샤오 친 - 추상의 한계를 넘다
1940년대 대만에서 젊은 미술 학생이었던 Hsiao Chin은 스승으로부터 예술가의 책임에 대해 다음과 같은 조언을 받았습니다: 예술가는 자신의 역사적 전통을 개인적인 방식으로 표현하는 동시에, 그것을 세계적 흐름과 어떻게든 연결해야 한다는 것입니다. 다시 말해, 예술가는 다리를 놓는 사람입니다. 이 결코 간단하지 않은 과업을 이루기 위해, Hsiao는 학교 친구 몇 명과 함께 중국 최초의 추상미술 집단으로 여겨지는 톤판 그룹을 결성했습니다. 톤판은 동양을 의미하는데, 이는 그룹 구성원을 제한하려는 의도가 아니라 이 예술가들이 자신들을 현대미술에 대한 보다 개방적인 접근을 향한 세계적 운동의 동양 대표로 여겼다는 뜻이었습니다. Hsiao에게 이것은 대만을 떠나 다른 지역 예술가들이 무엇을 하고 생각하는지 직접 경험하는 것을 의미했습니다. 그는 수십 년간 서구에 거주하며, 무브먼트 푼토, 수리야 무브먼트, 샤키 무브먼트 등 전 세계 예술가들이 참여한 여러 예술 운동을 공동 창립했습니다. 놀랍게도, 이탈리아에서의 경험이 Hsiao로 하여금 자신의 고유한 토착 예술 전통을 완전히 인식하게 만들었습니다. 베니스 비엔날레 방문 중 현대 유럽 미술을 보면서 고대 중국 예술 형식이 서구 모더니즘의 성취를 얼마나 예견했는지 깨달았습니다. 이 깨달음은 그가 중국 상징주의, 티베트 불교 색채 이론, 서구 추상미술 기법을 결합한 독특한 미학적 목소리를 발전시키는 계기가 되었습니다. 2020년 그의 85세 생일을 기념하여 라트비아의 마크 로스코 미술관에서 Hsiao 회고전이 열렸으며, 1960년대 미국 방문 시 친분을 쌓은 로스코의 작품과 6십 년간의 그의 작품을 나란히 전시했습니다. 이 전시는 Hsiao가 과거와 현재, 자신의 문화와 세계를 잇는 다리를 놓았을 뿐만 아니라 지구와 우주 전체를 연결하는 데 성공했음을 증명합니다.
공허를 채우다
로스코가 남긴 글에서 그와 Hsiao가 예술에 대한 특정한 영적 열망을 공유한다는 점이 분명합니다. 그러나 내가 보기에 Hsiao의 작품과 가장 시각적으로 닮은 서구 추상미술가는 아돌프 고틀리브입니다. 그들의 제스처 붓질, 원, 생명체를 닮은 색점들은 고틀리브의 가장 유명한 작품들, 예를 들어 크리스털 브리지 미국 미술관 소장인 “삼위일체”(1962)와 같은 작품들이 Hsiao의 그림으로 쉽게 오인될 수 있습니다. 그러나 고틀리브와 Hsiao는 의도 면에서 전혀 다릅니다. 고틀리브는 “내가 뱀처럼 구불구불한 선을 그렸다면 그것은 뱀 같은 선을 원했기 때문입니다. 그 후에 그것이 뱀을 연상시켰지만, 그릴 때는 아무것도 연상시키지 않았습니다. 순수한 형태였습니다.”라고 말했습니다. 반면 Hsiao는 자신의 그림 속 형태와 선이 상징적이기를 완전히 의도했습니다.
Hsiao Chin - 도(道), 1962년. 캔버스에 아크릴. 64 x 69 cm. © Hsiao Chin
Hsiao의 그림에서 구불구불한 선은 기운, 즉 기(氣)의 표현으로 해석될 수 있고, 원은 일체감이나 끝없는 하늘의 광활함을 나타낼 수 있으며, 직사각형은 지구 또는 다른 행성을 상징할 수 있습니다. 그러나 고틀리브와 Hsiao가 미적 의도를 인식하는 가장 강력한 차이는 그들이 그린 캔버스 부분이 아니라 그리지 않은 부분에서 발견됩니다. Hsiao에게 공허는 창조적 잠재력의 상징이며 모든 존재의 근원입니다. 고틀리브에게 공허는 오직 자기 자신만을 참조하는 구성적 장치, 즉 존재의 부재였습니다. 이 차이는 미묘하며 아마도 철학자들에게 맡기는 것이 좋을 것입니다. 그러나 로스코와 Hsiao의 비교로 돌아가 보면, 두 예술가 모두 그림을 통해 영적인 무언가를 이루려 했지만, 오직 로스코만이 자신의 표면을 완전히 물감으로 덮어 공허조차도 물질로 채워야 한다는 강박을 느낀 것처럼 보입니다.
Hsiao Chin - 무제, 1962년. 캔버스에 아크릴. 114.5 x 146.5 cm. © Hsiao Chin
기원의 점들
Hsiao가 자신의 삶에 대해 나눈 가장 기억에 남는 이야기 중 하나는 이탈리아 토리노에 살던 시절, 외계 행성 거주자로부터 주간 텔레파시 메시지를 받는다고 주장하는 여성과 친구였다는 것입니다. 그녀는 그 메시지를 Hsiao와 공유했고, Hsiao는 그것을 우리가 이 행성에서의 일상생활보다 훨씬 더 광대하고 다양한 무언가의 일부라는 증거로 완전히 받아들였습니다. 그녀가 세상을 떠난 후에도 Hsiao는 무당을 통해 이 친구와 계속 소통하려 시도했으며, 이를 성공적이라고 여깁니다. 1960년대의 “춤추는 빛” 시리즈와 1990년대 딸의 죽음 이후 제작한 일련의 그림들은 우주에 존재하는 광대한 영혼 에너지와 우리를 넘어선, 우리 행성을 넘어선, 그리고 우리의 제한된 현실 경험을 넘어선 다수의 생명체에 대한 그의 믿음을 감동적으로 표현합니다.
Hsiao Chin - Dancing Light 15, 1963년. 캔버스에 아크릴. 140 x 110 cm. © Hsiao Chin
아이러니나 자기 인식의 흔적 없이, Hsiao는 외계 생명체와 영적 세계에 대한 믿음을 도교, 만다라, 불교 탄트라 회화, 중국 먹그림, 추상 표현주의, 후기 화가 추상, 최소주의, 색면 회화 등과 함께 자유롭게 참조합니다. 그는 죽음, 삶, 슬픔, 사랑에 대한 자신의 경험을 그리며, 이러한 주제들과 현대 추상의 목표 사이에 모순을 느끼지 않습니다. 그의 지도 철학의 아름다움은 아마도 1960년대 밀라노에 살면서 공동 창립한 예술 운동 이름인 무브멘토 푼토에서 가장 잘 드러납니다. 푼토는 이탈리아어로 점을 뜻합니다. 이는 Hsiao가 그림에 넣는 원, 즉 일종의 점을 가리키는 것으로 읽을 수 있습니다. 영적으로는 신비와 무존재를 상징하며, 형식적으로는 존재의 시작을 나타냅니다: 점은 선을 낳고, 선은 평면, 형태를 낳으며, 이는 색, 깊이, 원근으로 이어집니다. 이 하나의 상징으로 Hsiao는 예술가로서 그리고 인간으로서의 자신의 발전 사이에 분리가 없음을 증명합니다: 이것이 내가 생각하는 그가 놓은 가장 중요한 다리입니다.
대표 이미지: Hsiao Chin - Dancing Light 19, 1964년. 캔버스에 아크릴. 110 x 140 cm. © Hsiao Chin
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
