오를라 킬리의 패턴 속 삶

지난 한두 달 동안 런던을 방문하셨다면 패션 및 섬유 박물관(FTM)의 상징적인 외관이 새롭게 단장한 것을 눈치채셨을 것입니다. 이 재디자인은 아일랜드 출신의 패션 및 섬유 디자이너 오를라 킬리의 작품입니다. FTM은 유명한 멕시코 건축가 리카르도 레고레타 빌치스가 설계했으며, 그가 완공한 유일한 유럽 프로젝트입니다. 이 건물의 독특한 외관은 브루트 모더니즘과 푸에블로 건축 스타일을 혼합하는 그의 재능을 상징합니다. 특히 생동감 넘치는 분홍색, 노란색, 파란색, 그리고 타버린 오렌지색 색상 조합 덕분에 이 건물은 더욱 돋보입니다. 중간 경력 회고전인 오를라 킬리: 패턴 속의 삶을 맞아 킬리는 그 유명한 외관의 일부를 그녀의 가장 유명한 패턴인 “스템”으로 덮었습니다. 이 패턴은 하늘을 향해 뻗어 있는 팽팽한 콩나물 정글을 연상시키며, 둥글고 무지개 색의 잎을 가지고 있습니다. “스 stem”은 구조물에 추가적인 흥미를 제공합니다. 그러나 박물관 내부에서 진정한 에너지의 불꽃이 존재합니다. 이 전시는 킬리가 지난 20년 동안 해온 다양한 작업을 탐구합니다. 그러나 물체들이 전시되는 방식은 단순히 디자인 전시처럼 읽히지 않습니다. 때때로 추상 미술 설치처럼 느껴지기도 합니다. 패턴과 물체가 공간 및 빛과 상호작용하는 방식은 기묘하고 때로는 불경스러운 느낌을 만들어냅니다. 그 감각은 더 큰 질문을 위한 완벽한 출발점을 제공합니다: “현대 미술과 디자인 사이의 장벽은 무엇이며, 그 장벽을 잊어버릴 때가 되었나요?”

우리가 하는 일의 이유

누군가를 예술가라고 부를지 디자이너라고 부를지 논의할 때, 불가피하게 등장하는 개념은 의도입니다: 이 사람이 하는 일의 이유는 무엇인가요? 전통적인 사고 방식에 따르면, 예술가는 디자이너보다 더 고상한 이유를 가지고 일을 해야 한다고 여겨집니다. 이 주장은 기본적으로 "디자이너는 목적이 있는 제품을 만들지만, 예술은 목적이 없거나, 만약 있다면, 오직 지식이 있는 사람과 세련된 사람만 이해할 수 있는 고상한 목적이다"라고 말합니다. 오를라 킬리는 이 가정이 잘못되었다는 예시입니다. 예를 들어, 그녀의 이름과 매우 유사한 다른 사람의 작업을 고려해 보세요: 추상 화가 엘스워스 켈리. 켈리는 그의 경력 전반에 걸쳐 식물 형태에서 영감을 받았습니다. 그의 가장 기억에 남는 작품 중 많은 것은 잎사귀와 꽃잎의 단순화된 파생물에 불과합니다. 디자이너로 여겨지지만 예술가는 아닌 킬리 또한 자연에서 영감을 받아 잎사귀, 꽃잎, 줄기의 생물학적 형태를 참조합니다. 엘스워스 켈리는 패턴에 관심이 없었습니다. 그는 개별 형태와 형상에 더 관심이 있었습니다. 그러나 킬리는 시각적 도구로서 패턴을 자주 사용합니다. 그럼에도 불구하고 켈리와 킬리의 작품은 모두 관람객의 기분과 태도에 영향을 미칠 수 있습니다.

오를라 킬리 - 머그 아카이브 2007-2018. © 오를라 킬리

그렇다면 Kiely와 Kelly가 비슷한 시각적 현상을 창조하고 동일한 감정적 힘을 지니고 있음에도 불구하고 왜 본질적으로 다르게 여겨지는 것일까요? 디자이너들이 대중 시장을 위해 작업을 만들기 때문일까요? 디자인이 장식이나 장식물로 더 많이 여겨지거나 유용한 것으로 여겨지기 때문일까요? 예술도 대중 시장을 위해 만들어질 수 없을까요? 예술이 장식이나 인테리어로 기능할 수 없을까요? 가장 저명한 미술가들조차 소비재를 만듭니다. 그들은 부유한 수집가나 기관에만 저렴할 수 있지만, 그럼에도 불구하고 상품입니다. 이 전시회가 보여주는 것은 시각적 경험 뒤에 있는 의도가 인간의 인식에 영향을 미치는 능력과는 아무런 관계가 없다는 것입니다. 색상은 색상이고, 형태는 형태이며, 질감은 질감이고, 선은 선입니다. 우리의 뇌는 이러한 요소들이 발생한 방법이나 만들어진 이유와는 독립적으로 미적 요소를 인식하고 반응할 수 있습니다.

오를라 킬리 - 2017 가을/겨울 캠페인. © 오를라 킬리

우리의 진화하는 현대 환경

오를라 킬리: 패턴 속의 삶 전시회의 큐레이터들은 이 전시회를 "21세기 환경의 변화하는 모습에 관심이 있는 모든 이들에게 꼭 봐야 할 전시"라고 부릅니다. 그 발언에는 약간의 과장이 있지만, 그 안에는 또한 깊은 의미가 있습니다. 우리의 세계의 모습은 변하고 있으며, 우리가 사는 곳, 우리의 경제적 상황, 그리고 우리의 문화가 전쟁 중인지 평화로운지에 따라 극적으로 다른 방식으로 변화하고 있습니다. 아름다움과 질서에 둘러싸이는 것은 더 이상 권리가 아니라 특권이 되어가고 있습니다. 이 변화에서 디자이너와 예술가의 역할은 진화하고 있습니다. 킬리는 유명인들에 의해 받아들여진 디자이너이지만, 그녀의 작품은 매우 저렴한 아이템을 포함하고 있으며, 일상적인 물품의 다양한 범위로 확장됩니다. 그녀와 그녀의 동료들이 사회적, 문화적 경계를 넘어서는 더 많은 방법을 찾을 수 있다면, 아름다움과 질서는 더 보편화될 수 있습니다.

오를라 킬리 - 2016 봄/여름 패브릭. © 오를라 킬리

많은 이들에게 "21세기 환경의 변화하는 모습"은 우리가 바라는 모습이 아닙니다. 우리가 바꿀 수 있는 미묘한 것 중 하나는 예술이 일상 생활의 일부가 될 수 없다는 자만심입니다. 만약 한 그림이 관람자의 마음에 변화를 주는 감정적 경험을 창출할 수 있다면, 커튼 세트, 이불, 또는 커피 머그의 시각적 경험이 왜 비슷한 인식의 문을 열지 못할까요? 장식, 장식품, 디자인을 예술과 분리된 것이 아니라 예술의 필수적인 부분으로 간주하는 단순한 행위를 통해, 우리는 배경이나 세련됨의 수준에 관계없이 누구에게나 아름다움과 질서를 확장할 수 있습니다. 이는 인위적인 문화적 분리로 가치를 정의하는 미술 학교, 학자, 비평가 및 기관들에게 긍정적인 일이 아닐 수 있지만, 인류 문화 전체에는 긍정적인 일이 될 것입니다. 이 전시회 하나가 이 아이디어를 이해하는 데 필수적이지는 않지만, 대화에 대한 웅변적인 추가가 됩니다. 오를라 킬리: 패턴 속의 삶는 2018년 9월 23일까지 런던의 패션 및 섬유 박물관에서 전시됩니다.

특집 이미지: 오를라 킬리 - 2017 봄/여름, 뉴욕 패션 위크. © 오를라 킬리

필립 Barcio