Een nieuw boek viert Alice Trumbull Mason, pionier van de Amerikaanse abstractie.

Alice Trumbull Mason was een zeldzaamheid in de kunstwereld: een onverzettelijke beoefenaar die volledig werd gedreven door de wens om te leren. Mason overleed in 1971, op 67-jarige leeftijd, en liet honderden schilderijen en prenten achter die haar plaatsen onder de meest vooruitziende en getalenteerde kunstenaars van haar tijd. Onaangedaan door trends en onvermoeibaar toegewijd aan experimenteren, creëerde ze een oeuvre dat de tijd overstijgt. Een belangrijk monografie waarin meer dan 150 van haar schilderijen worden gedocumenteerd, met inzichtelijke essays over Mason door hedendaagse kunstschrijvers zoals Elisa Wouk Almino van Hyperallergic, verschijnt binnenkort bij uitgever Rizzoli Electa in New York (het kan nu worden vooruitbesteld). De meest volledige beoordeling van haar loopbaan tot nu toe, het zal gewaardeerd worden om zijn prachtige, paginagrote reproducties van zoveel van haar werken. Toch is de ontvangst die het boek nu al krijgt wat vreemd. Die vreemdheid komt tot uiting in de kop van een recente recensie geschreven door Roberta Smith voor de New York Times, die Mason een “Vergeten Modernist” noemt. Die bewering, dat Mason tijdens haar leven niet werd gewaardeerd of sinds haar dood is genegeerd, is minder feit dan overdrijving om de kunstmarkt te voeden met werken en kunstenaars die zogenaamd “over het hoofd zijn gezien.” Ik verwerp die theorie in dit geval alleen omdat ik te veel echte kunstenaars ken die in de echte kunstwereld bestaan. De meeste kunstenaars zouden graag de loopbaan hebben die Alice Trumbull Mason had. In ruim vier decennia had ze zes solotentoonstellingen in New York City, was medeoprichter van American Abstract Artists, raakte bevriend met en leerde van verschillende van de meest hooggewaardeerde kunstenaars van haar tijd, en verkocht werken aan enkele van de invloedrijkste figuren in de kunstwereld, waaronder Hilla Rebay en Peggy Guggenheim. In een werkelijkheid waarin de overgrote meerderheid van kunstenaars nooit een enkele solotentoonstelling in New York heeft, en helemaal geen schilderijen verkoopt, was Mason een groot succes. In plaats van de kunstmarkt haar nalatenschap te laten vervormen om in zijn corrupte verhaal te passen, zouden we respect moeten tonen voor wat Mason daadwerkelijk heeft gedaan.

Een persoonlijke kunstgeschiedenis

Een bewijs van het soort kunstenaar dat Alice Trumbull Mason was, is te vinden in de Smithsonian Archives of American Art, waar haar persoonlijke papieren zijn gedoneerd. De verzameling bevat een notitieboekje, waarvan Mason op de omslag met de hand schreef “Geschiedenis van de Kunst.” Binnenin de pagina’s (die online te bekijken zijn) staan persoonlijke overdenkingen over het leven en de kunstwerken van een paar dozijn klassieke meesters. In plaats van kunstgeschiedenis te lezen en na te vertellen, ging Mason naar Europa en bezocht persoonlijk invloedrijke werken, waarbij ze ook de tijd nam om te leren over de mensen die ze maakten. Haar persoonlijke kunstgeschiedenisboek bevat zowel plastische observaties als inzichten over het innerlijke leven van de kunstenaars. Beide zijn even onthullend. Zo merkt ze op dat Michelangelo niet de Sixtijnse Kapel wilde schilderen, en dat hij veel van zijn andere opdrachtgevers ook verafschuwde. Het feit dat hij een van de beroemdste kunstenaars ooit werd, was voor Mason onbelangrijk—ze was meer geïnteresseerd in het feit dat hij ongelukkig was omdat hij niet de vrijheid had om te schilderen wat hij wilde.

Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Olie op doek. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Gallery, New York.

Over de plastiek van kunst merkt Mason een citaat op van de renaissancesculpteur Donatello, die zei: “Je verliest de substantie voor de schaduw.” In zijn geval sprak Donatello over de effecten van gedurfde veranderingen in licht en donker, bekend als clair-obscur. Hoewel de details van een figuur verloren kunnen gaan wanneer licht op de plooien van een gebeeldhouwd doek of de richels van gebeeldhouwde spieren valt, ontstaan drama en realisme door het waargenomen dieptegevoel dat de schaduw creëert. Mason las iets nog dieper in zijn woorden. Ze zag in dit citaat een verwijzing naar de mogelijkheden van abstractie. De schaduw werd een metafoor voor het onbekende. Net zoals het onbekende een beeldhouwwerk voor Donatello echt deed lijken, vertegenwoordigde het onbekende voor Mason wat het meest echt was. Ze beschouwde abstracte kunst als de meest representatieve soort kunst—het was het onbekende, in plaats van het bekende, dat ze probeerde weer te geven.

Alice Trumbull Mason - Ongetiteld, ca. 1939. Olie op doek. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Gallery, New York.

Een ware pionier

De titel van de aanstaande Mason-monografie—Alice Trumbull Mason: Pionier van de Amerikaanse abstractie—kan niet passender zijn. Voor mij roept het het oude Amerikaanse gezegde op uit de vroege dagen van de westelijke expansie: “Pioniers worden afgeslacht; kolonisten worden rijk.” Kunst heeft Mason misschien nooit een fortuin opgeleverd, maar wat je in de pagina’s van deze monografie vindt, is het bewijs van een kunstenaar die nooit genoegen nam. Al in 1929, toen ze 25 jaar oud was, wijdde Mason zich aan de wereldlijke geestelijke mogelijkheden die abstracte kunst bevat. Ze bestudeerde met plezier tegenstrijdige theorieën, schommelde tussen de lyrische biomorfie van kunstenaars als Wassily Kandinsky, Joan Miró en een van haar persoonlijke mentoren, Arshile Gorky, en de geometrische, plastische zuiverheid van kunstenaars als Piet Mondriaan. Ze wisselde haar hele leven tussen deze twee posities. In 1945, toen Hilla Rebay de Kandinsky Memorial Exhibition organiseerde, met 227 schilderijen, schreef Mason een persoonlijke brief aan Rebay waarin ze haar bedankte voor de kans “om zo grondig” zoveel van zijn werk persoonlijk te bestuderen. Toch voegde Mason slechts een jaar later al rechthoeken toe, en wat ze “architectonische” structuur noemde, aan haar composities in de Neo-Plastische geest van Mondriaan.

Alice Trumbull Mason - Tekening voor "Colorstructive Abstraction", 1947. Olie op masoniet. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Gallery, New York.

Uiteindelijk hield Mason zich aan twee leidende principes in haar werk die elke oppervlakkige zorg over inhoud overschaduwden. Het eerste was haar overtuiging—of ze nu schilderijen of prenten maakte, biomorfe composities of geometrische—dat persoonlijke vrijheid belangrijk is bij wat voor kunst je maakt en hoe je die maakt. En het tweede was haar bewustzijn dat het medium zelf het belangrijkste en meest expressieve element van abstracte kunst is. Zoals alle grote kunstenaars zit de magie van haar werk niet in haar tentoonstellings-cv, noch in haar veilingprijzen, noch in hoeveel hedendaagse verzamelaars haar naam nu kennen—het zit in de ekphrastische plastiek van de verf zelf.

Afbeelding: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff and Rod, 1952. Olie op doek. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Gallery, New York.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio