'(재)발견하는 비비안 스프링포드의 얼룩 그림'
뉴욕의 알민 레쉬 갤러리는 최근 비비안 스프링포드의 두 번째 주요 개인전을 열었습니다. 이 작가는 1990년대 후반부터 천천히 재평가되기 시작했는데, 그때 그녀의 노년기에 거의 버려진 첼시 작업실—수십 년간 쌓인 먼지로 덮인 그림들이 가득한—이 그녀의 돌보미에 의해 발견되었습니다. 발견 당시 스프링포드는 사실상 무명에 가까웠으며, 10년 넘게 그림을 그리지 않았습니다(1980년대 중반 황반변성으로 시력을 잃은 후 그림을 그만두었습니다). 15년 넘게 작품을 전시하지도 않았습니다. 그러나 1960년대 초반에는 그녀 세대에서 가장 유명한 예술가들 중 한 명으로 자리매김할 준비가 되어 있었습니다. 명성이 쌓이던 중, 스프링포드는 자신에게 주목을 받게 한 추상 표현주의에서 영감을 받은 제스처 스타일을 버리고, 대신 물감이 스며드는 색면화 기법을 채택했습니다. 동시에 거의 작품 판매와 전시를 중단했으며, 수십 년에 걸쳐 몇 차례의 전시를 제외하고는 거의 공개하지 않았습니다. 그녀는 경력의 마지막 20년을 투명한 색채의 동심원 형태로 특징지어지는 독특하고 즉각 알아볼 수 있는 추상 시각 언어를 개발하는 데 바쳤습니다. 2003년 그녀가 세상을 떠났을 때, 놀랍지만 거의 알려지지 않은 작품 세계를 남겼을 뿐만 아니라, 왜 재능 있고 인맥이 좋은 예술가가 갑자기 자신을 사랑했던 미술 시장을 떠났는지에 대한 흥미로운 미스터리를 남겼습니다. 알민 레쉬에서 열리는 이번 전시는 이 작가의 작품을 다시 조명하려는 최신 시도입니다. 전시된 거의 20점의 작품은 스프링포드가 마땅히 받아야 할 거장으로서의 명성을 더욱 확고히 하며, 이 예술가가 왜 중심 무대가 아닌 은둔을 선택했는지에 대한 단서도 제공합니다.
형태와 무(無)
스프링포드가 생애 마지막 20년 동안 그린 동심원 얼룩 그림들은, 제게는, 형태와 무(無) 사이의 상호작용에서 근본적으로 이전 작품들과 다릅니다. 그녀의 초기 작품들은 불투명하고 어두운, 형태가 불분명한 색채 영역을 빠르게 중국 서예의 붓질 전통에 따라 그렸습니다. 이 어두운 제스처 영역들은 감정으로 가득 차 있고 원초적인 존재감을 지니며, 구성을 지배하고 관람자에게 명확한 초점을 제공합니다. 이 그림들에서 특정 형태가 알아보기 어려워도, 어두운 물감 덩어리는 명확한 존재감을 만들어냅니다. 반면, 후기의 원형 얼룩 그림들에서는 스프링포드가 투명성과 빛남을 받아들여 어떤 특정 요소도 구성을 지배하지 못하게 합니다.
비비안 스프링포드 - 제목 없음, 1972년. 캔버스에 아크릴. 124.5 x 124.5 cm (49 x 49 인치).
후기 작품에서 모든 물감 층, 모든 색상, 그림의 모든 구역에 동등한 가치를 부여한 선택은 저에게 단순한 미적 진화뿐 아니라 스프링포드가 사고방식에서도 변화를 겪었음을 시사합니다. 표면, 색, 빛 사이의 상호작용에 관람자를 참여시키며, 이 그림들은 그 생성 과정을 우리에게 초대합니다. 이들은 구조와 감정보다 자유로움과 느슨함에 관한 그림입니다. 숙련과 완전한 실험 사이에 매달린 변형의 모습입니다. 그녀의 초기 추상 표현주의 작품들이 느끼게 하는 모방적인 느낌과 달리, 이 물감 스며들기 기법의 그림들은 경계 공간의 개념에 편안함을 느끼는 예술가가 그린 진정성을 지닙니다. 확실함이 필요 없다는 것은 인정받음이 필요 없다는 것과 관련이 있을 수 있으며, 이것이 스프링포드가 이 작품들을 드물게 전시한 이유일지도 모릅니다.
비비안 스프링포드 - 제목 없음, 1983년. 캔버스에 아크릴. 69.2 x 67.3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 인치).
시간의 측정
이 후기 물감 스며들기 그림들을 과정 작품이라고 부르는 것도 자연스럽게 느껴집니다. 이것이 작품 자체가 그 창작 과정보다 덜 중요하다는 뜻은 아닙니다. 오히려 이 작품들은 과정의 중요성을 드러냅니다. 쓰러진 나무 그루터기에서 볼 수 있는 동심원처럼, 이 그림들의 동심원은 시간의 흐름을 기록합니다. 각 고리는 물감 한 겹이 칠해지고 퍼져서 지지체와 하나가 되는 데 걸린 시간을 상기시킵니다. 이 그림들에는 서두름이 없습니다. 그 미적 존재감은 점차 퍼져 나가는 힘들의 결과이며, 예상치 못한 규칙에 따라 작동합니다. 이 그림들은 제작 과정을 주목하게 하면서, 동시에 일반적인 과정의 개념에도 우리의 관심을 끕니다.
비비안 스프링포드 설치 전경, 알민 레쉬 뉴욕, 2020년 11월 13일 - 2021년 1월 13일
스프링포드는 한때 그림을 “우주 전체와 동일시하려는 시도… 내면의 나를 리듬감 있는 움직임과 색으로 표현할 나만의 작은 영역이나 에너지 패턴을 찾고 싶다. 우주, 별, 자연의 광활한 중심은 추상적인 의미에서 나의 끊임없는 도전이다”라고 말했습니다. 예술가로서 그녀는 빅뱅 직전의 우주처럼 시작에 헌신했습니다. 그녀의 모든 물감 스며들기 그림은 사실 빅뱅 직후의 우주를 닮아 있으며, 여전히 팽창하고 폭발하며 독특한 무언가로 변형되고 있으며, 그 끝은 알 수 없습니다. 그녀는 자신의 전체 작품 세계와 경력을 각 그림과 같은 방식으로 인식했을지도 모릅니다. 이것이 그녀가 작품을 전시하거나 판매하거나 심지어 자신이 그렸다는 사실을 알리는 것보다, 재료의 본질을 이해하고 기법 속에서 작용하는 힘을 발견하며 그 힘을 자신이 창조한 세계에 풀어놓는 것을 우선시한 이유일 것입니다. 스프링포드는 신과 같았다고 생각합니다. 나머지 우리에게 모든 것이 어디로 향하는지 걱정하게 내버려 두는 태도에서 말입니다.
대표 이미지: 비비안 스프링포드 - 제목 없음, 1971년. 캔버스에 아크릴. 127 x 127 x 2.5 cm (50 x 50 x 1 인치).
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
