예술가의 개성보다 더 중요하다는 사실"을 재발견했다고 느꼈습니다. 오늘날에도 Window는 오해하기 쉽고, 다른 더 명백한 걸작들과 비교할 때 간과하기 쉽습니다. 그럼에도 불구하고, 그것은 Painting/Object에 등장하는 이 다섯 명의 현대 미술가를 포함하여 세 대에 걸쳐 존경받아 왔으며, 그들에게 Window의 가치는 자명합니다.
사라 크라우너
그녀의 작업에서 동원되는 형태와 형상의 시각적 언어 외에도, 사라 크라우너(1974년생)는 엘스워스 켈리와 함께 회화에 대한 좌절의 역사를 공유하고 있다. 크라우너는 매체에 대한 보다 건설적인 접근 방식을 찾은 후, 다른 그려진 캔버스의 조각들을 함께 꿰매는 기법에 도달했다. 표면의 바느질은 그녀의 완성된 작품에 프랑켄슈타인 같은 존재감을 부여한다. 조합된 형태와 색상의 언어는 객관적 현실에 대한 어떤 언급도 제거한다. 켈리의 작품처럼, 이 그림들은 순전히 자기 참조적으로 읽힐 수 있으며, 그 특성이 독특한 구체적인 객체로서 존재한다. 그러나 켈리의 작품과는 달리, 크라우너는 그녀의 작품이 "회화나 조각이 다른 무언가에 대한 제안으로 기능할 수 있다는 아이디어를 제공한다"고도 말했다.
사라 크라우너 - 스탠딩 레그스 (레드), 2017, 아크릴 캔버스, 바느질, 48 x 48 인치, 아티스트와 케이시 카플란 제공, 뉴욕
N. 대시
N. Dash와 Ellsworth Kelly 사이의 연결고리는 처음에는 명백하지 않을 수 있습니다. 그녀의 그림은 Kelly를 연상시키는 미세한 기하학적 감성을 사용하지만, 그녀의 작업의 물질성과 질감 특성은 그것이 Arte Povera 또는 Dansaekhwa와 더 많은 공통점을 가질 것 같은 인상을 줍니다. 그러나 철저히 철학적인 차원에서 Dash와 Kelly 사이에는 연결이 존재합니다. Kelly는 한때 "내 그림에서, 그림은 주제가 아니라 주제, 그림이다."라고 말했습니다. Dash는 완성된 재료인 페인트와 캔버스를 그들의 생산에 사용된 원재료와 결합함으로써 이 개념을 구현합니다. 예를 들어, 그녀는 페인트를 그것이 만들어진 지구의 요소와 결합하여 진흙 같은 물질을 만들 수 있습니다. 그 물질을 그림이나 조각에서 주제를 전달하는 데 사용하는 대신, 그 물질 자체가 작업의 주제가 됩니다.
N. Dash - 제목 없음, 2018, 어도비, 제소, 캔버스, 에나멜, 리넨, 안료, 아크릴, 스티로폼, 나무 지지대, 107 x 24” / 271.78 x 60.96cm, 아티스트와 케이시 카플란 제공, 뉴욕, 사진: 제이슨 와이치
샘 모이어
켈리는 그가 삶에서 "모든 것을 가져올 수 있다"고 말했다. 샘 모이어(1983년 출생)는 그 아이디어를 문자 그대로 해석하여, 대리석 슬랩이나 천 조각과 같은 실제 물체를 빌려와서 표면에 부착하여 그녀의 작품을 구성한다. 모이어는 켈리가 했던 것처럼 그것들을 단순화하기보다는, 이러한 물체들이 그 자체로 고유한 특성을 드러내도록 허용한다. 그녀의 작품은 파편화와 재조합과 관련된 시각적 언어를 포함하고 있다. 물리적 형태의 존재를 통해, 그녀는 회화/물체를 앞으로 나아가게 하는 논리적 제안을 제공한다.
샘 모이어 - 라이, 2018, 돌, 수작업으로 그린 캔버스를 MDF 패널에 장착, 76 5/8 x 60 3/8 인치, 아티스트와 숀 켈리 제공, 뉴욕
줄리아 롬멜
줄리아 롬멜(1980년생)의 경우, 그녀는 회화/객체보다 객체/회화를 만드는 것처럼 느껴진다. 그 차이는 미세하지만 그녀의 작업에서 분명하다. 엘스워스 켈리처럼 롬멜은 그녀의 구성에 실제 세계의 형태를 도입한다. 그러나 자연에서 이러한 형태를 선별하는 대신, 그녀가 사용하는 형태는 그녀 자신의 회화이다. 그녀는 캔버스를 늘리고, 그 위에 그림을 그린 다음, 스트레처 바에서 떼어내어 더 큰 스트레처 바에 다시 부착한다. 캔버스를 서로 겹쳐 놓으면서, 그녀는 그 가장자리에 주목하게 한다. 이러한 누적된 회화의 객체성은 작업의 성격에 필수적이다.
줄리아 롬멜 - 불신자들, 2016, 리넨에 유채, 71 1/2 x 106 5/8 인치, 아티스트와 뉴욕의 뷰로 제공
에린 쉬리프
주로 사진과 조각 매체에서 작업하는 Erin Shirreff(1975년 출생)는 정확히 Painting/Objects를 만든다고 할 수는 없다. 그럼에도 불구하고 그녀의 작업은 여러 면에서 Ellsworth Kelly의 정신을 찬양한다. Shirreff는 자연 세계의 생물학적 기하학을 말하는 시각적 조각들로 그녀의 구성을 조립한다. 둥글고 부피감 있는 형태와 단단하고 건축적인 구조의 조합은 알려진 무언가를 회상하게 하면서도, 미지의 가능성의 세계를 참조한다고 선언한다. 어떤 의미에서 Shirreff는 Object/Painting의 철학과 시각적 언어를 받아들여 초현실의 영역으로 확장한다.
에린 시레프 - 그림 3, 2017, 아카이벌 피그먼트 프린트, 40 x 54 인치, 아티스트와 시케마 젠킨스 & 코의 제공.
'회화/물체는 2018년 5월 19일까지 FLAG 아트 재단에서 전시되고 있으며, Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel, Erin Shirreff의 작품이 포함되어 있습니다. 현재, Ellsworth Kelly 전시가 갤러리 9층에서 진행 중입니다.'
특집 이미지: 사라 크라우너 - 슬라이스드 그린스, 2018, 아크릴 캔버스, 바느질, 65 x 60 인치, 아티스트와 케이시 카플란 제공, 뉴욕
필립 Barcio
