운동 예술의 가장 중요한 특성

키네틱 아트란 무엇인가? 가장 간단한 정의는 "효과를 위해 움직임에 의존하는 예술"이다. 하지만 그것은 정말로 불충분하다. 과학적으로 말하자면, 모든 것은 그 효과를 위해 움직임에 의존한다. 왜냐하면 우주에서 가장 큰 물체부터 가장 작은 입자까지 모든 것이 항상 움직이고 있기 때문이다. 그래서 키네틱 아트에 대한 더 나은 정의는 "완전하다고 간주되기 위해, 하나 이상의 부분의 설계된 외부 물리적 움직임에 의존하는 목적 있는 미적 창조물"과 같은 것이 될 수 있다. 그러나 아마도 그 정의조차도 불완전할 것이다. 아마도 예술에 관한 다른 많은 것들과 마찬가지로, 정의는 단순히 우리를 실망시킨다. 아마도 키네틱 아트를 단어로 정의하는 대신 예시로 정의해야 할 것이다. 이를 염두에 두고, 키네틱 아트의 역사와 가장 유명한 예시들에 대한 간략하고, 인정하건대 불완전한 검토를 제시한다.

바람에 날리다

많은 미적 경향과 마찬가지로, 운동성은 미술에 나타나기 훨씬 이전에 평범한 창작 문화에서 나타났습니다. 아마도 예술적 운동성의 가장 초기 예는 바람 종일 것입니다. 바람 종은 최소 5000년 전부터 동남아시아 전역에서 사용되었습니다. 바람 종이 미술이 아니라고 주장하기는 쉽지만, 그들이 미술이 될 수 있다고 주장하는 것도 쉽습니다. 많은 미술과 마찬가지로, 바람 종은 신성함을 암시하고, 인간과 자연의 상호 연결성을 탐구하며, 초월적인 존재 상태를 영감을 줍니다. 그리고 그들은 확실히 미적 현상의 정의에 부합합니다.

바람 종소리를 첫 번째 운동 예술로 받아들이지 않는다면, 우리는 북유럽 문화로 눈을 돌릴 수 있습니다. 북유럽 문화는 예술적 운동 표현의 풍부하고 고대 전통을 가지고 있습니다. 네덜란드 자안스 박물관에 있는 고래잡이 항해의 매달린 움직이는 조각은 산업 시대보다 훨씬 이전으로 거슬러 올라갑니다. 북유럽의 히멜리(Himmeli)는 현대 모빌의 직접적인 후손으로 보입니다. 이 고대의 매달린 수공예 조각들은 게르만 지역에서 유래되었습니다 (himmel은 하늘을 의미하는 게르만어입니다). 히멜리의 원래 목적이 무엇이었는지, 또는 얼마나 오랫동안 사용되어 왔는지는 불확실하지만, 그들은 운동적이고 미학적이며 적어도 모더니즘 이전의 것입니다.

자안스 박물관 소장품의 수세기 된 동적인 고래 조각상

첫 번째 현대주의 운동 예술가

거의 모든 현대 미술 역사가는 첫 번째 현대 운동 예술가가 마르셀 뒤샹이라고 말할 것이며, 뒤샹이 만든 첫 번째 운동 작품은 그의 자전거 바퀴라고 할 것입니다. 자전거 바퀴를 거꾸로 뒤집어 의자 위에 삽입한 이 작품은 첫 번째 "레디메이드"로도 간주됩니다. 그러나 때때로, 우리가 어떤 주제에 대해 더 많이 알게 될수록, 그것이 덜 명확해지기도 합니다. 뒤샹 자신은 이 움직이는 조각을 순수 미술로 간주하지 않았습니다. 그의 창작에 대해 질문을 받았을 때, 그는 "나는 그것을 보는 것이 즐거웠다. 마치 나는 벽난로에서 춤추는 불꽃을 보는 것을 즐기는 것처럼."라고 말했습니다.

만약 물체 제작자의 의도가 그 물체가 순수 미술로 간주되는 데 중심적이라면, 제작자의 인정에 따라 자전거 바퀴는 자격이 없다. 고대 바람 종, 북유럽 히멜리, 또는 네덜란드 고래잡이 항해의 움직이는 조각이 왜 운동 예술로 간주되지 말아야 하는가? 왜 그것들이 공예, 장난감, 민속 유물, 또는 단순한 장식으로 무시되어야 하는가? 아마도 듀샹이 벽난로의 불꽃을 바라보는 것에 대해 한 말에서 모든 창조적 현상의 본질을 결합하는 어떤 힌트가 있을지도 모른다. 그것은 의도와 관계없이 어떤 원초적 인간의 충동의 표현으로서.

Marcel Duchamp - Rotary demisphere, 1924. Yale University Art Gallery (Yale University), New Haven, CT, US. © Marcel Duchamp

더 무브먼트 무브먼트

우리가 현대 운동 예술 운동이라고 여기는 것은 실제로 1920년대에 시작되었습니다. 예술 운동이 흥미를 불러일으키고 지적 신뢰를 얻기 위해서는 누군가가 그것에 이름을 붙이고 글로 그 입장을 방어하는 것이 도움이 됩니다. 러시아 구성주의 예술가인 나움 가보와 앙투안 페브스너는 1920년에 운동 예술을 위해 그렇게 했습니다. 가보와 페브스너는 형제이기도 했으며, 그들의 현실주의 선언서에서 다음과 같이 말했습니다: “우리는 부인합니다: 이집트 예술에서 물려받은 천년의 오류: 정적인 리듬이 조형 창작의 유일한 요소인 것처럼 보입니다. 우리는 조형 예술에서 새로운 요소인 운동 리듬을 선언합니다. 이는 우리가 실제 시간을 인식하는 본질적인 형태입니다.”

그 선언서를 쓰기 1년 전, 엔지니어로도 훈련받은 가보는 아마도 최초의 의도적인 운동 조각으로 여겨져야 할 작품을 만들었다. 그는 이 작품을 운동 구조물이라고 불렀다. 이 작품은 나무 상자에서 튀어나온 단일 금속 막대로 구성되어 있었다. 스위치가 활성화되면 기계 모터가 막대를 진동시켰다. 이 작품은 활성화될 때 파도 형상을 모방하는 방식 때문에 "서 있는 파동"이라는 별명을 얻었다. 움직이는 조각 외에도 가보는 움직임의 미학을 포착한 정적인 조각도 만들었으며, 이는 그의 경력 전반에 걸쳐 추구한 관심사였다.

나움 가보 - 운동적 구조(정지파), 1919. 금속, 나무 및 전기 모터. 616 x 241 x 190 mm. 테이트 컬렉션. © 니나 & 그레이엄 윌리엄스/테이트, 런던 2018

상향 이동성

같은 시기에 가보와 페브스너가 현대 미술 논의에 ‘키네틱’이라는 단어를 도입하고 있을 때, 미국의 다다 예술가 맨 레이는 자신의 키네틱 미학에 대한 독특한 해석을 창조하는 데 몰두하고 있었다. 마르셀 뒤샹의 친구이자 동료인 맨 레이는 자전거 바퀴를 분명히 알고 있었고, 키네틱 구조에 대해서도 알고 있었을 가능성이 높다. 그의 작업이 이 두 작품과 다른 점은 바퀴와 같은 모터나 기계 장치를 활용하는 대신, 맨 레이는 자신의 예술에서 유기적인 움직임을 포착하고자 했다는 것이다.

맨 레이는 1920년에 Obstruction이라는 작품으로 유기적인 움직이는 조각에 대한 해결책을 제시했습니다. 이 작품은 36개의 옷걸이로 구성되어 있으며, 각 옷걸이는 다른 옷걸이의 팔 끝에 뚫린 구멍을 통해 삽입되어 있고, 모두 천장에 걸린 후크에 부착된 단일 옷걸이에서 매달려 있습니다. 작품의 운동 요소는 옷걸이가 바람, 진동 또는 관찰자나 물체와의 직접적인 접촉에 의해 방해받을 때 도입됩니다. Obstruction을 제작하는 것 외에도, 맨 레이는 그것을 복제하는 방법에 대한 지침이 담긴 도표를 만들어, 복제를 시도하는 누구에게나 그가 한 것을 넘어 더 나아가 "무한으로" 조각을 이어가도록 격려했습니다. 이 도표는 솔 르윗과 같은 예술가들이 자신의 벽화 복제 방법에 대한 유사한 상세한 지침을 만든 이후의 개념 예술 작품을 연상시킵니다.

Man Ray - Obstruction, 1920. 36 interconnected hangers hanging from the ceiling. © Man Ray

기계의 부상

비록 그 당시에는 혁신적이었지만, Obstruction과 Kinetic Construction과 같은 움직이는 조각들은 곧 뒤따른 것들과 비교할 때 거의 구식처럼 보인다. 1920년대 동안 헝가리 태생의 예술가 László Moholy-Nagy는 완성되었을 때 Light Prop for an Electric Stage 또는 Light Space Modulator라고 부른 기계 조각 작업을 했다.

이 환상적인 창작물은 전기 모터, 움직이는 패널, 다양한 색상의 전구로 구성되어 있었습니다. 활성화되면 색상, 빛, 움직임 및 소리의 운동적 상호작용을 보여주었습니다. 라이트 스페이스 모듈레이터는 운동 예술 운동의 기념비적인 작품일 뿐만 아니라, 루미노 키네틱 아트 운동의 시작이었으며, 전기 빛을 조각의 요소로 사용하는 개념을 도입하기도 했습니다.

Laszlo Moholy-Nagy - Light Prop for an Electric Stage, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

대중의 움직임

오늘날 많은 사람들이 운동 예술에 대해 생각할 때, 미국 예술가 알렉산더 칼더의 기발한 모빌을 떠올립니다. 많은 사람들은 칼더를 운동 예술의 아버지로 여기기도 합니다. 하지만 칼더는 1931년이 되어서야 모빌을 만들기 시작했습니다. 우리가 알 수 있듯이, 그 이전에도 정적인 조형 예술의 한계를 벗어나고자 했던 많은 이들이 있었습니다. 사실, 우리는 칼더와 그의 모빌에 대해 이야기할 때, 다시 한 번 마르셀 뒤샹을 언급하지 않고는 이야기할 수 없습니다. 뒤샹은 칼더의 작업실을 방문하면서 이러한 매달린 운동 창작물에 '모빌'이라는 이름을 붙였는데, 이 단어는 프랑스어로 움직임 또는 동기를 의미할 수 있습니다.

그러나 칼더는 그럼에도 불구하고 운동 예술을 널리 대중화했습니다. 칼더 이후로, 이 경향은 움직임의 힘에 영감을 받은 세대의 예술가들에 의해 계속 탐구되고 있습니다. 브루노 무나리는 그의 쓸모없는 기계들로 운동 미학에서 새로운 지평을 열었습니다. 미국 태생의 조각가 조지 리키는 가장 미세한 공기 흐름이나 진동에 반응하는 공공 운동 조각을 만들었습니다. 그리고 현대 예술가 에밀리 케너크는 그녀의 음성 인식 진동 저녁 식탁과 같은 프로젝트를 통해 운동을 탐구하며, 이는 개념 예술가 장 팅겔리의 뉴욕에 대한 경의와 같은 방식으로 운동의 힘을 사용하여 스스로 파괴됩니다. 우리가 운동 예술이 무엇인지 정확히 정의할 수는 없지만, 적어도 이러한 운동 예술가들을 지목하고 그들의 작업을 살펴볼 수 있습니다. 그들의 노력 속에서 우리는 운동 예술이 우리의 상상력을 사로잡는 것이 무엇인지 보기 시작합니다. 우리가 그것을 설명할 수 없더라도, 듀샹이 말했듯이, 우리는 그것을 바라보는 것을 즐길 수 있습니다. "벽난로에서 춤추는 불꽃을 바라보는 것을 즐깁니다."

특집 이미지: 나움 가보 - 선형 구조 No. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © 니나 & 그래엄 윌리엄스/테이트, 런던 2018
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio