영원한 선봉—라틴 아메리카의 6명의 특별한 여성 추상 예술가들
저는 종종 아방가르드를 실패의 관점에서 이야기하곤 하는데, 이는 아방가르드를 과거에 뿌리를 둔 주제로 여기며, 한때 예술가들이 썼거나 만들었거나 시도했던 실험적인 이야기들로 가득 찬 옛 이야기로 보는 뜻입니다. 오늘은 아방가르드를 역사에 기반한 것이 아니라 끊임없이 새롭고 정의되지 않은 것으로 재정의한다고 믿는 여섯 명의 라틴 아메리카 여성 추상 미술가들에게 주목하고자 합니다. 리지아 클라크, 게고, 카르멘 에레라, 질리아 산체스, 메르세데스 파르도, 그리고 노에미 에스칸델은 각기 그들의 시대 미학의 선구자로 칭송받은 적이 있습니다. 그러나 그들은 모두 시간이 지나며 묻히는 것을 거부합니다. 그들의 사상이 각 세대를 넘어서는 의미를 지니기 때문입니다. 그들의 작품은 오늘날에도 여전히 신선하고 호기심을 자아냅니다. 이는 단지 작품 자체 때문만이 아니라, 그들이 예술가이자 교사로서 작업에 접근한 방식 때문이라고 제안합니다. 대부분의 아방가르드 예술가는 자신만의 독특한 선구자적 위치를 만들어내며, 이는 글로 설명하거나 강화되고, 독특한 시각 언어로 보여지며, 결국 하나의 운동으로 정립됩니다. (앤디 워홀과 팝 아트, 피카소와 입체파, 몬드리안과 신조형주의 예를 생각합니다.) 오늘 제가 이야기하는 여섯 명의 라틴 아메리카 여성 추상 미술가는 이러한 운명을 벗어납니다. 그들의 미학적 표현 전략은 시간(문화적 순간)이나 이론에 고정되어 있지 않기 때문입니다. 특정한 사상을 전면에 내세우는 대신, 그들의 작업은 아마도 결코 이해되거나 말해질 수 없는 것, 즉 미지의 세계를 탐구합니다. 그들의 유동적이고 정의할 수 없는 작품들은 관람자가 빛을 비춘 것보다 어둠을 들여다보도록 격려합니다.
리지아 클라크 (1920 - 1988, 브라질)
리지아 클라크는 자신을 “제안자”라고 불렀습니다. 그녀는 자신의 예술을 역사와 단절된 것으로 인식하며, 대신 끊임없이 변하는 현재 순간에 붙들려 있다고 보았습니다. 그녀의 작품은 관람자가 개인적으로 상호작용하며 부여하는 의미나 목적 외에는 미리 정해진 의미나 목적이 없습니다. 그녀는 예술사를 벗어나 영원한 선구자적 위치를 확보했는데, “그 대상은 더 이상 어떤 개념을 표현하기 위해 존재하는 것이 아니라, 관람자가 자신의 내면에 더 깊이 도달할 수 있도록 존재한다”고 말했을 때였습니다.
게고 (1912 - 1994, 독일/베네수엘라)
독일에서 태어나 교육받은 게르트루데 골드슈미트, 즉 게고는 제2차 세계대전이 시작된 1939년에 베네수엘라 카라카스로 피신했습니다. 남미에서 그녀는 예술가로서 자신의 운명을 발견했습니다. 그녀는 회화, 드로잉, 조각도 했지만, 가장 잘 알려진 것은 점과 선의 네트워크가 상상의 평면으로 응집된 기하학적 우주를 이루는 거미줄 같은 설치 작품입니다. 많은 평론가들은 그녀의 작품이 선에 관한 것이라고 하지만, 제게는 누적된 행위를 계속 표현하려는 탐구에 가깝습니다. 그녀 작품 속 수많은 점과 선은 공간과 시간으로 투영되어 관람자를 끝없이 미지로 끌어들입니다.
카르멘 에레라 (1915년생, 쿠바)
카르멘 에레라는 89세에 첫 그림을 팔았습니다. 100세에는 뉴욕 휘트니 미국 미술관에서 첫 회고전을 열었습니다. 많은 평론가, 큐레이터, 딜러들이 그녀를 미니멀리즘, 기하학적 추상, 구체미술 등 여러 미술사적 운동으로 분류하려 했습니다. 그러나 에레라가 그런 꼬리표를 거부하고 초월할 수 있었던 것은 전적으로 개인적 비전에 헌신했기 때문입니다. 그녀는 피카소 책을 집에 두지 않겠다고 농담했는데, 피카소를 보면 따라 하고 싶어지기 때문이라고 했습니다. 그녀의 유일한 목표는 단순화에 대한 자신의 욕망, 즉 “필수적이지 않은 것을 제거하는 과정”을 따르는 것입니다. 그녀 작품의 긴장은 종종 우리가 있는 것이 아니라 없는 것과 마주하는 공간을 엿보는 데서 옵니다.
론도 (파랑과 노랑), 1965년 캔버스에 아크릴, 카르멘 에레라, 미국, 쿠바 하바나 출생, 1915년. 출처: https://flic.kr/p/5vyjn2
질리아 산체스 (1926년생, 쿠바)
쿠바 출생인 질리아 산체스는 1970년대부터 푸에르토리코에서 거주하며 작업해왔습니다. 그녀의 형태가 변형된 캔버스는 벽에서 불룩 튀어나와, 물체나 힘이 뒤에서 뚫고 나오려는 듯한 인상을 줍니다. 이 시적인 표현은 신비를 전면에 내세우며, 현재 순간에 보이고 중요해 보이는 것이 동시에 우리 눈앞에서 변화하고 있다는 느낌을 암시합니다. 이 작품은 영원한 선구자의 상징적 표현으로, 모든 것이 끊임없이 새롭게 나타나는 것에 의해 재구성되고 있음을 주장합니다.
메르세데스 파르도 (1921 - 2005, 베네수엘라)
많은 예술가들이 자신의 작업을 탐구라고 말하지만, 메르세데스 파르도는 탐구가 아니라 관람자와의 개인적 만남을 만들어내는 것으로 자신을 구별했습니다. 그녀는 수십 년간 기하학적이고 생명체를 닮은 추상 회화 작업으로 알려졌지만, 의상 디자인, 책 삽화, 콜라주, 대형 공공 미술 등 다양한 매체에서도 작업했습니다. 파르도는 예술과의 개인적 만남을 소비 문화의 반대 혹은 해독제로 여겼습니다. 그녀는 패턴의 강요를 피하고, 정제된 물질과 독특한 관람자 경험에 중심을 두었습니다.
노에미 에스칸델 (1942 - 2019, 아르헨티나)
학생들과 다른 예술가들에게 사랑받고 정치 권위주의자들에게 두려움을 산 노에미 에스칸델은 정치적 행위와 예술적 행위가 동일하다고 강하게 믿었습니다. 그녀는 1960년대에 시작한 추상적이고 공간적인 조각과 드로잉으로 알려져 있으며, 이는 미니멀리즘과 시각적으로 연관됩니다. 그러나 에스칸델은 자유라는 중심 사상을 표현하기 위해 경력 동안 놀라운 다양한 시각 전략을 받아들였습니다. 그녀의 가장 강력한 발명품 중 하나는 “손에서 손으로”라 불리는 작품으로, 전시회에서 관람자들 사이에 돌려져야 벽에 걸 수 있는 작품입니다. 그녀의 작업은 미지의 아름다움에 기반하며, 사람과 예술 사이에 반드시 존재해야 하는 친밀한 연결을 찬양하여 둘 다 온전한 잠재력에 도달할 수 있게 합니다.
대표 이미지: 리지아 클라크 - 비초 리니어, 1960년. 알루미늄. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 인치 (86 x 66 x 36 cm). 베르가민 & 고미데, 상파울루
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필립 Barcio
