‘필드’의 중요성, 호주의 랜드마크 전시회, 50년 후

반세기 전, 20세기 호주 미술계에 가장 큰 영향을 끼친 전시회가 빅토리아 국립미술관(NGV)의 새 장소에서 열렸습니다. 당시에는 거의 아무도 이 전시가 역사를 만들 것이라 예상하지 못했습니다. The Field라는 제목의 이 전시는 임시 전시실에서 열렸습니다. 40명의 작가가 참여한 74점의 작품이 전시되었으며, 대부분의 작가는 30세 미만이었습니다. 작가들 자신도 NGV에서 전시할 기회를 얻은 것에 크게 놀랐습니다. 전시를 기획한 큐레이터들은 이 전시가 호주 미술계에서 새롭게 떠오르는 경향을 보여주는 정도일 것이라 생각했습니다. 그러나 호주 미술 매체는 이 전시를 혹평하며 작품을 조롱했고, 작가들이 호주에 아무런 가치가 없다고 선언했습니다. 이 논란은 작품에 대한 큰 토론을 불러일으켰습니다. 한쪽에는 전통적인 구상 미술 양식을 공개적으로 선호하는 기존 호주 미술계가 있었고, 다른 한쪽에는 세계를 바라보는 시각을 가진 작가, 작가 지망생, 미술 애호가들의 집단이 있었습니다. 놀랍게도, 많은 호주인들은 아직도 The Field을 불쾌하게 기억하며 이 논쟁이 아직 끝나지 않았음을 보여줍니다. 원래 전시를 기획한 큐레이터들의 입장을 확고히 지지하며, NGV는 최근 The Field Revisited라는 원전시를 완전히 재현한 전시를 새 세대를 위해 선보였습니다.

나쁜 비평의 힘

The Field라는 이름은 1960년대 후반 미국에서 지배적인 미학적 위치를 차지한 색면 회화를 가리키는 말에서 따왔습니다. 그러나 이 제목은 또한 국제적으로 추구되던 추상 개념의 훨씬 더 넓고 확장된 영역을 의미하기도 했으며, 여기에는 하드 엣지 추상과 기하학적 추상이 포함됩니다. 또한 이러한 국제적 경향을 따르는 호주 작가들의 증가하는 영역을 뜻하기도 했습니다. 전시된 모든 작품은 호주가 혁신적인 새로운 미학적 경향을 향한 세계적 움직임의 일부이며, 그 경향이 확실히 추상적임을 반영했습니다. 오늘날 되돌아보면, 이런 전제가 논란을 일으킨 것이 이상하게 느껴집니다. 결국 추상 미술은 1968년까지 세계 대부분 지역에서 수십 년간 주류였기 때문입니다. 그러나 주류 호주 미술 평론가들은 새롭고 낯선 추상 작품들이 미술이라 불릴 자격이 없다고 믿는 근본주의자들이었습니다.

Col Jordan - Daedalus - 시리즈 6, 1968년, 합성 폴리머 페인트, 캔버스. 164 x 170 cm. 호주 국립미술관, 캔버라. 1969년 구입

비평가들이 얼마나 극단적이었는지 보여주기 위해, 가디언지는 최근 기사에서 The Field의 원작 이미지와 당시 주요 호주 미술 평론가들의 실제 인용문을 함께 보여주었습니다. 한 평론가는 “작가들은 자신이나 나라에 대해 할 말이 전혀 없다”고 했고, 또 다른 평론가는 이 젊고 실험적인 작가들의 작품을 전시하는 것을 “대학 운동부 팀을 올림픽에 호주 대표로 보내는 것과 같다”고 비유했습니다. 좀 더 관대한 평가는 작품을 즐겁다고 했지만, 전시를 “샴페인만 제공되는 파티와 같아 곧 더 실질적인 무언가가 필요함을 느끼게 된다”고 표현했습니다. 이런 비판은 헛된 것뿐 아니라 실제로 판매 부진을 초래했고, 유망한 호주 추상 미술가들이 좌절감을 느끼게 했습니다. 전시에 참여한 한 작가 존 아담은 평론가들에게 “호주 회화의 미래에 대한 진짜 위협은 … 그런 모호하고 색채에 치우친 감정적 헛소리가 미술 비평으로 둔갑하는 것”이라고 응수했습니다.

Janet Dawson - Rollascape 2, 1968년, 합성 폴리머 페인트, 합판. 150.0 x 275.0 cm 불규칙. 발라랫 미술관, 발라랫. 호주 시각예술/공예 위원회의 지원으로 구입, 1988년 (1998.2). © Janet Dawson/호주 VISCOPY 라이선스

단단한 진실

이처럼 엉성한 미술 비평의 유산은 NGV 큐레이터들이 The Field를 재현하기로 결정했을 때 큰 걱정거리로 다시 떠올랐습니다. 원전시에서 작품을 산 사람은 극히 소수였다는 사실을 이미 알고 있었습니다. 그들이 답해야 할 질문은 원전시 작품 중 얼마나 많은 작품이 아직 남아 있는가 하는 것이었습니다. 조사 결과, 받아들이기 힘든 현실이 드러났습니다. 원전시 작품 14점이 파손되거나 분실된 것입니다. 주요 미술관 전시에 포함된 그림과 조각이 이렇게 부실하게 관리되었다는 사실은 믿기 어려울 수 있습니다. 그러나 대부분의 참여 작가가 젊고 자원이 부족했기 때문에 작품을 보관할 장소를 찾거나 다른 방법으로 처분할 수밖에 없었던 현실이었습니다.

Michael Johnson - Chomp, 1966년, 폴리비닐 아세테이트, 캔버스. 122.0 x 305.5 cm. 개인 소장, 브리즈번. © Michael Johnson/호주 VISCOPY 라이선스

특히 비극적인 이야기는 The Field에 작품을 낸 여성 작가 세 명 중 한 명인 노르마나 와이트의 이야기입니다. 와이트는 전시를 위해 3.6미터 크기의 회색 대작을 제작했으며, 사진으로 보면 전시에서 가장 혁신적인 작품 중 하나임을 알 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 작품은 팔리지 않았습니다. 아트 가이드 오스트레일리아의 샤른 울프와의 인터뷰에서 와이트는 1968년 당시 자신의 작업실이 침실이었고, 보관할 돈이 없었다고 설명했습니다. 작품이 팔리지 않자 그녀는 “작품을 30cm 정사각형으로 잘라” 조각들을 태웠습니다. 이 이야기는 비극적이지만, 와이트는 자신의 작품이 마침내 인정받는 모습을 볼 수 있었습니다. The Field에 참여한 작가 중 절반 이상은 이미 세상을 떠났으며, 분실되거나 파손된 작품들도 있습니다. 이 사라진 작품들은 원래 전시되었던 빈 공간에 실루엣으로 표현되어 The Field Revisited에 나타납니다. 이 실루엣들은 예술이 단순한 시각적 경험이 아님을 상기시켜 줍니다. 미술관은 인류 문화의 수호자이며, 그들이 조명하는 인간의 노력을 돌볼 책임이 있습니다. 평론가들은 과거에 머무르거나 자신이 이해하지 못하는 것에 분노를 표출하는 일을 피해야 할 책임이 있습니다. The Field Revisited는 NGV에서 2018년 8월 26일까지 전시됩니다.

대표 이미지: Rollin Schlicht - Dempsey, 1968년, 합성 폴리머 페인트, 캔버스. 286.0 x 411.5 cm. 개인 소장, 브리즈번 © Rollin Schlicht 유산, 멜버른 찰스 노드럼 갤러리 제공

필립 Barcio 작성