미국 추상 화가 Dana Gordon과의 인터뷰

Dana Gordon의 새로운 그림이 브루클린의 사이드쇼 갤러리에서 2017년 6월 4일까지 전시됩니다. 우리는 최근에 Gordon과 만나 이 흥미로운 새로운 작품에 대해 이야기할 기회를 가졌습니다.

IdealArt: 브루클린의 Sideshow Gallery에서 열리는 현재 전시회에 대한 카탈로그 에세이에서 James Panero는 당신의 새로운 작품을 "다른 무언가"로 언급하며, 그것이 당신에게 상당한 방향 전환을 나타낸다고 주장합니다. 그 평가에 대해 어떻게 응답하시겠습니까?
다나 고든: 동의합니다, 하지만 저는 이것을 방향 전환으로 보지 않습니다. 저는 이것을 같은 방향으로 보며, 단지 다음 발전, 즉 실질적인 새로운 발전으로 봅니다.

IA: 이 그림들을 만들면서 즉흥 연주와의 관계에 대한 당신의 생각을 공유해 주세요.
DG: 나는 그림 그리는 전체 과정을 즉흥 연주로 본다. 나는 할 일을 생각하고, 그것을 시도해 보고, 잘 되거나 안 되거나 한다. 그런 다음 나는 거기에 있는 것에 다시 반응한다. 나는 완성된 느낌이 들 때까지 계속 즉흥적으로 작업한다. 내가 선택한 것은 내 작업의 최근 과거, 오래된 과거, 다른 예술, 내가 본 것, 생각한 것, 느낀 것, 경험한 것 등과 더 많이 또는 덜 기반할 수 있으며, 위의 모든 것 -- 그리고 종종 내 마음에 갑자기 떠오르는 것이고, 나는 그것을 시도해 본다. 물론, "갑자기 떠오르는" 것들에는 항상 무의식적인 이유가 있다. 나는 내 무의식이 내 작업을 안내하도록 하려고 한다. 왜냐하면 무의식에는 의식보다 훨씬 더 많은 것이 있기 때문이다. 이것은 심리적이거나 문학적인 분석이 아니라 무의식의 자극에 대한 시각적 반응을 통해 이루어진다. 나는 자연스럽고 완전하게 이러한 반응을 얻기 위해서는 연습이 필요하다고 생각한다. 왜냐하면 일반적인 교육 과정은 그것을 능력에서 지우는 것이기 때문이다. 그러나 그것은 기본적이고 원초적이다. 또한 이것은 많은 학문적 비판에 의해 부정된 시각 예술의 폭넓은 경험이다. 이는 이러한 작가들이 단순히 시각을 이해하지 못하거나 보지 못하고 모든 예술을 문학적, 정치적 또는 문자적 접근을 통해 설명하기 때문이다. 물론 시각을 이해하는 작가들도 있다. 그것에 대해 글을 쓰는 것은 어렵다.

IA: 이번 전시의 작품들은 어떤 종류의 협상에서 나온 것 같은 느낌을 줍니다. 이 작품들이 만들어지는 과정에서 어떤 갈등과/또는 협력의 감정을 경험하셨나요?
DG: 갈등이나 협력은 작용하지 않았습니다 -- 적어도 제 의식적인 경험에서는요. 항상 일종의 협상이 있는 것 같아요 – 즉, 이걸 여기 두고 저걸 저기 두면 더 나아질까, 아니면 다르게 두면 어떨까 하는 식으로요. 저는 항상 다양한 것들이 얼마나 잘 작동하는지 저울질하고 있습니다. 궁극적인 협상도 있는 것 같아요, 당신이 아름답고 놀라운 그림의 일부를 유지할지, 아니면 전체 그림을 더 좋게 만들기 위해 그것을 희생할지를 결정해야 할 때요. 이것은 자주 발생하는 일입니다. 아마도 당신의 질문은 이 모든 그림이 수직으로 반으로 나뉘어 있다는 사실에서 비롯된 것일 것입니다. 그리고 그들은 여러 가지 다른 종류의 추상 기법을 사용하는 것처럼 보입니다. 저는 그림 안에 두 개의 그림이 있는 것처럼 보일 수 있는 것이 흥미로웠습니다. 그리고 제가 이 두 개를 하나로 만들었다는 점에서요. 그리고, 사실상 세 개입니다. 각 측면과 전체가 있습니다. 아마도 정말로 네 개가 있을지도 모릅니다: 각 측면, 두 측면의 전체, 그리고 두 측면과 하나의 전체입니다. 제 경력 초기에 저는 서로 대화하는 부분이 있는 영화를 만들었습니다, 문자 그대로 그리고 비유적으로, 개념적으로도요. 카탈로그에 이와 관련된 영화 스틸이 있습니다. 제임스 파네로는 카탈로그에서 "그리드가 자유형 디자인 위에 겹쳐진 유사한 긴장"과 "거친 선에 균형을 이루는 날카로운 모서리의 삼각형"에 대해 언급했습니다. 다양한 추상 기법을 사용하는 것에 관해서는, 저는 그것들이 예술가로서 제 유산의 일부라고 봅니다. 저는 제가 원하는 대로 사용할 수 있습니다. 추상 미술, 특히 제2차 세계대전 이후에는 자신의 작업을 가능한 한 단순한 시각적 측면으로 축소하려는 강한 경향이 있습니다. 왜 하나의 시각적 기법만 사용하는 대신 많은 시각적 기법을 사용하지 않나요? 다양한 기법과 복잡한 공간을 사용하는 것은 구식 대가들의 전형적인 특징이지만, 묘사된 장면의 매끄러움에 의해 숨겨져 있습니다, 이야기.

Dana Gordon - Unruly Subjects, 2015-2017, 72 x 120 inches, oil and acrylic on canvas, © the artist

IA: 갈등과 협력 사이에 차이가 있나요?
DG: 나는 그들이 정반대라고 말할 수 있다. 물론, 갈등 해결은 협력으로 이어질 수 있다. 내 새로운 그림에서 영역과 기법이 충돌한다고 생각하지 않는다. 나는 각 그림에서 모든 것이 잘 어우러진다고 생각한다. 이것은 그림의 모든 부분이 동일하다는 것을 의미하지 않는다.

IA: 이 작품에 대한 색상 선택에 대한 당신의 생각을 공유해 주세요.
DG: 일반적으로, 거의 독점적으로, 나는 자연색이나 검은색을 사용하지 않습니다. 오직 내가 "스펙트럼" 색상이라고 생각하는 것만 사용합니다. 기본 색상, 보조 색상; 더 밝고 더 어두운. 그리고 다양한 페인트 제조업체에서 제공하는 다양한 버전들. 이러한 특정 색상의 무한한 다양성은 실제로 존재하지 않습니다 - 관객은 어떤 색상의 상대적으로 적은 수의 다른 음영만 인식할 수 있습니다 (서로 바로 옆에 놓이지 않는 한, 그리고 그 경우에도 그렇게 많지 않습니다). 다행히도, 다양한 제조 방법과 다양한 재료 출처가 변화를 제공합니다. 나는 주로 기본 색상과 보조 색상을 사용합니다. 그들의 순수성이 더 강렬한 색상을 제공하기 때문입니다. 즉, 더 많은 색상입니다. 더 붉은 빨강, 더 푸른 파랑 등. 이러한 특성은 색상을 그림에 배치하는 위치, 형태 및 크기에 따라 달라집니다. 나의 색감은 여러 출처에서 옵니다. 첫째, 각 개인이 가지고 있는 고유한 색감이 다르다는 것을 확신합니다. 그리고 내가 자연과 예술에서 본 모든 것이 있습니다. 또한, 나는 알버스 색상 시스템을 공부했습니다. 선택은 내가 어떤 색상을 사용할지 알려주는 무의식적인 상호작용에서 나옵니다. 모든 색상은 강력한 감정과 의미를 지니거나 지닐 수 있습니다.

IA: 이 그림들에서 표현한 색상 관계가 이전 작업에서 표현한 색상 관계와 다르다고 느끼시나요?
DG: 아니요. 저에게는 그렇지 않습니다. 그러나 더 많은 그림 기법이 있으므로 같은 색상이 다르게 보일 수 있습니다.

IA: 이러한 그림을 만드는 과정이 제스처와의 관계에 어떤 영향을 미쳤나요?
DG: 분명히 이 작품들에서는 지난 10년간의 작품들보다 제스처의 사용이 더 강하게 나타납니다. 일반적인 의미의 제스처 – 페인트의 움직임이나 페인트가 적용된 방식에서 느껴지는 것, 그리고 서예적인 선. 제스처(그리고 드로잉)는 모든 종류의 의미를 담고 있습니다. 저는 이 그림들에서 제스처를 더 많이 사용하고 싶었습니다. 이전 몇 십 년의 제 작업에서도 넓은 제스처를 사용했습니다. 20대 중반에 저는 중국의 풍경화와 선(禪) 회화를 공부하는 데 꽤 많은 시간을 보냈습니다. 이는 화가가 소화해야 할 회화의 일부라고 생각했기 때문입니다. 그리고 1970년대 중반, 형태가 있는 3차원 캔버스와 기타 관련 실험을 10년간 한 후, 저는 "처음으로 돌아갔습니다." 검은 종이에 분필로 표시를 하고 그곳에서 제 작업을 재개발하며, 어떻게 표시가 선이 되고 형태를 만드는지를 탐구했습니다. 수년 동안 다양한 선과 마크 만들기가 탐구되었습니다. 가장 미세한 선이 색깔 있는 형태의 윤곽선이 됩니다.

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, oil and acrylic on canvas, 72 x 60 inches (Left) and Jacobs Ladder, 2015-2016, oil and acrylic on canvas, 72 x 60 inches (Right), © the artist

IA: 이 작품 집합을 미적 표현으로 어떻게 인식하는지, 그리고 관객과의 대화의 시작으로 어떻게 인식하는지 공유해 주세요.
DG: 모든 예술은 미적 표현입니다. 그것이 전부라고 생각합니다. 그 안에 있는 다른 모든 것 – 정치, 문학적 아이디어 등 – 은 감정일 뿐이며 예술을 축소하거나 흐리게 만듭니다. 예를 들어, 지오토의 감정은 그의 종교적 신념보다 그의 미적 기술에서 더 많이 나옵니다. 그의 미적 기술은 그가 자신의 영성을 시각적으로 구현할 수 있게 해줍니다.

IA: 이러한 작품들이 관객에 의해 완성될 필요가 있다고 생각하는 이유는 무엇인가요?
DG: 나는 그림을 만들 때 관람자로서 그림과 대화를 나눈다. 나는 그림이 관람자에 의해 완성될 필요는 없다고 생각한다. 내가 작업을 마쳤을 때 그것은 완성된다. 관람자들이 그림과 시각적인 대화를 나누기를 바란다. 그림이 관람자의 마음 속에서 생명을 얻는다면 기쁘다. 이 생명이 내가 그림을 만들 때 가졌던 생각과 감정에 가까웠으면 좋겠다. 나는 그것이 다소, 또는 꽤 많이 다를 것이라는 것을 안다.

IA: 당신은 과거에 "위대한 마스터의 그림처럼 가득 차고, 풍부하며, 완전하고 의미 있는 추상화를 만들기 위해 영감을 받는다"고 말한 적이 있습니다. 그 발언의 맥락에서, 당신은 "위대한"이라는 단어를 어떻게 정의합니까?
DG: 내가 그 발언에서 의미한 것은 추상화가 역사적으로 구도와 표현의 포괄성, 공간의 개방성과 복잡성에서 구 마스터 작품들이 가졌던 영혼의 충만함에 도달하지 못했다고 느낀다는 것이다. 나는 세잔이 이 문제를 일찍이 감지했으며, 그의 유명한 발언에서 이를 볼 수 있다고 생각한다. “하지만 나는 인상주의로부터 박물관의 예술처럼 견고하고 지속적인 것을 만들고 싶었다.” 나는 그가 이 말로 의도한 바를 이루지 못했다고 생각하며, 그는 다른 것을 성취했다. 이것은 많은 위대한 현대 추상 마스터들이 깊고 감동적인 예술을 만들지 않았다는 것을 의미하지 않는다. 물론 그들은 그랬다. 하지만 그것은 단지 한 가지에만 집중하고, 관객을 향해 밀어내는 평면성에 대한 독점적인 필요에 국한되어 있다. 이 그림들에는 어느 정도의 공간이 있지만, 그것은 제한적이다. 나는 로스코, 폴록 등과 같은 위대한 예술가들을 존경하지만 이 말을 한다. 미로는 가끔 그걸 이해했다. 전후에는 아르실 고르키가 1944년 이후 그의 많은 작품에서 내가 염두에 두고 있는 것에 가장 가까웠다고 생각한다(그리고 나는 그가 그의 동시대인들 중에서 가장 위대한 예술가라고 종종 생각했다 – 폴록, 드 쿠닝 등). 한스 호프만과 헬렌 프랭켄탈러는 여기저기서 그에 가까워진다. (나는 여기서 추상에 대해 이야기하고 있으며, 추상적인 스타일의 구상에 대해 이야기하는 것이 아니다.)

IA: 과거의 위대한 마스터 작품에 대한 구체적인 예를 제시해 주실 수 있나요?
DG: 본질적으로 지오토. 르네상스와 바로크의 많은 거장들: 마사치오, 림부르크스, 티치아노, 조르조네, 보쉬, 벨라스케스, 엘 그레코 등등, 늦은 고야까지.

IA: 이 전시에서 전시된 작품에 대한 판단 단계에 도달하셨나요?
DG: 나는 종종 판단 단계에 있다. 내가 지금까지 해온 모든 작업에 대해, 심지어 그림을 시작하기 전부터 현재 순간까지. 내가 작업할 때 판단을 마음에서 지워버리고 자유롭게 진행한다고 느끼는 경우가 많다. (내 친구 화가가 한 번 말했듯이 "머릿속의 모든 목소리를 없애는 것"과 비슷하다.) 이러한 순간들은 매우 중요하다. 하지만 그것들이 정말로 판단에서 자유로운지는 잘 모르겠다.

특집 이미지: 아티스트 초상화, © IdeelArt
필립 Barcio