므누친 갤러리는 당신이 메리 러블레이스 오닐에 대해 들어야 할 때라고 생각합니다.

뉴욕의 Mnuchin Gallery는 2020년 초에 Mary Lovelace O’Neal의 전체 경력을 추적하는 개인전인 Chasing Down the Image를 개최할 것이라고 최근 발표했습니다. 이는 O’Neal이 반세기 동안 만들어온 놀라운 작업을 지켜봐 온 팬들에게는 반가운 소식입니다. 그러나 같은 팬들은 갤러리가 전시회를 홍보하는 데 사용하는 언어에 당황할 수도 있습니다. 최근 artnet 뉴스와의 인터뷰에서 Mnuchin Gallery의 파트너인 Sukanya Rajaratnam은 이 전시회를 역사에 의해 간과된 예술가를 재발견할 기회로 표현했습니다. 1960년 Howard University의 미술학부에 처음 등록한 이후로 꾸준히 자신의 예술을 만들고 전시해 온 예술가에 대해 하는 이상한 발언처럼 보입니다. O’Neal은 1963년 Skowhegan Painting and Sculpture School에서 권위 있는 펠로우십을 받았고, 이후 뉴욕의 Columbia에서 MFA를 취득하며 독특한 시각적 목소리를 발전시켰습니다. 그녀는 1979년 37세의 나이에 샌프란시스코 현대미술관에서 개인전을 가졌습니다. 이후 그녀는 텍사스 대학교 오스틴 캠퍼스, 샌프란시스코 미술 연구소, 캘리포니아 대학교 버클리 등 미국의 가장 권위 있는 미술 프로그램에서 가르쳤으며, 그곳에서 최초의 흑인 여성 정교수가 되었습니다. 그동안 O'Neal은 거의 매년 자신의 작품을 광범위하게 전시했으며, 여러 개의 추가적인 개인 미술관 전시도 포함되어 있습니다. 그녀는 또한 약 반 다스의 국제 미술 비엔날레에서 미국을 대표했습니다. 저는 2009년 샌프란시스코에 살면서 처음으로 그녀의 작업을 알게 되었습니다. 그녀를 아직 모르고 있다는 이유로 꾸지람을 받았습니다—그녀는 많은 캘리포니아 사람들에게 전설적인 인물입니다. 그래서 Mnuchin이 O’Neal을 전시하는 것이 정말 멋지다고 생각하지만, 여기서 항상 존재해 온 예술가가 재발견된다는 것은 무엇을 의미할까요?

형상 추상의 대가

O’Neal은 그녀의 예술 창작에서 두 가지 주요 영향을 지적했습니다: 추상 표현주의와 미니멀리즘. 그녀는 Willem de Kooning과 Franz Kline과 같은 추상 표현주의자들이 불러일으키는 제스처적이고 질감이 풍부한 혼돈을 높이 평가하며, 그들의 방법이 인간 삶의 "무형" 측면을 표현할 수 있게 해준다고 언급합니다. 그녀는 또한 그녀의 작업에 대조적인 균형을 제공하는 미니멀리즘의 고요함을 존경합니다. 60년대 Skowhegan에 있을 때, O’Neal은 램프블랙이라는 매체와 처음 접하게 되었습니다. 이는 때때로 페인트 색소로 사용되는 탄소 잔여물의 일종입니다. 몇 년 후, 그녀는 원시 색소를 캔버스 표면에 직접 문질러 감정적인 신체적 제스처를 사용할 수 있다는 것을 깨달았습니다. 이는 추상 표현주의의 이상으로, 완전한 평면성을 창출하는 미니멀리즘의 이상과 연결됩니다. 그녀의 "램프블랙" 회화는 그녀에게 널리 알려지게 한 첫 번째 작품이었습니다.

메리 러블레이스 오닐 - 블랙 글리터 나이츠, 1970년대. © 메리 러블레이스 오닐. 뉴욕, 무누친 갤러리 제공.

그녀의 매체 특수성에 대한 숙련도와 동등한 것은 그녀의 구성 본능의 깊이이다. 완벽하게 배치된 제스처 마크와 색상은 램프블랙과 상호작용하여 유령 같은 형상적 인상이 추상적인 안개 속에 숨어 있는 꿈 같은 내면 세계를 불러일으킨다. 드문드문 배치된 선들은 “블랙 글리터 나이트”(1970년대)에서 무수한 인식의 영역을 만들어내고; 가벼움과 무게는 “라스트 레이 업”(1979)에서 서로 밀어붙이며; creeping fear는 “그녀는 파우더와 페인트로 얼룩말을 속일 수 있다고 생각했다”(2007)에서 개방성과 변덕에 스며든다. “보세요, 하늘이 당신을 들을 수 있도록”(2007)에서, 그녀의 가장 뛰어난 표현 중 하나인 느슨하게 정의될 수 있는 형상적 추상에서, 춤추는 형상들은 검은 어둠 속에서 터져 나오는 불타는 빨강의 충격 속에서 진동하는 것처럼 보인다. 이러한 그림들이 순수하게 형상적이지 않게 만드는 것은 그들이 지니고 있는 신비이다. 이 신비는 O’Neal 자신에게도 항상 필수적이었으며, 그녀는 "내가 만드는 것에 놀라지 않는다면, 아마도 나는 그것을 하지 않을 것이다"라고 말한다.

메리 러블레이스 오닐 - 시티 라이트, 1988. 오프셋 리소그래프 및 실크스크린; 시트 (불규칙): 28 1/8 × 32 1/8 인치. 세인트루이스 미술관, 텔마와 버트 올리 기념 컬렉션, 로널드와 모니크 올리의 기증. © 메리 러블레이스 오닐

재발견의 필요성

O’Neal이 자신의 경력 전반에 걸쳐 꾸준히 작업을 발전시켜 왔고, 전시를 중단한 적이 없다는 사실에도 불구하고, Rajaratnam이 O’Neal이 소외되었다고 주장하는 것은 두 가지 요점에 기반하고 있다. 첫째, O’Neal은 25년 동안 뉴욕에서 개인전을 열지 않았다. Rajaratnam은 artnet news에 "아마도 서부 해안에 살고, 종신 교수직을 가지고 있으며, UC Berkeley의 미술학과 의장이 된 것이 [O’Neal]을 더 큰 미술 세계로부터 격리시켰을 것이다"라고 말했다. 그러나 같은 25년 동안 O’Neal은 샌프란시스코, 오클랜드, 뉴올리언스, 미시시피주 잭슨, 칠레 산티아고에서 개인전을 가졌다. 그렇다면 "더 큰 미술 세계"란 무엇을 의미하는가? Rajaratnam이 말하는 것은 더 작은 미술 세계인 것 같다: 뉴욕 외의 어떤 도시도 지방적이라는 구시대적 태도를 수용하는 세계, 그리고 다른 도시에서 전시되는 것은 간과되는 것과 동등하다는 것이다.

메리 러블레이스 오닐 - 검은 표범과 흰 비둘기와 함께 달리기 (1980년대 중반/1990년대 초반). © 메리 러블레이스 오닐 제공, 뮤친 갤러리, 뉴욕

라자라트남이 오닐이 간과된 이유로 제시하는 두 번째 주장은 그녀가 투어 전시회 "소울 오브 어 네이션: 블랙 파워 시대의 예술"에 대한 대화에 포함되지 않았다는 것입니다. 이 전시는 시민권 시대의 많은 다른 흑인 미국 예술가들의 작업에 새로운 관심을 불러일으켰습니다. "이것은 수정해야 할 간과입니다," 라자라트남이 말합니다. 이 점은 타당성이 있을 수 있습니다. 그러나 그 전시는 하나의 큐레이터 팀의 비전일 뿐, 공식적인 역사는 아닙니다. 그리고 그 전시가 투어를 하는 동안, 오닐은 세인트루이스 미술관의 "텔마와 버트 올리 기념 컬렉션" 전시와, 워싱턴 D.C.의 여성 예술국립박물관에서 처음으로 선보인 흑인 여성 추상 예술가들의 작업을 중심으로 한 전시 "자기장: 미국 추상화의 확장, 1960년대부터 오늘까지"에 포함되었습니다. 이 전시는 미주리주 캔자스시티의 켐퍼 현대 미술관과 세인트피터즈버그 미술관으로 여행했습니다. 라자라트남은 그녀가 2019년에 볼티모어 미술관이 오닐의 그림 중 하나를 구입했을 때 처음으로 오닐을 알게 되었다고 인정합니다. 그러나 개인적으로 그 예술가에 대해 들어본 적이 없다고 해서 그 예술가가 간과되었다고 말하는 것은 수만 명의 팬들이 수십 년 동안 오닐을 알고 존경해 왔다는 사실을 무시하는 것입니다. 오늘날 활동하는 많은 예술가들이 있습니다. 그들의 작업 대부분은 대부분의 관객에게는 새로울 것입니다. 아무도 모든 사람을 알지 못합니다. 우리는 다른 사람들이 그들의 작업을 들어본 적이 없다고 가장하지 않고, 우리에게 새로운 오래된 예술가들의 업적을 기념할 방법을 찾을 수 있을까요?

특집 이미지: 메리 러블레이스 오닐 - 함멤, 1984. © 메리 러블레이스 오닐. 뉴욕, 무누친 갤러리 제공
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio