래리 푼스의 예술에 대해 더 이야기해 봅시다.

그의 첫 전시회가 1960년대 초 뉴욕의 그린 갤러리에서 열린 후, 래리 푸운스는 즉각적인 비평가의 사랑을 받게 되었다. 이 전시회에서는 그의 이제는 악명 높은 점 그림들이 전시되었는데, 이는 단색 배경 위에 점들이 수학적으로 배열된 작품들이다. 이 그림들은 잘 팔렸고 다른 예술가들에게도 사랑받았다. 그림의 평면성은 당시 미술 비평가 클레멘트 그린버그가 주장하던 추상화의 진화에 대한 미술사적 신화와 잘 어울렸다. 그는 이를 "포스트 페인터리 추상화"라고 불렀다. 그러나 푸운스는 부자가 되거나 미술사를 만들기 위해 이러한 그림을 그린 것이 아니다. 그는 그리기를 잘하지 못했기 때문에 그림을 그렸다. 나중에 푸운스는 줄이 그어진 그래프 용지 위에 형태를 만들기 위해 고군분투했던 고통을 회상하며, 그 형태를 그리는 것이었다. "나는 그것에 만족하지 않았다,"고 그는 설명했다. 친구가 단순화하라고 말한 후, 그는 "그렇다면 내가 이것을 더 단순하게 만들면, 나는 그냥 점을 그릴 것이다"라고 생각했다. 그렇게 점 그림이 태어났다. 그러나 푸운스는 점에 대해 흥미를 느끼지 않았다. 그의 자신감이 높아지자 그는 더 실험적이 되었고, 접근 방식을 급격히 변화시켰다. 그의 스타일 변화는 그린버그를 불쾌하게 했고, 구매자들을 멀어지게 했으며, 딜러들을 두렵게 만들었다. 그 이후로 푸운스는 대중의 사랑을 받았다가 잃었다가 했지만, 화가로서 실험을 멈춘 적은 없다. 한편, 다양한 비평가들은 그의 진화를 설명하기 위해 통합 이론을 제시하려고 했으며, 아마도 그의 작품을 후세나 시장을 위해 설명하는 데 도움이 되는 어떤 연결 고리를 제공하기 위해서일 것이다. 대부분 그들은 색상에 집중한다. 뉴욕 타임즈에 글을 쓴 로버타 스미스는 "푸운스 씨는 맥동하는 색상의 전반적인 영역에 강한 선호를 보였다, 비록 그가 이를 달성하는 방법은 엄청나게 다양했지만"이라고 말했다. 하이퍼알러지크에 글을 쓴 제이슨 앤드류는 푸운스가 "60년대 역사적인 점 그림 이후로 색상에 관한 것이었다"고 썼다. 그러나 이러한 비평가들은 확실성이 없는 곳에서 확실성을 찾고 있을지도 모른다. 푸운스에게는 연결 고리가 없다. 모든 그림은 그 자체로 하나의 그림이다. 요점은 그저 보고, 푸운스가 말했듯이 "결국, 그것은 그저 페인트일 뿐"이라는 것을 기억하는 것이다.

심플하게 페인트하세요

1960년대 초에 Poons가 만든 점화는 더 단순하게 그리려는 욕망에서 비롯되었을 수 있지만, 그가 예술가로서 나아갈 수 있게 해준 것은 단순히 그리는 용기를 찾았다는 점이다. 그는 격자를 버린 후, 다양한 흥미로운 기법을 발견했다. 그는 캔버스에 페인트 줄이 떨어지도록 하여 화려한 줄무늬의 영역을 만들어내는 일련의 그림을 만들었다. 그는 마크 메이킹을 중심에 두고 제스처적 구성을 만들었다. 수년 동안 그는 종이 조각과 로프 조각과 같은 재료를 그의 그림 표면에 부착하는 실험을 하여 두껍고 무겁고 질감이 있는 작품을 만들어 벽에서 튀어나오게 했다. 한편, 그의 최근 작품은 드로잉을 다시 전면에 내세우며, Poons는 미리 그의 구성에서 형태와 모양을 스케치한 다음 그것들을 칠하고 그 주위에서 즉흥적으로 작업한다.

래리 푼스 - 제목 없음 (음모: 증인으로서의 예술가에서), 1971. 실크스크린. 19 3/4 × 27 인치 (50.2 × 68.6 cm). 에디션 150. 알파 137 갤러리. © 래리 푼스

그의 방법에서 특히 주목할 만한 점은 포운스가 편집하는 데서 느끼는 즐거움이다. 그는 캔버스의 어떤 부분이 완성된 그림이 될지 모른 채로 늘어놓은 큰 캔버스 시트를 그리는 경향이 있다. 한동안 그는 바닥에 큰 캔버스를 놓고 자유롭게 그리는 방식으로 작업했다. 최근에는 스튜디오의 벽 주위에 원형 캔버스 시트를 걸고 한 번에 모두 그리기 시작했다. 바닥에서 작업하든 벽에서 작업하든, 아이디어는 동일하다—그는 즐거움을 느끼고 그림을 그리고 그림이 스스로 드러나기를 기다린다. 그림이 결국 더 큰 구성에서 튀어나오면, 포운스는 단순히 그것을 잘라낸다. 이러한 작업 방식은 가능성을 열어준다. 이는 포운스가 계획의 덫을 피하고 즐거움과 자유를 우선시할 수 있게 해준다.

래리 푼스 - 제목 없음, 1975. 색상 실크스크린. 35 x 25 인치 (88.9 x 63.5 cm). 에디션 100. 로버트 폰타인 갤러리. © 래리 푼스

성공적인 화가

2018년 선댄스 영화제에서 내선된 다큐멘터리 <모든 것의 가격>(감독: 네이선 카한)은 다시 한 번 대중에게 래리 푸운스를 소개했습니다. 이 영화는 경매 하우스의 관점에서 현대 미술 시장을 조사하며, 가격을 높이기 위한 그들의 끝없는 노력을 다룹니다. 영화에서 경매인들이 명확히 하는 점은 예술 작품의 품질이 시장 가치와 직접적으로 연결되어 있다는 것입니다. 스위스 경매인 겸 미술 수집가인 시몬 드 푸리는 "좋은 예술이 비쌀 필요가 매우 중요하다"고 말합니다. 영화에서 푸운스는 대조적인 인물로 등장하는데, 그는 오래 전에 자신의 그림이 팔리는 것에 대해 신경을 끊은 미술계의 베테랑입니다. 영화 개봉 후 <아트 신문>의 가브리엘라 안젤레티와의 인터뷰에서 푸운스는 "성공을 집세를 내기 위해 무언가를 팔 수 있는 것으로 정의한다면, 그것은 당신이 집세를 내는 데 성공했다는 것을 의미합니다. 그것이 당신의 예술이 좋거나 나쁘다는 것을 의미하지는 않습니다"라고 말했습니다.

래리 푼스 - 로버트 킨더 스피엘, 1975. 아크릴화. 254 x 191.8 cm (100 x 75.5 in). 크노들러 현대 미술, 뉴욕. 현재 소유자가 위에서 인수, 1975. © 래리 푼스

대신, 푼스는 화가의 성공을 "아침에 일어나서 그림을 그리고 싶다는 느낌을 느끼고 그림을 그리러 가는 것"과 같은 더 현실적인 용어로 설명합니다. 그러나 아이러니하게도, 예술 시장이 가장 높이 평가하는 푼스의 그림은 푼스라는 화가의 가장 무능력한 버전이 그린 그림이라는 점을 그는 간과하지 않습니다. 그에게는, 그 사랑받는 점 그림들이 자신감의 위기에 대한 단순한 해결책에 불과했습니다. 그것들은 아름다운 그림이지만, 만약 푼스가 그것들을 만드는 데서 개인적으로나 지적으로 어떤 것을 얻었다면 그는 계속해서 그것을 했을 것입니다. 그는 그것들이 지루하다고 느꼈고, 그래서 그는 다른 길로 나아갔습니다. 시장은 그것들이 지루하다고 느끼지 않았고, 그래서 그것에 집착했습니다. 푼스는 예술가가 사람들이 좋아하고 그것에 대해 기꺼이 지불할 뿐만 아니라 즐기지 않는 것에 얽매일 필요가 없다는 살아있는 증거입니다. 그는 성공적인 화가는 누군가가 그들에게 그림을 그리도록 지불하든 말든 개인적인 이유를 찾아 성공적으로 그림을 그리는 화가라고 우리에게 보여줍니다.

특집 이미지: 래리 푼스 - 트리스탄 다 쿤가, 1964. 리퀴텍스 캔버스. 183.1 x 366.2 cm (72 1/16 x 144 3/16 in.). 버턴 트레메인 부부의 기증. 내셔널 갤러리 오브 아트 컬렉션. © 래리 푼스
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해