패턴 및 장식 운동의 주요 인물

패턴과 장식 운동은 현대 미술 역사에서 특별한 위치를 차지하고 있습니다. 1960년대 페미니스트 미술 운동에서 출발한 패턴과 장식은 구상과 추상 사이의 일종의 "제3의 방법"으로 자신을 선언했습니다. 이 운동의 지도자들은 장식 미술을 만드는 본능이 문명 시작 이래 모든 인간 문화의 필수적인 측면이라는 것을 인식했습니다. 그러나 그들은 또한 가부장적 서구 문명이 어딘가에서 장식 미술이 다른 이른바 미술보다 덜 중요하고 덜 진지해야 한다는 입장을 채택했다는 것을 깨달았습니다. 패턴과 장식 운동의 창립자들은 그 가정을 단호히 거부하며, 장식 작업에 대한 그들의 형식주의적 접근이 다른 미적 입장만큼이나 관련 있고 의미 있으며 역사적으로 중요하다고 선언했습니다. 패턴과 장식 운동의 포괄적인 철학은 1978년 이 운동의 두 창립자인 발레리 조돈(Valerie Jaudon)과 조이스 코즐로프(Joyce Kozloff)가 그들의 멋지게 과장된 선언문인 예술의 히스테리적 진보와 문화의 개념에서 명확히 밝혔습니다. 그 서문은 다음과 같이 말합니다. "우리는 자신의 그림에서 장식을 탐구하는 페미니스트이자 예술가로서 현대 미술 세계에서 '장식적'이라는 단어의 경멸적인 사용에 대해 호기심을 가졌습니다. 현대 미술의 기본 텍스트를 다시 읽으면서 우리는 장식에 대한 편견이 오랜 역사를 가지고 있으며, 위계에 기반하고 있다는 것을 깨달았습니다: 미술은 장식 미술 위에, 서구 미술은 비서구 미술 위에, 남성의 미술은 여성의 미술 위에 있습니다. 이러한 위계에 집중함으로써 우리는 서구 문명의 예술의 도덕적 우월성에 기반한 불안한 신념 체계를 발견했습니다." 따라서 이 운동의 지도자들은 이러한 구식이고 쓸모없는 위계를 역사 속의 재로 보내기로 결심했습니다. 그들의 작업의 유산은 본능적인 아름다움과 지적 경이로움의 것입니다. 사실, 이제야 관객들은 이 중요한 운동의 힘과 오늘날 현대 미술 분야를 더 공정하고, 더 열린 마음을 가지며, 더 완전하게 만드는 데 계속해서 하는 역할을 진정으로 흡수하고 있습니다.

운동의 다섯 리더

1960년대 초, 미리엄 샤피로는 당시의 지배적인 미학 경향을 포기하고 여성으로서의 정체성을 바탕으로 한 독특하고 개인적인 시각적 목소리를 발견하는 데 집중하고 있었습니다. 그녀의 첫 번째 프로-페미니스트 작품은 "신전들"로, 이는 여성성, 영성, 그리고 구획화된 모더니스트 언어인 그리드 사이의 성스러운 다리 역할을 했습니다. 그녀는 이후 그녀의 기념비적인 "팬들"을 포함하여 여러 독특한 페미니스트 작품을 창작하였고, 전형적인 여성 상징의 대담하고 빛나는 이미지를 제시하는 경계가 뚜렷한 기하학적 추상 작품 시리즈도 만들었습니다. 1973년, 샤피로는 역사상 가장 중요한 페미니스트 예술 작품 중 하나인 "여성의 집"에 참여했습니다. 그녀는 또한 나중에 콜라주와 조합 같은 미술 기법과 바느질 같은 공예 기법을 혼합하는 독특한 방법을 위해 "펨마주"라는 용어를 만들었습니다.

미리암 샤피로 - 도르머, 1979. 아크릴, 섬유, 종이 캔버스 위. 178.5 x 102 cm. 루트비히 포럼 국제 미술 아헨. 사진: 칼 브룬 / 루트비히 포럼 국제 미술 아헨 © 미리암 샤피로 재단 / 비드레흐트 비엔나, 2019.

조이스 코즐로프는 1970년대 초 멕시코에 살고 모로코와 터키를 방문한 후 장식 예술의 역사적 축소에 대한 깨달음을 얻었습니다. 이곳의 고대 미적 전통이 여전히 살아있고 일상생활에서 번창하는 모습에 영감을 받아, 그녀는 이 주제에 대한 자신의 아이디어를 여러 가지 방법으로 추구하기 시작했습니다. 그녀는 장식 공예에 전통적으로 할당된 방법과 재료를 사용하여 대규모 회화와 다중 매체 설치 작업을 만들기 시작했으며, 페미니스트 사회 행동에 참여하고 예술과 정치에 관한 페미니스트 출판물인 HERESIES 저널을 발행한 헤레시스 집단에 합류했습니다. 또한 그녀는 앞서 언급한 패턴과 장식 선언서를 공동 집필했습니다. 운동을 창립한 이후 수십 년 동안, 코즐로프는 공공 미술 분야에서 더 활발해졌으며, 지도 작성이라는 아이디어를 바탕으로 독특한 미적 목소리를 발전시켰습니다. 이는 지리적 의미와 문화적 의미 모두를 포함합니다.

조이스 코즐로프 - 식물학자라면 지중해. 9패널 작품 중 3패널. 아크릴, 아카이벌 디지털 잉크젯 프린팅, 그리고 캔버스 위의 콜라주. 54″ x 360″. © 조이스 코즐로프

패턴과 장식 선언서를 공동 집필한 것 외에도, 발레리 조돈은 이 운동의 가장 자신감 있는 미적 목소리 중 하나로 자리 잡았다. 그녀의 독특한 스타일은 중동 장식 스타일을 연상시키는 패턴과 디자인에 서예적 표식을 혼합한다. 그녀의 회화와 종이 작업 외에도, 조돈은 인레이 바닥, 천장 벽화, 대규모 공원 설치물 등 10개 이상의 대형 공공 프로젝트를 수행했다. 이 프로젝트 중 가장 큰 것은 2004년의 기념비적인 "필리핀 정원"으로, 미주리주 세인트루이스에 있는 연방 법원 건물의 부지에 있는 시멘트 길이다. 그 구성은 친숙하면서도 이국적인 느낌을 주는 그녀의 작품 세계의 전형적인 예로, 뿌리가 아름답게 불분명하며 자연 및 건축 환경에 매끄럽게 녹아든다.

발레리 조돈 - 해티스버그, 1979. 캔버스에 유화. 223.5 x 335.5 cm. 루드비히 포럼 국제 미술 아헨. 사진: 칼 브룬 / 루드비히 포럼 국제 미술 아헨. © 비드레흐트 비엔나, 2019.

1960년대 후반에 수잔 미코드는 현대주의 추상과 다양한 고대 토착 전통의 미적 경향 사이의 중간 지점에서 미적 입장을 개발하기 시작했습니다. 그녀의 작업은 이 두 가지 협력적 관점 사이의 경계를 넘나들며, 옵 아트의 최면적인 경이로움과 프리콜럼비아 중앙 아메리카의 예술 형식에 고유한 음침한 기하학적 패턴을 모두 떠올리게 합니다. 미코드는 예술가로서 패턴 및 장식 운동에 기여한 것 외에도, 시카고의 아르테미시아 갤러리의 공동 창립자로서 여성 예술가들을 위한 영향력 있는 전시 공간을 만들었으며, 그곳에서 주디 시카고, 미리암 샤피로, 조이스 코즐로프, 낸시 스페로 등 많은 저명한 예술가들이 초기 작품을 전시했습니다.

수잔 미코드 - 아즈텍 수의, 2003. 아크릴 종이에. 40 x 30 인치. © 수잔 미코드

미리암 샤피로와 함께, 로버트 쿠시너는 가장 초기의 패턴 및 장식 전시회를 조직하는 데 도움을 주었습니다. 쿠시너는 광고 일러스트레이션 세계에서 예술 분야로 넘어왔으며, 1961년 프란츠 클라인의 작품 전시회를 보고 나서 그 분야를 떠났습니다. 그러나 그는 자신의 독특한 목소리를 개발할 자신감을 얻기까지 몇 년이 걸렸습니다. 추상 표현주의, 미니멀리즘, 컬러 필드 페인팅 등 다양한 스타일을 실험한 후, 그는 1972년에 개인적인 스타일의 도약을 위해 지배적인 경향을 버리고 캔버스에 스텐실로 된 "모양"을 "올오버" 패턴으로 적용했습니다. 1970년대 내내 이러한 패턴 스텐실 회화는 더 많은 꽃 이미지를 포함하도록 발전하여 장식의 형식적 축하와 대칭 정원의 구상적 표현 사이의 중간 지점을 포용했습니다.

로버트 쿠시너 - 핑크 리프스, 1979. 아크릴, 다양한 섬유. 205 x 330.5 cm. 제공: 루드비히 미술관 – 현대 미술관, 부다페스트, 페터와 이레네 루드비히 기증 / 페터와 이레네 루드비히의 기부. 사진: 루드비히 미술관 – 현대 미술관, 부다페스트. © 로버트 쿠시너

특집 이미지: 수잔 미코드 - 제목 없음, 1977. 종이에 수채화. 30 인치 x 22.5 인치 (76.2 cm x 57.15 cm). 롱아일랜드 시티, NY의 로갤러리. © 수잔 미코드
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해