캔버스 벗기기 - 론 고르초프에게 작별을

2017년 스위스 큐레이터 한스 울리히 오브리스트와의 인터뷰에서, 미국 화가 론 고르초프 (1930 - 2020)는 젊은 예술가들에게 다음과 같은 조언을 했습니다: “절망적이고 인내하라.” 겉보기에는 모순된 이 발언은 고르초프가 자신의 작업에 접근한 태도를 완벽하게 요약합니다. 1930년 시카고에서 태어난 그는 대공황 동안 아버지의 기업가 정신으로 인해 가족이 12번 이상 도시를 옮겨 다녔습니다. 상황은 그들을 돈에 절박하게 만들었지만, 그의 아버지는 고르초프에게 돈을 목적과 분리해서 보라고 가르쳤습니다. 그의 가족은 파산 상태였지만, 고르초프는 결코 가난하지 않았다고 말합니다. 고르초프는 1950년대 뉴욕으로 이사했을 때 생명 구조원으로 일했고, 이후 미술을 가르쳤습니다. 이러한 직업들은 그가 자신의 예술에 필요한 인내를 가지고 접근할 수 있는 시간을 주었습니다. 그의 지도 원칙은 예술가들이 자신이 살고 있는 세기가 아닌 다음 세기를 위해 항상 작업을 해야 한다는 것이었습니다. 21세기로 회화를 발전시키기 위한 그의 아이디어는 조각과 건축과 적절한 비율로 결합하는 것이었습니다. “나에게,” 고르초프는 말했습니다, “조각의 본질은 질량입니다. 건축에서는 부피를 느낍니다. 그리고 회화는 표면을 강조합니다.” 그가 유명해진 “안장 모양”의 회화는 그 문제에 대한 해결책이었습니다. 1949년, 고르초프는 회화 세계가 직사각형의 개념에 너무 집착하게 되었다는 생각을 했습니다. 이는 피트 몬드리안에 의해 가속화된 집착으로, 고르초프는 그가 그 형태를 소진했다고 추론했습니다. 고르초프는 일반적인 직사각형 캔버스의 평면성을 변경하기 위해 테니스 공을 뒤에 놓아 부풀게 하는 등의 다양한 옵션을 고려했습니다. 그는 이제 아이코닉한 볼록하고 곡선형 회화 표면을 만들기 위해 사용한 “안장 스트레처”를 개발하는 데 19년이 걸렸습니다. 그가 1968년에 만든 첫 번째 안장 모양의 회화는 “Mine”라는 제목을 가지고 있습니다. 이는 그가 이 작품을 독특하게 자신의 것으로 보았고, 또한 발견되지 않은 창의적 가능성으로 가득 찬 잠재적인 금광으로 보았다는 이중적 의미를 지니고 있습니다.

추상적 또는 구체적

대부분의 관객들은 고르초프의 작품이 추상적이라고 생각합니다. 그러나 그의 딜러인 존 체임, 체임 & 리드 갤러리의 원장 겸 전시 디렉터는 고르초프를 완전히 추상적으로 보아서는 안 된다고 주장합니다. 이 갤러리는 조안 미첼, 밀턴 레스닉, 루이스 피시맨과 같은 추상의 거장들과 작업한 것으로 유명합니다. 체임은 "형태는 조르지오 모란디의 작업과 강한 관계가 있습니다. 고르초프는 모란디가 순수하게 인물화가 아닌 것처럼 순수하게 추상적인 화가가 아닙니다"라고 말합니다. 갤러리 디렉터 스티븐 트루악스는 "론은 그가 사용한 추상 형태에 대한 영감을 위해 실제 생활에서 보고 접한 것들을 사용했습니다"라고 덧붙입니다.

론 고르초프 - BROTHER II, 2017, 리넨에 유채, 85 x 75 x 13 인치, 215.9 x 190.5 x 33 센티미터. © 2020 론 고르초프 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕. 사진: 브라이언 벅클리. 모든 작품 이미지는 아티스트와 Cheim & Read, 뉴욕의 제공입니다.

그의 그림에서 감정적 내용에 대한 단서는 그가 붙인 제목에서 찾을 수 있는데, 이 제목들은 종종 고전 신화나 성경과 같은 신학적 텍스트의 이야기들을 참조한다. 그러나 고르초프는 특정 인물이나 신화의 장면을 그리려고 시작하지 않았다. 오히려 그는 직관적이고 무의식적인 방식으로 그렸으며, 종종 캔버스의 오른쪽은 오른손으로, 왼쪽은 왼손으로 그렸다. 그는 결과적으로 내용을 생각했다. “내가 그림을 그리고 그것을 바라볼 때,” 고르초프는 한 번 설명했다, “나는 스스로에게 물어봐야 해, 내가 그걸 할 때 어떻게 느꼈지? 내가 그것을 만드는 데 관여했기 때문에, 내가 어떻게 느꼈는지 모르겠어. 그래서 나는 그 그림을 연구해서 그것을 알아내려고 하고… 그리고 내가 느꼈던 것처럼 느껴지는 이야기를 찾으려고 해.” 삶에서 본 것들과, 그림 그리기의 무의식적인 행위, 그리고 나중에 감정을 분석하는 것 사이의 이러한 주고받음은 나에게 추상적이면서도 구체적인 것처럼 보인다. 그것은 장 아르프가 다다의 진정한 의미에 대해 이야기했던 방식이 생각난다: 예술을 통해 표현된 자연의 예측 불가능성, 무의미함, 그리고 완벽한 논리.

론 고르초프 - 프로메테우스, 2016. 린넨에 유채. 49 x 65 x 10 1/2 인치 / 124.5 x 165.1 x 26.7 센티미터. © 2020 론 고르초프 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕. 모든 작품 이미지는 아티스트와 체임 & 리드, 뉴욕의 제공입니다.

혁신적인 개혁가

나에게, 고르초프가 창조한 작품에는 깊은 미국적 요소가 있다. 미국은 구체적인 것이자 추상적인 개념으로, 끊임없이 혁명과 개혁 사이에서 갈등하고 있다. 그가 처음으로 안장 스트레처를 개발했을 때, 고르초프는 혁명적인 예술가로서, 평면적이고 직사각형의 표면에서 이루어져야 한다는 수세기 동안의 중심 개념을 전복하려고 결심했다. 사실, 그가 첫 번째 곡선 캔버스를 개발하고 있을 때, 평면성의 개념은 클레멘트 그린버그와 같은 주요 미술 비평가들에 의해 다시 한 번 포스트 페인터리 추상화의 목표로 찬양받고 있었다. 이는 그린버그에 따르면 최신의 회화 경향이었다. 그러나 고르초프는 직사각형과 평면성의 구조적 시스템을 대담하게 약화시킨 후, 완전히 새로운 시스템에 헌신하였고, 그의 경력 내내 이를 반복하며 구시대의 정상 대신 신시대의 정상으로 대체했다. 혁명적 충동을 끝없는 개혁에 대한 강박으로 양보하고, 새롭게 확립된 시스템 내에서 끝없이 매력적인 변형을 창조하는 것보다 더 미국적인 것이 무엇일까?

동쪽 잼과의 초상 론 고르초프 그의 브루클린 스튜디오에서. 사진: 브라이언 벅클리, 2012. 론 고르초프 동쪽 잼 1971 리넨에 유화 77 x 77 x 12 1/2 인치 195.6 x 195.6 x 31.8 센티미터 © 2020 론 고르초프 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕.

진정으로, 한 번 Gorchov의 그림을 보면, 이후에 만나는 모든 Gorchov의 그림은 즉시 그의 작품으로 인식됩니다. 그러나 이것은 모욕이 아닙니다. 이는 자연에 대해 할 수 있는 동일한 비판으로, 자연 또한 무한하고 아름다운 변형을 만들기 위해 자신의 특별한 시스템 내에서 작동합니다. 사실, 그의 자연의 방식과의 관계 맥락에서, Gorchov는 Hans Arp의 계보에 가장 잘 속한다고 느낍니다. Arp는 또 다른 생물형 아티스트로, 부분적으로 다다이스트이자 부분적으로 초현실주의자, 그리고 부분적으로 추상주의자였지만, 항상 자신의 예술을 구체적이라고 언급했습니다. Gorchov는 지적이면서도 기발한 작품을 창조했습니다. 완전히 특이하면서도 즉시 인식 가능하며, 그래서 Arp와 마찬가지로 Gorchov를 그의 특별한 범주에 놓는다고 믿습니다.
나는 고르초프가 그의 원래의 지도 원칙을 달성하는 데 성공한 방식에 깊은 인상을 받았으며, 그의 예를 통해 예술가들이 자신의 세기뿐만 아니라 다음 세기에도 관련성을 유지하기 위해 사고와 감정이 얼마나 중요한지를 일깨워 준다.

특집 이미지: AVIDON Ron Gorchov의 초상, 2013. 사진: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. 허가를 받아 재생산됨.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio