패턴 및 장식 운동의 주요 인물

패턴과 장식 운동은 현대 미술사에서 특별한 위치를 차지합니다. 1960년대 여성주의 미술 운동에서 비롯된 패턴과 장식은 구상과 추상의 “제3의 방법”으로 자신을 선언했습니다. 이 운동의 주도자들은 장식 미술을 만드는 본능이 문명 초기부터 모든 인간 문화의 필수적인 측면임을 인식했습니다. 그러나 그들은 가부장적 서구 문명이 어딘가에서 장식 미술을 덜 중요하고 덜 진지한 것으로 격하하는 입장을 취했다는 사실도 깨달았습니다. 패턴과 장식 운동의 창립자들은 그 가정을 단호히 거부하며, 장식 작업에 대한 형식주의적 접근이 다른 어떤 미학적 입장만큼이나 관련 있고 의미 있으며 역사적으로 중요하다고 선언했습니다. 패턴과 장식 운동의 전반적인 철학은 1978년 운동의 두 창립자—발레리 조던과 조이스 코즐로프—가 그들의 장대한 선언문 《예술의 히스테리적 진보와 문화 개념》에서 명확히 밝혔습니다. 선언문의 첫 문단은 “우리 자신이 여성주의자이자 화가로서 장식을 탐구하면서, 현대 미술계에서 ‘장식적’이라는 단어가 경멸적으로 사용되는 것에 대해 호기심을 가졌습니다. 현대 미술의 기본 텍스트를 다시 읽으면서, 장식에 대한 편견이 오랜 역사를 가지고 있으며 위계질서에 기반한다는 것을 깨달았습니다: 순수 미술이 장식 미술 위에, 서구 미술이 비서구 미술 위에, 남성 미술이 여성 미술 위에 있다는 위계입니다. 이러한 위계에 집중하면서 우리는 서구 문명의 미술이 도덕적으로 우월하다는 불안한 신념 체계를 발견했습니다.” 이에 운동의 주도자들은 낡고 쓸모없는 위계질서를 역사 속 재로 보내기로 결심했습니다. 그들의 작업 유산은 강렬한 아름다움과 지적 경이로움으로 가득합니다. 사실 지금에서야 관객들은 이 중요한 운동의 힘과 오늘날에도 현대 미술 분야를 더욱 공정하고 개방적이며 완전하게 만드는 역할을 진정으로 받아들이고 있습니다.

운동의 다섯 지도자

1960년대 초반부터 미리암 샤피로는 당시 지배적이던 미학적 경향을 버리고 여성으로서의 정체성에 크게 기반한 독특하고 개인적인 시각적 목소리를 발견하는 데 몰두했습니다. 그녀의 초기 여성주의적 작품은 “신단”으로, 여성성, 영성, 그리고 격자라는 구획화된 모더니즘 언어 사이의 신성한 다리 역할을 했습니다. 그녀는 이후 기념비적인 “부채” 시리즈와 전형적인 여성 상징을 대담하고 빛나는 이미지로 표현한 단단하고 기하학적인 추상 작품들을 제작했습니다. 1973년 샤피로는 가장 중요한 여성주의 미술 작품 중 하나인 “우먼하우스”에 참여했습니다. 또한 그녀는 콜라주와 조립 같은 순수 미술 기법과 바느질 같은 공예 기법을 독특하게 결합한 방법을 가리키는 “페마주”라는 용어를 만들기도 했습니다.

미리암 샤피로 - 도머, 1979년. 아크릴, 직물, 종이 캔버스 위. 178.5 x 102 cm. 루드비히 국제미술관 아헨. 사진: 칼 브룬 / 루드비히 국제미술관 아헨 © 미리암 샤피로 유산 / 빌드레히트 빈, 2019.

조이스 코즐로프는 1970년대 초 멕시코에 거주하고 모로코와 터키를 방문한 후 장식 미술의 역사적 경시 현상에 대한 깨달음을 얻었습니다. 이 지역들의 고대 미학 전통이 일상생활 속에서 여전히 살아 숨 쉬고 번성하는 모습을 보고 영감을 받아, 그녀는 여러 방면에서 이 주제에 대한 자신의 생각을 추구했습니다. 그녀는 전통적으로 장식 공예에 할당된 방법과 재료를 사용한 대형 회화와 다매체 설치 작품을 만들기 시작했고, 여성주의 사회 운동에 참여하며 《헤레시스: 예술과 정치에 관한 여성주의 출판물》을 발행한 헤레시스 집단에 합류했으며, 앞서 언급한 패턴과 장식 선언문을 공동 집필했습니다. 운동 창립 이후 수십 년 동안 코즐로프는 공공 미술 분야에서 더욱 활발히 활동하며, 지도 제작과 문화적 의미 모두에 기반한 독특한 미학적 목소리를 발전시켰습니다.

조이스 코즐로프 - 내가 식물학자라면 지중해. 9패널 작품 중 3패널. 아크릴, 보존용 디지털 잉크젯 인쇄, 콜라주 캔버스 위. 54″ x 360″. © 조이스 코즐로프

패턴과 장식 선언문을 공동 집필한 것 외에도, 발레리 조던은 운동에서 가장 자신감 있는 미학적 목소리 중 하나로 자리매김했습니다. 그녀의 독특한 스타일은 서예적 표식과 중동 장식 양식을 연상시키는 무늬와 디자인을 결합합니다. 회화와 종이 작품 외에도 조던은 인레이 바닥, 천장 벽화, 대규모 공원 설치물 등 10여 개가 넘는 대형 공공 프로젝트를 수행했습니다. 그중 가장 큰 프로젝트는 미주리주 세인트루이스 연방 법원 부지에 설치된 기념비적 “필리핀 정원(2004)”으로, 시멘트 길입니다. 이 작품의 구성은 친숙하면서도 이국적인 느낌을 동시에 주며, 그 뿌리가 아름답게 불분명하여 자연과 건축 환경에 매끄럽게 어우러집니다.

발레리 조던 - 해티스버그, 1979년. 캔버스에 유화. 223.5 x 335.5 cm. 루드비히 국제미술관 아헨. 사진: 칼 브룬 / 루드비히 국제미술관 아헨. © 빌드레히트 빈, 2019.

1960년대 후반부터 수잔 미초드는 모더니즘 추상과 다양한 고대 토착 전통의 미학적 경향 사이 중간 지점에 위치한 미학적 입장을 발전시켰습니다. 그녀의 작품은 이 두 관점을 아우르며, 옵아트의 최면적 경이로움과 선콜럼비아 중앙아메리카 미술의 엄숙한 기하학적 무늬를 떠올리게 합니다. 미초드는 패턴과 장식 운동에 예술가로서 기여했을 뿐 아니라, 시카고의 여성 예술가들을 위한 영향력 있는 전시 공간인 아르테미시아 갤러리의 공동 창립자이기도 하며, 주디 시카고, 미리암 샤피로, 조이스 코즐로프, 낸시 스페로 등 많은 저명한 예술가들이 이곳에서 초기 작품을 선보였습니다.

수잔 미초드 - 아즈테카 수의, 2003년. 종이에 아크릴. 40 x 30 인치. © 수잔 미초드

미리암 샤피로와 함께, 로버트 쿠슈너는 초기 패턴과 장식 전시회를 조직하는 데 도움을 주었습니다. 쿠슈너는 광고 일러스트레이션 분야에서 미술계에 들어왔으며, 1961년 프란츠 클라인의 작품 전시를 본 후 이 분야를 떠났습니다. 그러나 자신만의 독특한 목소리를 개발하기까지는 몇 년이 걸렸습니다. 추상 표현주의, 미니멀리즘, 컬러 필드 회화 등 다양한 스타일을 실험한 후, 그는 1972년에 당시 유행하던 경향을 버리고 캔버스에 스텐실로 “모양”을 “전체적으로” 적용하는 개인적 스타일 도약을 했습니다. 1970년대 내내 이러한 패턴 스텐실 회화는 더 많은 꽃 이미지를 포함하도록 발전하여, 장식의 형식주의적 찬양과 대칭 정원의 구상적 표현 사이 중간 지대를 포용했습니다.

로버트 쿠슈너 - 분홍 잎, 1979년. 아크릴, 다양한 직물. 205 x 330.5 cm. 루드비히 미술관 – 부다페스트 현대미술관 소장, 피터와 아이린 루드비히 기증. 사진: 루드비히 미술관 – 부다페스트 현대미술관. © 로버트 쿠슈너

대표 이미지: 수잔 미초드 - 제목 없음, 1977년. 종이에 수채화. 30 인치 x 22.5 인치 (76.2 cm x 57.15 cm). 뉴욕 롱아일랜드시티 로갤러리 소장. © 수잔 미초드
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio