Een nieuw boek viert Alice Trumbull Mason, pionier van de Amerikaanse abstractie.
Alice Trumbull Mason was een zeldzaamheid in de kunstwereld: een onverzettelijke beoefenaar die volledig gemotiveerd was door de wens om te leren. Mason stierf in 1971, op 67-jarige leeftijd, en liet honderden schilderijen en prenten achter die haar plaatsen onder de meest vooruitziende en getalenteerde kunstenaars van haar tijd. Immuun voor trends en onophoudelijk toegewijd aan experimentatie, creëerde ze een oeuvre dat de tijd overstijgt. Een belangrijke monografie die meer dan 150 van haar schilderijen documenteert en inzichtelijke essays over Mason bevat van hedendaagse kunstschrijvers zoals Elisa Wouk Almino van Hyperallergic, verschijnt binnenkort bij Rizzoli Electa uitgevers in New York (het kan nu worden voorbesteld). Het is de meest complete beoordeling van haar carrière tot nu toe en zal gewaardeerd worden om zijn prachtige, pagina-vullende reproducties van zoveel van haar werken. Toch is de ontvangst die het boek al krijgt een beetje vreemd. De vreemdheid wordt belichaamd door de kop van een recente recensie geschreven door Roberta Smith voor de New York Times, die Mason een "Vergeten Modernist" noemt. Die bewering, dat Mason niet gewaardeerd werd tijdens haar leven, of sinds haar dood is genegeerd, is minder feit en meer hyperbool om de honger van de kunstmarkt naar werken en kunstenaars die zogenaamd "over het hoofd gezien" zijn te voeden. Ik verwerp het als een theorie in dit geval alleen omdat ik te veel echte kunstenaars ken die bestaan in het echte kunstveld. De meeste kunstenaars zouden graag de carrière hebben die Alice Trumbull Mason had. In meer dan vier decennia had ze zes solo-exposities in New York City, mede-opgericht American Abstract Artists, bevriend met en geleerd van verschillende van de meest hooggewaardeerde kunstenaars van haar tijd, en verkocht werken aan enkele van de meest invloedrijke figuren in de kunstwereld, waaronder Hilla Rebay en Peggy Guggenheim. In een realiteit waar de overgrote meerderheid van de kunstenaars nooit een enkele solo-expositie in New York heeft en nooit schilderijen verkoopt, was Mason een daverend succes. In plaats van de kunstmarkt haar nalatenschap te laten vervormen om in zijn corrupte narratief te passen, zouden we respect moeten betuigen voor wat Mason daadwerkelijk heeft gedaan.
Een Persoonlijke Geschiedenis van Kunst
Een bewijs van het soort kunstenaar Alice Trumbull Mason was, is te vinden in de Smithsonian Archives of American Art, waar haar persoonlijke papieren zijn gedoneerd. De collectie omvat een notitieboek, waarvan Mason op de omslag met de hand schreef "Geschiedenis van de Kunst." Binnenin de pagina's (die online te bekijken zijn) staan persoonlijke reflecties over het leven en de kunstwerken van een paar dozijn klassieke meesters. In plaats van kunstgeschiedenis te lezen en te herhalen, ging Mason naar Europa en bezocht ze persoonlijk invloedrijke werken, waarbij ze ook de tijd nam om meer te leren over de mensen die ze maakten. Haar persoonlijke kunstgeschiedenisboek bevat zowel plastische observaties als inzichten over het innerlijke leven van de kunstenaars. Beide zijn even onthullend. Zo merkt ze op dat Michelangelo niet wilde schilderen aan de Sixtijnse Kapel, en dat hij veel van zijn andere beschermheren ook niet waardeerde. Het feit dat hij een van de beroemdste kunstenaars ooit werd, was irrelevant voor Mason - ze was meer geïnteresseerd in het feit dat hij ongelukkig was omdat hij niet de vrijheid had om te schilderen wat hij wilde.
Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Olie op doek. 19 x 22 in (48,3 x 55,9 cm). Washburn Gallery, New York.
Over het onderwerp van de plasticiteit van kunst, merkt Mason een citaat op van de Renaissance-sculptor Donatello, die zei: "Je verliest de substantie voor de schaduw." In zijn geval sprak Donatello over de effecten van gedurfde veranderingen in lichtheid en duisternis, bekend als chiaroscuro. Hoewel de details van een figuur verloren kunnen gaan wanneer het licht de plooien van een gesculpteerde stof of de richels van gesculpteerde spieren raakt, komt drama en realisme voort uit het waargenomen gevoel van diepte dat de schaduw creëert. Mason las iets nog dieper in zijn woorden. Ze zag in dit citaat een verwijzing naar de potentie van abstractie. De schaduw werd een metafoor voor het onbekende. Net zoals het onbekende een sculptuur voor Donatello echt deed lijken, vertegenwoordigde het onbekende wat het meest echt was voor Mason. Ze beschouwde abstracte kunst als de meest representatieve soort kunst - het was het onbekende, in plaats van het bekende, dat ze probeerde te vertegenwoordigen.
Alice Trumbull Mason - Ongecategoriseerd, ca. 1939. Olieverf op doek. 30 x 40 in (76,2 x 101,6 cm). Washburn Gallery, New York.
Een echte pionier
De titel van de aanstaande Mason-monografie—Alice Trumbull Mason: Pionier van de Amerikaanse Abstractie—kan niet passender zijn. Voor mij roept het het oude Amerikaanse gezegde op uit de vroege dagen van de westelijke expansie: "Pioniers worden afgeslacht; kolonisten worden rijk." Kunst heeft Mason misschien nooit een fortuin opgeleverd, maar wat je vindt binnen de pagina's van deze monografie is bewijs van een kunstenaar die nooit heeft willen settelen. Al in 1929, toen ze 25 jaar oud was, was Mason toegewijd aan de seculiere spirituele mogelijkheden die in abstracte kunst vervat zitten. Ze bestudeerde met plezier tegenstrijdige theorieën, fluctuerend tussen de lyrische biomorfie van kunstenaars zoals Wassily Kandinsky, Joan Miro, en een van haar persoonlijke mentoren, Arshile Gorky, en de geometrische, plastische puurheid van kunstenaars zoals Piet Mondrian. Ze oscilleerde haar hele leven tussen deze twee posities. In 1945, toen Hilla Rebay de Kandinsky Memorial Exhibition organiseerde, die 227 schilderijen toonde, schreef Mason een persoonlijke brief aan Rebay waarin ze haar bedankte voor de kans "om zo volledig" zoveel van zijn werk persoonlijk te bestuderen. Toch was Mason, slechts een jaar later, al rectangles en wat ze "architectonische" structuur noemde, aan haar composities aan het toevoegen in de Neo-Plastische geest van Mondrian.
Alice Trumbull Mason - Tekening voor "Colorstructive Abstraction", 1947. Olie op masoniet. 26 1/2 x 23 in (67,3 x 58,4 cm). Washburn Gallery, New York.
Uiteindelijk hield Mason zich aan twee leidende principes in haar werk die elke oppervlakkige bezorgdheid over de inhoud overschaduwden. De eerste was haar overtuiging—of ze nu schilderijen of prints maakte, biomorfe composities of geometrische—over het belang van persoonlijke vrijheid als het gaat om welke kunst te creëren en hoe deze te creëren. En de tweede was haar bewustzijn dat het medium zelf het belangrijkste en meest expressieve element van abstracte kunst is. Zoals alle grote kunstenaars ligt de magie van haar werk niet in haar tentoonstellings-CV, noch in haar veilingprijzen, noch in hoeveel hedendaagse verzamelaars nu haar naam kennen—het zit in de ekphrastische plasticiteit van de verf zelf.
Uitgelichte afbeelding: Alice Trumbull Mason - Staf, Distaff en Stok, 1952. Olieverf op doek. 34 3/8 x 42 in (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, New York.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
