울프 칸 예술의 진정한 본질
Wolf Kahn의 그림에 대해 두 가지 관찰이 자주 이루어졌습니다. 첫째, Kahn이 버몬트와 뉴욕에 있는 그의 집 주변의 경치를 참조하는 풍경을 그린다는 점이 자주 언급되었습니다. 둘째, 그의 작품이 재현과 추상 사이의 슬라이딩 스케일에서 어떤 위치를 차지하는지에 대한 질문이 많이 제기되었습니다. 이 두 가지 점에서 이상한 것은 둘 다 그림에 대해 많은 것을 말하지 않는다는 것입니다. 둘 다 그들의 광채와 힘, 또는 구성의 지능에 대해 다루지 않습니다. 모더니스트 화가이자 교육자인 한스 호프만은 한때 "재현적 그림과 추상적 그림이라는 것은 없다: 오직 지능적인 그림과 어리석은 그림만 있다"고 말했습니다. Kahn은 호프만의 제자이자 후에 스튜디오 조수였습니다. 그는 이전 인터뷰에서 그 인용구를 언급했으며, 그것에 동의한다고 암시했습니다. 그렇다면 왜 Kahn이 풍경 화가인지, 재현 화가인지, 추상 화가인지 논의해야 할까요? 중요한 것은 Kahn이 지능적인 화가라는 것입니다. 그의 작업을 즐길 수 있는 방법은 많으며, 그것은 이미지 속의 풍경과는 덜 관련이 있고, 그의 아이디어의 지능적인 풍경과 더 관련이 있습니다.
색상과 빛
색상은 우리가 빛을 인식하게 해주며, 빛이 없으면 우리는 색상을 알 수 없습니다. 만약 색상이 당신에게 소중한 것이라면, 자연에서 그것을 찾는 것이 합리적입니다. 왜냐하면 그곳에서 가장 흥미롭고, 가장 아름답고, 가장 빛나는 빛을 발견할 가능성이 높기 때문입니다. 그의 그림 속 이미지는 자연을 참조하지만, Wolf Kahn이 자연 세계의 이미지를 그릴 때 실제로 그리는 것은 색상과 빛입니다. 그의 풍경을 자연의 그림이 아니라 색상과 빛의 그림으로 본다면, 우리는 그것들을 다른, 더 보편적인 관점에서 이해할 수 있습니다.
자연은 색의 소통을 합니다. 자연은 빛이 요소들과 제한 없이, 예상치 못한 방식으로 상호작용하는 장소입니다. 이 그림들은 자연에서 시작되지만, 자연을 보여주지는 않습니다; 그들은 색의 본질, 빛의 힘, 그리고 이 두 요소가 교차하는 순간의 덧없음을 보여줍니다. 그들은 잎사귀, 하늘 또는 물 위를 잠깐 스치는 날카로운 색의 비현실적이고 지나가는 순간을 포착하고, 우리의 눈을 위해 완벽한 빛 속에 그것을 보존합니다.
Wolf Kahn - Hidden Greenhouse, 2015, oil on canvas. © Wolf Kahn
진정한 매체
특정 색상을 볼 때, 우리는 과거에 그 색상과 관련된 경험에서 느꼈던 감정을 떠올리는 것이 자연스럽습니다. 일부 색채 이론가들은 다양한 색상에 의해 유발되는 보편적인 감정 반응이 있다고 제안합니다. 그러나 그것이 사실이 아니더라도, 우리는 여전히 각자 색상과의 경험적이고 개인적인 관계를 가지고 있습니다. Wolf Kahn의 작품을 그의 색상과의 개인적인 관계의 관점에서 본다면, 우리는 그것들을 자연의 그림이 아니라 감정의 그림으로 읽을 수 있을까요?
Kahn은 한때 "자연과 예술가의 감정은 단지 원자재일 뿐이다"라고 말했습니다. 이 인용구는 자연이 그의 그림의 주제가 아닌 것처럼 감정도 주제가 아니라는 의미일 수 있습니다. 그러나 그것들을 원자재로 묘사하는 것은 흥미롭습니다. 일반적으로 페인트와 캔버스는 그림의 원자재로 간주됩니다. 만약 자연과 감정이 원자재라면, 우리는 페인트와 표면을 어떻게 인식해야 할까요? 이 물리적 요소들이 작품의 진정한 주제일까요? 아니면 색상과 빛이라는 진짜 주제를 위해 작용하는 우연한 지지물일 뿐일까요?
Wolf Kahn - Sails Near Sprucehead Maine, ca- 1962, oil on panel. © Wolf Kahn
뛰어난 아이디어
Kahn이 자주 언급한 아이디어 중 하나는 광채입니다. 그가 최대한의 광채를 달성하기 위해, 그는 페인트 제조업체인 친구와 협력하여 슈퍼 광채 페인트 색상 라인을 만들었습니다. 그는 이 색상을 사용하여 그의 작품 표면에 우수한 반사 품질을 제공합니다. 그로 인해 그가 만드는 빛나는 표면은 빛나는 것처럼 보입니다. 하지만 광채란 실제로 무엇을 의미할까요? 광채는 빛이나 색상이 아니라, 두 가지 모두의 특성입니다.
빛 외에도, "radiance"라는 단어는 열과 관련하여 자주 사용되며, 특히 방사선의 맥락에서, 어떤 것의 표면에서 방출되는 입자와 같은 의미로 사용됩니다. 그러나 이 단어의 정의는 더 넓게 해석되어 다른 것에서 발산되는 모든 것을 포함할 수 있습니다. 카리스마 있는 사람들은 빛나는 성격을 가지고 있다고 합니다. 행복한 사람들은 빛나는 미소를 가지고 있습니다. 위험은 무서운 장소에서 발산될 수 있습니다. 어쩌면 색상과 빛이 Kahn이 다루고 있는 진정한 주제가 아닐 수도 있습니다. 어쩌면 주제는 radiance이며, 색상과 빛에서 발산되는 덜 정확한 특성일 수 있습니다.
Wolf Kahn - Orange Barn, Half Hidden, 2016. © Wolf Kahn
아이디어의 풍경
그가 풍경화만 그리는 것은 아닐지라도, 칸은 확실히 풍경이 제안하는 구성적 특성을 활용합니다. 그리고 그는 종종 푸른 지평선이나 우리의 북쪽 전망과 같이 특정 풍경을 언급하는 것처럼 보이는 제목을 그의 그림에 붙입니다. 이러한 작품들은 지평선이 포함되어 있으며, 빛과 어두운 영역을 사용하여 "밀고 당기기"라는 아이디어를 전달하는 기법을 사용합니다. 이 기법은 한스 호프만에 의해 원근감을 전달하기 위해 가르쳐졌습니다.
하지만 만약 이것들이 문자 그대로의 풍경이 아니라면, 그들이 말하는 풍경의 개념은 무엇인가? 풍경은 보이는 것을 의미한다. 그것은 땅의 물리적 지형을 의미할 수도 있고, 문제의 정신적 지형을 의미할 수도 있다. 푸른 수평선은 땅이 하늘과 만나는 곳인가, 아니면 감정이 순간과 만나는 곳인가? 우리의 북쪽 전망은 북쪽에 우리를 기다리고 있는 것의 문자 그대로의 장면인가, 아니면 미지의 미래에서 기다리고 있는 신비의 어둠인가?
Wolf Kahn - Bright Orange, Pale Yellow, and Gray, 2014, oil on canvas. © Wolf Kahn
추상 표현
권위 있게 들리지만, 호프만이 "대상화된 회화와 추상화된 회화는 존재하지 않는다."라고 한 그 발언은 실제로 무엇을 의미했을까? 추상화를 사랑하는 팬들이나 사실주의의 팬들이 이들이 사랑하는 것이 존재하지 않는다는 생각에 어떻게 반응해야 할까? 그 이상이 있을까? 추상 미술을 정의하는 데 어려운 점 중 하나는 정의가 너무 정확하다는 것이다. 작품을 대상화된 것으로 보거나 추상화된 것으로 보게 되면 그 잠재력을 제한하게 된다. 만약 우리가 울프 칸의 작품을 대상화된 것으로 본다면, 그들이 우리에게 불러일으킬 수 있는 깊은 사색의 가능성을 간과할 수 있다. 반대로 그들을 추상화로 본다면, 그들의 아름다움을 감상하는 단순하고 직접적인 즐거움을 놓칠 수 있다.
호프만이 그 발언을 했을 때, 그는 많은 화가들이 이해하는 우려를 언급했습니다. 그 우려는 이미지가 그려지자마자 구체적인 방식으로 존재한다는 것입니다. 즉, 현실과 얼마나 무관하든 모든 이미지는 결국에는 자기 자신을 나타내는 것이며, 이는 결국 대표적입니다. 그러나 가장 사실적인 그림조차도 환상입니다. 왜냐하면 그것은 단지 그림일 뿐이기 때문입니다. 따라서 호프만은 지능의 중요성을 강조했습니다. 왜냐하면 그림을 지능적으로 만드는 것은 사람을 지능적으로 만드는 것과 동일하기 때문입니다: 아이디어의 존재입니다. 우리는 아마도 울프 칸의 그림들의 진정한 주제, 진정한 의미, 또는 진정한 본질을 확실히 설명할 수는 없을 것입니다. 그러나 우리는 그들이 지능적이라고 말할 수 있습니다. 왜냐하면 그들은 풍부하고 생동감 넘치며 아름다운 아이디어의 풍경으로 넘쳐나고 영감을 주기 때문입니다.
Wolf Kahn - Bright Ground, 2012, oil on canvas (Left) / Horticulture, 2012, oil on canvas (Right). © Wolf Kahn
특집 이미지: Wolf Kahn - Surprising Green, 2014, 유채화. © Wolf Kahn
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
