로버트 마더웰의 기념비적인 회화 접근법

시간이 지남에 따라 어떤 단어는 같은 의미를 유지하지 않습니다. 기념비적이라는 단어가 그 중 하나입니다. 그 가치—적어도 회화와 관련하여—현재 로버트 마더웰의 기념비적 회화 전시인 Sheer Presence에서 시험대에 올려지고 있습니다. 이 전시는 뉴욕 27번가 509번지에 위치한 카스민 갤러리의 새로운 플래그십 위치에서 열리고 있습니다. 이 전시는 1960년대 중반부터 1990년, 마더웰이 사망하기 전 해까지의 드물게 전시된 마더웰의 회화 8점을 포함하고 있으며, 그 중 몇 점은 마더웰이 1981년에 "현대 미술의 원칙에 대한 대중의 이해와 감사를 지원하기 위해" 설립한 데달루스 재단에서 대여한 것입니다. 이 8점의 각 회화는 오랜 팬들이 고려할 새로운 무언가를 제공합니다. 그 이유는 이들 중 어느 것도 마더웰의 가장 상징적이고, 따라서 가장 자주 전시되는 회화와는 명백한 미적 유사성을 지니고 있지 않기 때문입니다. 그 회화들은 그의 Elegies 시리즈처럼 흐릿한 배경 위에 크고 검은 감정적인 제스처 형태로 경향이 있습니다. 여기에서는 대신 색채 실험과 구성적 절제가 보입니다. 그러나 질문이 제기됩니다: 기념비적이라는 것은 무엇을 의미합니까? Frieze Magazine을 위해 이 전시에 대해 글을 쓴 매튜 홀먼은 마더웰이 한때 "빛 다음으로 최고의 선물은 규모다"라고 말한 것을 인용합니다. 그렇다면 이 경우 기념비적이라는 것이 바로 그것이라고 믿어야 할까요? 이 전시에서 전시된 각 작품은 "모나리자"와 비교할 때 확실히 대형입니다. "모나리자"는 겨우 76 x 53 cm이고, 살바도르 달리의 "기억의 지속"은 미세한 22 x 33 cm입니다. 이 전시에서 가장 작은 회화 중 하나인 "Open No. 97: The Spanish House"(1969)는 비교적 엄청난 235 x 289 cm로, 거의 100개의 달리를 담을 수 있습니다. 그러나 나는 단순히 과거의 회화보다 어떤 정도로 더 크기만 하면 기념비적이라고 불릴 수 있는 것 이상이 있어야 한다고 생각하지 않을 수 없습니다. 물리적 규모는 예술 작품의 가장 게으른 측정 기준입니다. 이 마더웰 회화의 진정한 기념비적 특성을 발견하기 위해서는 더 깊이 들여다봐야 합니다.

기억할 것

기념비적이라는 추가적인 가능한 정의는 기억과 관련이 있습니다. 기념물은 종종 과거의 사건을 기념합니다. 그리고 이 전시에서 볼 수 있는 그림들에서 마더웰이 기념을 수용한 몇 가지 방법이 분명히 있습니다. 가장 명백한 것은 "더블린 1916, 블랙 앤 탄과 함께"(1964)입니다. 이 그림은 검은색과 황토색의 수직 막대와 함께 빨간색, 흰색, 파란색의 면을 특징으로 합니다. 파란색 면의 중앙에는 숫자 4, 위를 향한 화살표, 그리고 총을 든 머리 없는 사람 사이의 무언가를 닮은 황토색 형태가 있습니다. 이 작품의 전체적인 효과는 깃발을 닮았다는 것입니다. 제목은 1916년 아일랜드가 영국에 맞서 일으킨 부활절 봉기를 언급하며, 이 사건은 윌리엄 버틀러 예이츠에 의해 시 "부활절 1916"에서 기념되었습니다. 저에게 이 그림의 기념비적인 측면은 캔버스의 크기에서가 아니라 그 내용이 제공하는 엄숙하고 추상적인 기념물에서 발견됩니다.

로버트 마더웰 - 웨스턴 에어, 1946-47. 유채와 모래로 캔버스에 그린 작품. 6' x 54" (182.9 x 137.2 cm). 구매 (교환으로). 모마 컬렉션.

기념의 개념은 "대종교재판관"(1989-90)에서도 드러나며, 이는 관람객을 전시회에 대담하게 초대합니다. 이 전시에서 가장 감정적이고 복잡한 그림인 이 작품은 마더웰이 사망하기 전에 완성한 마지막 그림 중 하나입니다. 이 작품은 1983년의 동명 그림을 따서 명명된 그의 마지막 시리즈인 "텅 빈 남자들"에 속하며, 여섯 개의 구형 투명 형태가 황토색 들판을 가로질러 행진하는 모습을 보여줍니다. 이들은 노란색과 검은색의 수평 필드에 둘러싸여 있습니다. "대종교재판관"에서, 텅 빈 형태는 더 실질적이며, 이번에는 빨간색, 노란색, 검은색의 주변 색상 띠가 더 불길합니다. 마더웰은 이것을 어떤 역사적 사건에 대한 기념비로 의도하지 않았습니다. 오히려, 이는 그의 창작 과정의 진화를 기념하는 기념비로, 마침내 그에게 내면에서 개인적인 무언가를 놓아주고 전달할 수 있는 능력을 부여했습니다. 마더웰은 이 시리즈에 대해 "나는 평생의 작업을 종합할 방법을 더듬고 있다... 내 작업은 항상 일정한 미적 거리감이나 여유를 가지고 있었고, 이제 그것이 부드러워지기 시작하고 있다고 생각한다... 나는 내 내면의 자아에 더 가까워진 부분과 그것에서 벗어난 부분을 볼 수 있다."고 말했습니다.

로버트 마더웰 - 스페인 공화국에 대한 애가, 108, 1965-67. 유화, 캔버스. 6' 10" x 11' 6 1/4" (208.2 x 351.1 cm). 찰스 머젠타임 기금. 모마 컬렉션.

축하할 일

기념비적이라는 또 다른 정의는 축하와 관련이 있을 수 있습니다. 이 전시회의 다른 많은 작품들은 1967년 Motherwell이 시작한 시리즈에 속하며, 그의 "Open" 회화로 언급됩니다. 이 작품들은 종종 한 세계와 다른 세계 사이의 개방으로서의 창이라는 우화적 상징에서 출발한다고 논의됩니다. 실제로 창문, 문 또는 심지어 전체 집을 연상시키는 추상화된 건축적 선들로 특징지어지는 이 시리즈의 회화는 Matisse의 "View of Notre Dame"(1914)와 같은 과거의 작품들과 비교되기도 합니다. 이 작품은 프랑스 대성당이 공간에서 평면화되어 그림의 벽에 창문처럼 보이도록 배치된 간결하고 선형적인 구성입니다. 따라서 이 회화들은 미술사에서 화가들의 주요 업적을 축하하는 방식 때문에 기념비적이라고 불릴 수 있습니다.

로버트 마더웰 - 오픈 넘버 24, 오렌지의 변주, 1968. 합성 폴리머 페인트와 목탄으로 캔버스에 그린 작품. 6' 9" x 9' 7 1/8" (205.6 x 292.3 cm). 작가의 기증. 모마 컬렉션.

그러나 "Open" 시리즈에는 또 다른 축하할 만한 무언가가 있습니다. 그것은 "open"이라는 단어의 다른 해석에서 흐르는 것입니다. 그가 이 그림들에서 사용한 단순화된 시각 언어는 불과 몇 년 전 그를 그의 세대에서 가장 유명한 화가 중 한 명으로 만든 추상 표현주의 구성에서 완전히 벗어난 것입니다. 그것들은 문자 그대로 자신의 방법을 변형하려는 아이디어에 대한 그의 개방성을 나타냅니다. 그들의 미니멀한 고요함은 Motherwell이 그의 팬들, 친구들, 그리고 딜러들이 그에게 기대했을 모든 것에 정면으로 반하는 것입니다. 그들은 그의 가장 큰 그림은 아니지만, 실험의 축하로서, 이 전시에서 가장 "기념비적인" 그림으로 저의 선택이 됩니다. Sheer Presence: Monumental Paintings by Robert Motherwell는 2019년 5월 18일까지 뉴욕의 Kasmin Gallery에서 전시됩니다.

특집 이미지: 로버트 마더웰- 오픈 스터디 #8A (블루와 블랙 라인), 1968. 합성 폴리머 페인트로 종이에 그린 작품. 22 1/8 x 30 1/2" (56.2 x 77.5 cm). 주디스 로스차일드 재단 현대 드로잉 컬렉션 기증. 모마 컬렉션. © 2019, 데달루스 재단, Inc./VAGA, NY에 의해 라이센스.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해