우주는 침묵이다. 자오 우키, 파리에서의 15년 후

중국 태생의 화가 자오우키(Zao Wou-Ki)의 초기 추상 작품을 접한 벨기에 출신 시인이자 예술가인 앙리 미쇼(Henri Michaux)는 한때 “공간은 침묵이다”라고 선언했습니다. 이 시적인 표현은 2018년 6월 1일 파리 현대미술관에서 개막한 자오우키 회고전의 제목으로도 선정되었습니다. 자오우키: 공간은 침묵이다 전시에는 40점의 대형 회화가 전시되며, 그중 다수는 이전에 한 번도 공개된 적이 없습니다. 이 전시는 파리에서 15년 만에 이 작가의 작품을 이렇게 광범위하게 조명하는 첫 전시입니다. 이 전시는 자오우키의 주요 작품을 한자리에서 볼 수 있는 드문 기회를 제공하며, 미쇼가 “공간은 침묵이다”라고 말했을 때 정확히 무엇을 의미했는지에 대한 흥미로운 논의의 출발점이 됩니다. 그는 단순히 미학적 제안을 한 것일까요? 부정적 미학 공간과 시각적 고요함을 연결하려는 시각적 관점에서만 말한 것일까요? 아니면 짐이 없는 상태에서 오는 평온함에 대한 시적 표현이었을까요? 혹은 내면과 외면 세계의 관계에 대한 철학적 언급이었을까요? 어쩌면 이 표현의 아름다움은 무한한 의미를 가질 수 있다는 데 있을지도 모릅니다. 공간은 침묵이다 전시가 보여주듯, 자오우키의 복잡하고 다층적인 유산을 고려할 때 그 어떤 의미도 관련성을 가질 수 있습니다.

집에 대한 국제적인 시각

어떤 면에서 공간은 침묵이다는 자오우키의 귀향과도 같습니다. 이 작가는 1920년 중국 베이징에서 태어났습니다. 그의 아버지는 예술가는 아니었고 은행원이었으며, 아들에게 ‘무한’을 뜻하는 ‘우키(Wou-Ki)’라는 이름을 지어주었습니다. 이 이름은 10살 때 처음으로 그림 재능을 보였을 때 가족이 그에게 준 격려를 예고하는 것이었습니다. 항저우 미술학교에서 자오우키는 인물화와 고대 중국 예술 전통을 공부했습니다. 그러나 젊은 화가는 자신의 중국 뿌리에 대해 크게 관심을 두지 않았습니다. 대신 그는 인상파와 서양 현대미술에 대해 가능한 한 많이 배우며, 그것을 훨씬 더 큰 영감으로 여겼습니다. 1941년에 첫 전시를 열었고 재능에 대한 강한 격려를 받았지만, 여전히 자신이 만들고 싶은 작품을 만들고 있다고 느끼지 못했습니다. 그래서 1948년 파리로 이주하여, 처음으로 피카소, 마티스 등 자신이 중국에서 자라면서 영감을 받은 예술가들의 작품을 직접 볼 수 있었습니다.

자오우키 - 마티스에 대한 헌사 I - 02.02.86I, 1986년. 캔버스에 유화. 개인 소장. © Adagp, 파리, 2018. 사진: 데니스 부샤르

파리에서 자오우키는 추상화로 전환했으며, 그의 초기 추상 작품이 새로운 친구 미쇼에게 공간에 관한 유명한 말을 하게 한 영감이 되었습니다. 아이러니하게도, 파리에서 자오우키는 이전에 무시했던 고대 중국 전통과 다시 연결되었습니다. 그는 상나라 시대(기원전 2천년대)의 뼈 조각에 새겨진 갑골문 조각을 보면서 깨달음을 얻었습니다. 인간형 문자를 포함하는 이 글자는 최초의 중국 문자로 간주되며, 가장 오래된 수메르 및 이집트 상형문자보다 1500년 늦었지만 인류 역사상 가장 오래된 조직화된 상징 문자 체계 중 하나입니다. 갑골문 연구를 통해 자오우키는 원시 형태를 모방하기 시작했고, 이는 중국 서예에 대한 새로운 관심으로 이어져 고대 중국 문화의 상징적이고 추상적인 뿌리와 다시 연결되었습니다.

자오우키 - 클로드 모네에 대한 헌사, 1991년 2월-6월 – 삼부작, 1991년. 캔버스에 유화. 개인 소장. © Adagp, 파리, 2018. 사진: 장루이 로시

개방성과 규모

1950년대 내내 자오우키는 중국 상징주의에 대한 새로워진 감상과 인상파 색채에 대한 관심을 결합하여 독특한 추상 양식을 발전시켰습니다. 그러나 이 양식도 그에게는 여전히 답답하게 느껴졌습니다. 그는 자신의 캔버스에 여러 방식으로 공간을 부여하고 싶어 했습니다. 표면을 볼 때 시각적 공간이 드러나길 원했고, 관람자가 작품을 해석할 여지를 더 많이 갖도록 지적 공간도 열리길 원했습니다. 마지막으로, 그는 실제로 더 큰 공간, 즉 더 큰 캔버스를 원했습니다. 1957년 뉴욕 방문 후 프란츠 클라인 같은 예술가들의 거대한 캔버스를 접하고 나서야 그는 훨씬 더 큰 규모로 작업할 수 있는 허락을 스스로 내렸습니다. 공간은 침묵이다 전시의 모든 작품은 이 시기 이후의 작품입니다. 광활한 표면에서 자오우키가 환상적인 시각 공간을 전달하려 노력한 방식을 볼 수 있습니다.

자오우키 - 제목 없음, 2006년. 종이에 인도 잉크. 개인 소장. © Adagp, 파리, 2018. 사진: 데니스 부샤르

작품에 더 많은 지적 공간을 부여하기 위해 자오우키는 1959년부터 작품 제목을 완성 날짜로만 표기하기 시작했습니다. 그는 자연의 에너지와 힘을 그리려 했지만, 너무 많은 관람자가 이를 풍경화로 오해하는 것을 우려했습니다. 완성 날짜만 제목으로 붙임으로써 관람자는 해석의 근거가 될 정보를 줄일 수 있었습니다. 관람자는 작품에서 서사적 의미를 찾기보다는 추상적인 측면에 더 마음을 열 수밖에 없었습니다. 그는 이 작품들에서 빛과 생명을 보길 바랐고, 무엇보다 공간의 신비를 보길 희망했습니다. 많은 추상 예술가들이 시각 세계가 음악 세계와 연결되어 있다고 믿듯, 자오우키는 그의 거대한 회화에서 드러나는 상상의 공간이 음악이 없고 구체적인 것이 없는 영역으로도 인식될 수 있음을 보여주었습니다. 이 침묵의 공간에서 우리는 개방성이 자연 세계와 우리의 존재에 필수적인 요소임을 더 깊이 생각할 수 있습니다. 자오우키: 공간은 침묵이다 전시는 2019년 1월 6일까지 파리 현대미술관에서 열립니다.

대표 이미지: 자오우키 - 에드가 바레즈에 대한 헌사 - 25.10.64, 1986년. 캔버스에 유화. 프랑수아즈 마르케 기증, 2015년 로잔 주립미술관. © Adagp, 파리, 2018. 사진: 데니스 부샤르

필립 Barcio 작성