왜 재키 윈저는 기이하게 추상적인가

재키 윈저의 작업은 현대 추상에 대한 학문적 이론에 완벽하게 훌륭한 대조를 제공합니다. 현재 추상 미술에 대한 대부분의 대화를 이끄는 논쟁은 순수 추상—소위 현실 세계와 전혀 관련이 없는 예술—과 어떤 형상에서 파생되거나 추상화된 추상 사이의 차이에 불가피하게 집중됩니다. 윈저는 50년 이상 이 논쟁의 어느 한쪽에 이론적으로 들어맞을 수 있는 작품을 만들어 왔습니다. 예를 들어, "청크 피스"(1970)의 기이한 존재는 현실에 존재하는 것과는 전혀 다른 형태임에도 불구하고 현실 세계에서 추상화된 것으로 간주될 수 있습니다. 한편, "핑크 앤 블루 피스"(1985), 즉 거울로 된 큐브는 단순한 기하학적 형태가 공간에 놓여 있는 것이기 때문에 순수 형식주의적 추상으로 불릴 수 있습니다. 그러나 이 두 작품은 또한 수많은 다른 방식으로 설명될 수 있습니다. 형식주의적 큐브는 현실 세계의 수많은 다른 객체를 닮고 있기 때문에 형상적일 수 있으며, 추상화된 로그는 전혀 추상적이지 않을 수도 있습니다—그것은 자신의 특성을 표현하기 위해 존재하는 구체적이고 자기 지시적인 객체일 수 있습니다. 윈저가 만드는 조각들은 매우 기이하고 개인적이어서 추상 논쟁을 완전히 풀어냅니다. 그들은 대화의 외부에 존재하여 그것을 무의미하게 만듭니다. 그러나 그들은 본능적인 수준에서 매우 설득력이 있으며—본질적인 무언가를 극도로 선언적으로 드러내지만 우리의 지성을 초월하는—나는 그들이 추상에 대한 우리의 이해에 필수적이라고 생각하지 않을 수 없습니다. 그녀의 세대의 두 다른 비전가인 리차드 세라와 에바 헤세처럼 윈저는 추상 미술이 상상할 수 없을 만큼 난해하면서도 부인할 수 없이 인간적일 수 있다는 약속을 대표합니다.

완강하게 존재하다

1979년, 37세의 나이에 윈저는 뉴욕 현대 미술관에서 개인전을 열었다. 이 전시회에는 24점의 작품이 전시되었다. 전시 카탈로그 에세이에서 윈저는 "오늘날 가장 뛰어난 젊은 조각가 중 한 명"으로 묘사되었다. 그러나 이 에세이는 큐레이터들이 윈저의 작업이 그렇게 중요하다고 생각한 이유에 대해 많은 명확성을 제공하지 않는다. 모든 과장을 피하면서, 단순히 작품에 대해 "그 물체성 또는 엘렌 Johnson이 릴케를 인용하여 말한 '고집스러운 존재'"라고 지적한다. MoMA 전시회의 작품들은 세심하고 긴 노력을 전달하는 보편적인 특성을 공유했다: 그것들은 작업의 증거였다. "바운드 스퀘어"(1972)는 단순한 나무 프레임처럼 보이지만, 모서리 주위에 감겨 있는 수 마일의 끈은 윈저가 이 작품을 체계적으로 묶기 위해 수많은 시간을 앉아 있었음을 숨기고 있다. "포 코너스"(1972)는 바닥에 네 개의 둥근 형태를 단순하게 배열한 것이지만, 공을 형태로 만들기 위해 얼마나 많은 시간이 들어갔을까? 마찬가지로, "네일 피스"(1970)의 나무 상단에 박힌 수많은 못들은 광적인 특성을 암시하며, 자가 지칭적인 제목의 "30 대 1 바운드 트리"(1971-72)는 자연과 관련하여 모든 인간 작업의 가치를 질문하는 것처럼 보인다.

재키 윈저 - 바운드 스퀘어, 1972. 나무와 끈. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). 조셉 G. 메이어 재단, 제임스 스롤 소비와 그레이스 M. 메이어 기금의 명예를 기리며, 알프레드 H. 바르 주니어를 기리며. 모마 컬렉션. © 2019 재키 윈저

"Bound Square", "Four Corners", "Nail Piece", "30 to 1 Bound Trees"와 같은 조각을 처음 접했을 때의 첫 반응은 형태의 추상적 단순함을 감탄하는 것일 수 있다. 아마도 두 번째로는 재료의 원초적 물리성—나무, 대마, 금속—에 대한 본능적인 매력을 느낄 수 있다. 그러나 조각을 만드는 데 들어간 노력을 상상하는 과정에서 우리의 인간적 연결이 그 형태와 재료에 도달하는 정점에 이른다. 그때 우리는 단순한 기하학적 형태가 단순히 그들의 형식적 추상적 특성 때문에 선택된 것이 아니라, 반복적이고 단조로운 작업에 가장 잘 맞기 때문이라는 것을 깨닫게 된다. 나무와 대마, 망치와 못을 손에 쥐고 시간마다 느끼는 감정을 상상하는 것은 조각을 우리의 육체적 인간성과 연결시킨다. 이 작품들은 우리가 그것들을 설명하거나, 검증하거나, 의미를 부여할 수 있는 능력에도 불구하고 고집스럽게 존재한다; 그들은 또한 고집스럽게 지적 영역을 차지하며, 그 존재로 모든 노력의 본질적으로 아름답지만 혼란스러운 본성을 기념한다.

재키 윈저 - 타버린 조각, 1977-78. 시멘트, 타버린 나무, 그리고 철망. 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 cm). 아그네스 건드의 기증. 모마 컬렉션. © 2019 재키 윈저

라벨의 종말

윈저에게 자주 붙여지는 더 의심스러운 라벨 중 하나는 "프로세스 아트"입니다. 이는 최종 객체가 중요하지 않은 미적 현상을 설명하는 방법으로, 창작 과정이 가장 중요하다는 것을 의미합니다. 사람들이 윈저에 대해 혼란스러워하는 것은 그녀의 창작물에 과정이 매우 중요하다는 점입니다. 실제로 그녀가 만드는 어떤 것도 그녀가 종종 완전히 새로운 과정을 발명하지 않고는 만들어질 수 없습니다. 이러한 과정은 아마도 특정 조각의 창작에만 국한된 새로운 방법과 기술을 포함합니다. 그녀의 과정이 얼마나 중요한지에도 불구하고, 최종 객체는 여전히 중요합니다. 그렇습니다, 그것은 과정의 결과이며, 과정의 검증이기도 하지만, 또한 과정의 존재 이유이기도 합니다. 윈저가 실제 공간과 시간에 존재하는 객체에 대해 가진 비전이 없었다면, 그 과정은 존재할 이유가 없었을 것입니다.

재키 윈저 - 라미네이티드 합판, 1973. 합판. 7 1/2 x 48 x 48" (19.1 x 121.9 x 121.9 cm). J. 프레드릭 바이어스 3세를 기리기 위해 길먼 재단의 기증. 모마 컬렉션. © 2019 재키 윈저

윈저에게 자주 부여되는 또 다른 레이블은 포스트 미니멀리즘입니다. 이 레이블 또한 그녀의 작업과는 거의 관련이 없습니다. 포스트 미니멀리즘 예술은 미니멀리즘을 출발점이나 참조점으로 사용하지만, 그 모든 개념적 신념을 수용하지는 않습니다. 윈저는 이 혼란스러운 설명과 모든 다른 반쪽짜리 레이블에서 벗어나 있습니다. 마르셀 뒤샹처럼, 그녀는 한 여성 예술 운동입니다. 그녀는 존재감을 가지고, 질감을 포함하고, 공간을 차지하며, 작업의 결과로서 무엇을 의미하는지를 자신 있게 말하는 조각을 창조합니다. 그녀는 어떤 바위나 나무, 생명체와 마찬가지로 여기에 존재할 권리가 있다고 선언하는 예술을 만듭니다. 그녀의 조각은 이론에 의해 검증되거나 학문적으로 설명될 필요 없이 그들의 주체성을 주장할 수 있습니다. 그들은 우리가 분류하거나 이해해야 할 필요에서 벗어나게 합니다. 그녀의 작업을 감상하기 위해 우리가 해야 할 일은 단순히 그것이 부인할 수 없는 것, 즉 구체적이고, 추상적이며, 난해하고, 기이하고, 인간적이라는 사실을 감상하는 것입니다.

특집 이미지: 재키 윈저 - 청크 피스, 1970. 헴프. 36 x 38 인치. (91.4 x 96.5 cm). 파울라 쿠퍼 갤러리. © 재키 윈저
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해