로버트 마더웰의 기념비적인 회화 접근법

어떤 단어들은 시간이 지나면서 같은 의미를 유지하지 않습니다. '기념비적'이라는 단어가 그중 하나입니다. 적어도 회화와 관련해서는 그 가치가 현재 뉴욕 27번가 서쪽 509번지에 위치한 카스민 갤러리의 새 대표 전시장에 전시 중인 로버트 마더웰의 《순수한 존재: 기념비적 회화》에서 시험받고 있습니다. 이 전시는 1960년대 중반부터 1990년, 마더웰이 세상을 떠나기 전 해까지의 드물게 전시된 여덟 점의 마더웰 작품으로 구성되어 있으며, 그중 몇 점은 1981년 마더웰이 설립한 ‘현대 미술의 원칙에 대한 대중의 이해와 감상을 지원하기 위한’ 데달루스 재단에서 대여한 것입니다. 이 여덟 작품 각각은 오랜 팬들에게 새로운 생각거리를 제공합니다. 그 이유는 이 작품들이 가장 상징적이고 가장 자주 전시되는 마더웰의 작품들과 뚜렷한 미적 유사성을 지니지 않기 때문입니다. 그의 《엘레지》 시리즈처럼 크고 검은색의 감정적이며 제스처적인 형태가 차분한 배경 위에 나타나는 경향이 있는 반면, 여기서는 색채 실험과 구도의 절제가 보입니다. 그렇다면 ‘기념비적’이라는 말은 무엇을 의미하는지 묻지 않을 수 없습니다. 《프리즈 매거진》에 전시를 소개하며 매튜 홀먼은 마더웰이 한때 “빛 다음으로 최고의 선물은 규모다”라고 말한 것을 인용합니다. 그렇다면 이 경우 ‘기념비적’이란 바로 그것을 의미하는 걸까요? 이 전시에 전시된 작품들은 확실히 크기가 큽니다. 예를 들어, 76 x 53cm에 불과한 ‘모나리자’나 22 x 33cm에 불과한 살바도르 달리의 ‘기억의 지속’과 비교하면 그렇습니다. 이 전시에서 가장 작은 작품 중 하나인 ‘오픈 97: 스페인 집’(1969)은 235 x 289cm로, 거의 100점의 달리를 담을 수 있을 정도로 큽니다. 하지만 저는 단순히 과거 작품보다 크다는 이유만으로 작품이 기념비적이라고 부를 수는 없다고 생각합니다. 물리적 크기는 작품을 평가하는 가장 게으른 척도입니다. 이 마더웰 작품들의 진정한 기념비적 의미를 발견하려면 더 깊이 살펴봐야 합니다.

기억할 만한 것

기념비적이라는 또 다른 가능한 정의는 기억과 관련이 있습니다. 기념비는 종종 과거의 사건을 기념합니다. 이 전시에 전시된 마더웰의 작품들에서 기념의 의미를 담은 몇 가지 방법이 분명히 드러납니다. 가장 명백한 예는 ‘더블린 1916, 블랙 앤 탄과 함께’(1964)입니다. 이 작품은 검은색과 황토색의 세로 막대와 빨강, 흰색, 파랑의 영역으로 구성되어 있습니다. 파란 영역 중앙에는 숫자 4, 위를 향한 화살표, 머리 없는 총을 든 사람 사이를 닮은 황토색 형태가 있습니다. 전체적으로 이 작품은 깃발을 연상시킵니다. 제목은 1916년 아일랜드인들이 영국에 맞서 일으킨 부활절 봉기를 가리키며, 윌리엄 버틀러 예이츠가 시 《부활절 1916》에서 기념한 사건입니다. 제게 이 작품의 기념비적 측면은 캔버스 크기보다는 그 내용이 제공하는 엄숙하고 추상적인 추모에 있습니다.

로버트 마더웰 - Western Air, 1946-47. 캔버스에 유화와 모래. 6피트 x 54인치 (182.9 x 137.2 cm). 교환 구매. MoMA 소장.

기념의 개념은 ‘대종교재판관’(1989-90)에서도 나타납니다. 이 작품은 전시회 입구에서 관람객을 대담하게 맞이합니다. 전시 중 가장 감정적이고 복잡한 이 작품은 마더웰이 세상을 떠나기 전 완성한 마지막 작품 중 하나입니다. 1983년 동명의 작품에서 이름을 딴 마지막 시리즈 《허울 남자들》에 속하며, 이 시리즈는 황토색 바탕 위를 가로지르는 여섯 개의 둥글고 반투명한 형태를 노란색과 검은색의 가로 띠가 감싸는 구성을 보여줍니다. ‘대종교재판관’에서는 허울 형태가 더 실체감 있고, 이번에는 빨강, 노랑, 검정의 색 띠가 더 불길한 느낌을 줍니다. 마더웰은 이 작품을 어떤 역사적 사건에 대한 추모로 의도하지 않았으며, 오히려 자신의 창작 과정의 진화를 기념하는 기념비로서, 마침내 내면에서 개인적인 무언가를 전달할 수 있는 능력을 갖추게 된 것을 나타냅니다. 마더웰은 이 시리즈에 대해 “평생의 작업을 종합하는 방법을 더듬고 있다... 내 작업은 항상 어느 정도 미적 거리감이나 절제가 있었는데, 이제는 점점 부드러워지고 있다... 내면에 더 가까워진 부분과 멀어진 부분을 볼 수 있다”고 말한 바 있습니다.

로버트 마더웰 - Elegy to the Spanish Republic, 108, 1965-67. 캔버스에 유화. 6피트 10인치 x 11피트 6 1/4인치 (208.2 x 351.1 cm). 찰스 머젠타임 기금. MoMA 소장.

기념할 만한 것

기념비적이라는 또 다른 정의는 축하와 관련이 있을 수 있습니다. 이 전시의 다른 많은 작품은 1967년에 마더웰이 시작한 ‘오픈’ 시리즈에 속합니다. 이 작품들은 종종 한 세계와 다른 세계 사이의 틈으로서 창문의 상징에서 출발한 것으로 논의됩니다. 창문, 문, 심지어 집 전체를 연상시키는 추상화된 건축적 선들이 특징인 이 시리즈의 작품들은 과거의 작품, 예를 들어 마티스의 ‘노트르담 성당 전망’(1914)과 비교되기도 합니다. 이 작품은 프랑스 대성당을 공간에서 평면화하고 그림 벽의 창문처럼 보이도록 배치한 간결하고 선적인 구성을 보여줍니다. 따라서 이 작품들은 미술사에서 화가들이 이룬 주요 성취를 축하하는 방식 때문에 기념비적이라고 할 수 있습니다.

로버트 마더웰 - Open Number 24 in Variations of Orange, 1968. 캔버스에 합성 고분자 물감과 목탄. 6피트 9인치 x 9피트 7 1/8인치 (205.6 x 292.3 cm). 작가 기증. MoMA 소장.

하지만 ‘오픈’ 시리즈에는 ‘열림’이라는 단어의 또 다른 해석에서 비롯된 축하의 의미도 있습니다. 이 작품들에서 사용된 단순화된 시각 언어는 몇 년 전만 해도 그를 동시대에서 가장 유명한 화가 중 하나로 만든 추상 표현주의 구성과 완전히 다릅니다. 이 작품들은 자신의 방식을 변화시키려는 그의 열린 태도를 문자 그대로 나타냅니다. 그들의 최소한의 고요함은 팬, 친구, 딜러들이 기대했을 마더웰의 모든 것과 정면으로 배치됩니다. 이 작품들은 그의 가장 큰 그림은 아니지만, 실험을 축하하는 작품으로서 이 전시에서 가장 ‘기념비적’인 작품으로 제가 꼽는 이유입니다. 순수한 존재: 로버트 마더웰의 기념비적 회화는 2019년 5월 18일까지 뉴욕 카스민 갤러리에서 전시됩니다.

대표 이미지: 로버트 마더웰 - Open Study #8A (파란색과 검은 선), 1968. 종이에 합성 고분자 물감. 22 1/8 x 30 1/2인치 (56.2 x 77.5 cm). 주디스 로스차일드 재단 현대 드로잉 컬렉션 기증. MoMA 소장. © 2019, 데달루스 재단/ VAGA, 뉴욕 라이선스.
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글쓴이 Phillip Barcio