므누친 갤러리는 당신이 메리 러블레이스 오닐에 대해 들어야 할 때라고 생각합니다.
뉴욕의 Mnuchin 갤러리가 2020년 초에 Mary Lovelace O’Neal의 전 생애를 아우르는 개인전 《Chasing Down the Image》를 개최한다고 최근 발표했습니다. 반세기 동안 O’Neal이 만들어온 놀라운 작품들을 지켜봐 온 팬들에게는 반가운 소식입니다. 하지만 같은 팬들은 갤러리가 이번 전시를 홍보하는 데 사용하는 표현에 당혹스러울 수도 있습니다. artnet 뉴스와의 최근 인터뷰에서 Mnuchin 갤러리 파트너 Sukanya Rajaratnam은 이 전시를 역사에 의해 간과된 예술가를 재발견할 기회로 표현했습니다. 1960년 하워드 대학교 미술과에 처음 입학한 이래 꾸준히 작품을 만들고 전시해온 예술가에 대해 이런 말을 하는 것은 이상하게 들립니다. O’Neal은 1963년 스코우헤건 회화 및 조각 학교에서 권위 있는 펠로우십을 받았고, 이후 뉴욕의 콜롬비아 대학교에서 미술 석사 학위를 취득하며 독특한 시각적 목소리를 발전시켰습니다. 그 결과 1979년 37세의 나이에 샌프란시스코 현대미술관에서 개인전을 열게 되었습니다. 이후 텍사스 대학교 오스틴, 샌프란시스코 예술 대학, 캘리포니아 대학교 버클리 등 미국 내 가장 권위 있는 미술 교육 기관에서 가르쳤으며, 버클리에서는 최초의 흑인 여성 종신 교수로 임명되었습니다. O’Neal은 거의 매년 광범위하게 작품을 전시했으며, 여러 차례 추가 개인전도 개최했습니다. 또한 미국을 대표해 약 여섯 차례의 국제 미술 비엔날레에 참여했습니다. 저는 2009년 샌프란시스코에 살면서 그녀의 작품을 처음 알게 되었는데, 그녀를 모른다는 이유로 꾸중을 들었을 정도로 캘리포니아 주민들에게는 전설적인 인물입니다. 그래서 Mnuchin 갤러리가 O’Neal을 전시하는 것은 분명 훌륭한 일이지만, 이미 여기 있었던 예술가를 재발견한다는 것은 무엇을 의미할까요?
구상 추상화의 대가
O’Neal은 자신의 예술에 두 가지 주요 영향을 꼽습니다: 추상 표현주의와 미니멀리즘입니다. 그녀는 Willem de Kooning과 Franz Kline 같은 추상 표현주의자들이 불러일으키는 몸짓과 질감의 소란스러움을 높이 평가하며, 그들의 기법이 인간 삶의 “무형” 측면을 표현할 수 있게 한다고 말합니다. 또한 그녀는 미니멀리즘의 고요함을 존중하는데, 이는 그녀의 작품에 대조적인 균형을 제공합니다. 1960년대 스코우헤건에서 O’Neal은 램프블랙이라는 매체를 처음 접했는데, 이는 때때로 안료로 사용되는 탄소 잔류물의 일종입니다. 수년 후, 그녀는 원료 안료를 캔버스 표면에 직접 문지름으로써 추상 표현주의의 이상인 감정적인 신체적 몸짓성을 사용해 미니멀리즘의 이상인 완전한 평면성을 창조할 수 있음을 깨달았습니다. 그녀의 “램프블랙” 회화는 그녀에게 대중의 넓은 관심을 처음으로 가져다주었습니다.
Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, 1970년대. © Mary Lovelace O’Neal. 뉴욕 Mnuchin 갤러리 제공
매체 특유의 숙련도에 필적하는 것은 그녀의 구성 본능의 깊이입니다. 완벽하게 배치된 몸짓의 흔적과 색채가 램프블랙과 어우러져 추상적인 안개 속에 유령 같은 구상 인상을 감추는 꿈같은 내면 세계를 불러일으킵니다. “Black Glitter Nights”(1970년대)에서는 드문드문 놓인 선들이 무수한 인식 영역을 만들어내고, “Last Lay up”(1979)에서는 가벼움과 무거움이 서로 밀고 당기며, “She thought she could fool the zebra with powder and paint”(2007)에서는 서서히 다가오는 두려움이 개방성과 변덕스러움에 스며듭니다. “See, so heaven can hear you”(2007)에서는 구상 추상화라고 느슨하게 표현할 수 있는 그녀의 가장 뛰어난 작품 중 하나로, 춤추는 인물들이 검은 어둠에서 터져 나오는 불타는 붉은 빛 속에서 진동하는 듯 보입니다. 이들 작품이 순수한 구상화가 되지 않는 이유는 그들이 간직한 신비함 때문입니다. 이 신비함은 O’Neal 자신에게도 항상 필수적이었으며, 그녀는 “내가 만든 것에 놀라지 못한다면 아마 만들지 않을 것”이라고 말합니다.
Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. 오프셋 석판화와 실크스크린; 종이(불규칙): 28 1/8 × 32 1/8 인치. 세인트루이스 미술관, Thelma and Bert Ollie 기념 소장품, Ronald와 Monique Ollie 기증. © Mary Lovelace O’Neal
재발견의 이유
O’Neal이 평생 꾸준히 작품을 발전시켜왔고 전시도 멈추지 않았음에도 불구하고, Rajaratnam이 O’Neal이 간과되었다고 주장하는 근거는 두 가지입니다. 첫째, O’Neal은 뉴욕에서 25년 동안 개인전을 열지 않았다는 점입니다. Rajaratnam은 artnet 뉴스에 “서부 해안에 거주하며 종신 교수였고, 결국 UC 버클리 미술과장이 된 점이 [O’Neal]을 더 큰 미술계로부터 격리시켰을지도 모른다”고 말했습니다. 그러나 같은 25년 동안 O’Neal은 샌프란시스코, 오클랜드, 뉴올리언스, 미시시피 잭슨, 칠레 산티아고 등지에서 개인전을 열었습니다. 그렇다면 ‘더 큰 미술계’란 무엇을 의미할까요? 제 생각에는 Rajaratnam이 말하는 것은 더 작은 미술계, 즉 뉴욕 외의 도시를 지방적이라고 여기는 구시대적 태도를 가진 미술계를 뜻하는 것 같습니다. 그에 따르면 다른 도시에서 전시하는 것은 간과된 것과 같다는 의미입니다.
Mary Lovelace O’Neal - Running with Black Panthers and White Doves (1980년대 중반~1990년대 초). © Mary Lovelace O’Neal 뉴욕 Mnuchin 갤러리 제공
Rajaratnam이 O’Neal이 간과되었다고 주장하는 두 번째 이유는, 그녀가 《Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power》 순회 전시의 대화에 포함되지 않았다는 점입니다. 이 전시는 시민권 시대의 많은 흑인 미국 예술가들의 작품에 새롭게 주목을 불러일으켰습니다. Rajaratnam은 “이것은 바로잡아야 할 간과”라고 말합니다. 이 점은 일리가 있을 수 있습니다. 하지만 그 전시는 한 큐레이터 팀의 시각일 뿐 공식적인 역사는 아닙니다. 그 전시가 순회하는 동안에도 O’Neal은 세인트루이스 미술관의 Thelma and Bert Ollie 기념 소장품 전시와 워싱턴 D.C. 국립 여성 미술관에서 시작해 미주리 캔자스시티의 Kemper 현대미술관과 세인트피터즈버그 미술관으로 이어진 《Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today》 전시 등 주목할 만한 전시에 포함되었습니다. Rajaratnam은 2019년 볼티모어 미술관이 그녀의 작품을 구입하면서 처음으로 O’Neal을 알게 되었다고 인정합니다. 그러나 예술가가 간과되었다고 말하는 것은 단지 당신 개인이 그를 몰랐다는 이유만으로 수만 명의 팬들이 수십 년간 O’Neal을 알고 존경해온 사실을 무시하는 것입니다. 오늘날 활동하는 예술가가 많고 대부분의 작품은 대다수 관람객에게 새로울 것입니다. 아무도 모든 사람을 알 수는 없습니다. 우리에게 새롭게 다가오는 나이 든 예술가들의 업적을 축하하면서도 그들의 작품을 아무도 모른다고 가장하지 않는 방법을 찾을 수 있을까요?
대표 이미지: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. 뉴욕 Mnuchin 갤러리 제공
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 작성
