Abstracte Benaderingen van de Moderne Italiaanse Kunst

De meeste mensen die de geschiedenis van Italiaanse kunst bestuderen, leren over de klassieke meesters uit de Hoogrenaissance en Barok, zoals Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafaël en Caravaggio. Minder bekend zijn de moderne Italiaanse kunstbewegingen zoals Arte Povera en Spatialisme, of hedendaagse Italiaanse meesters zoals Ettore Spalletti. Om het volledige verhaal van de Italiaanse kunst te begrijpen, is het essentieel om de talrijke manieren te bestuderen waarop Italiaanse kunstenaars hebben bijgedragen aan het modernisme. Sommige Italiaanse modernistische stromingen waren figuratief van aard, zoals Arte Nucleare, die de verschrikkingen van atoomkracht confronteerde na de Tweede Wereldoorlog, en Transavantgarde, een Italiaanse versie van het neo-expressionisme die in de jaren zeventig ontstond. En minstens één Italiaanse modernistische stroming, Novecento Italiano, was regressief, omarmde het fascisme en pleitte voor een terugkeer naar oude, realistische, klassieke stijlen. Maar Italië is ook de bakermat geweest van verschillende abstracte modernistische kunstbewegingen die op diepgaande wijze internationale hedendaagse kunsttendensen hebben gevormd. Hoewel de lijst van kunstenaars die met deze bewegingen geassocieerd worden te lang is om in één artikel te behandelen, volgt hier een inleiding tot enkele van de belangrijkste abstracte, moderne Italiaanse kunstbewegingen en enkele kunstenaars die hen hielpen definiëren.

Italiaans futurisme

Op een landweg buiten Milaan in 1909 reed Filippo Tommaso Marinetti met zijn auto in een greppel nadat hij uitweek voor een fietser. Marinetti raakte woedend door het incident. Hij ergerde zich aan de langzaam bewegende fiets. Hij was fanatiek over snelheid en kracht en geloofde dat de wegen toebehoorden aan de machines van het nieuwe tijdperk. Hij maakte deel uit van de bruuske generatie jonge Italiaanse kunstenaars die spoedig bekend zouden worden als de futuristen.

Na zijn auto-ongeluk schreef Marinetti een essay dat in kranten in Italië en Frankrijk werd gepubliceerd. Dit werd bekend als het futuristisch manifest en beschreef in hartstochtelijke details de frustratie die deze jonge kunstenaars voelden onder het gewicht van de geschiedenis. Het sprak over het willen “Italië bevrijden van zijn gangreen van professoren, archeologen, gidsen en antiquairs.” Het bepleitte mechanische kracht, geweld en oorlog, en stelde voor dat moderne kunstenaars de nieuwe geïndustrialiseerde wereld moesten omarmen en alle tradities en instellingen uit het verleden moesten vernietigen.

Umberto Boccioni - Unieke vormen van continuïteit in de ruimte, 1913, twee aanzichten

Italiaanse futuristische kunst

In hun kunst probeerden de Italiaanse futuristen beweging en snelheid uit te beelden. Ze toonden de chaos van de stad en visioenen van een snel en gewelddadig veranderende wereld. Een belangrijk principe van het Italiaanse futurisme stond bekend als dynamiek, of de gecombineerde ervaring van snelheid, beweging en geluid. Giacomo Balla was een van de meesters van de dynamiek. Zijn vroege pogingen met deze techniek waren figuratief, maar zijn stijl werd snel abstracter toen hij dynamiek ging benaderen via de formele kwaliteiten van schilderkunst zoals kleur, lijn en vorm. Een belangrijk voorbeeld is het schilderij Abstracte snelheid + geluid, uit 1914.

Umberto Boccioni was een andere futuristische meester van dynamiek. Als begaafd schilder maakte Boccioni een van de beroemdste futuristische schilderijen, genaamd De stad rijst op. Maar na verloop van tijd raakte hij geïnteresseerd in de uitdaging om te tonen wat hij “opvolging” noemde, of het gevoel van beweging door fysieke ruimte, in driedimensionale ruimte. Hij realiseerde dit doel het bekendst in zijn abstracte beeldhouwwerk Unieke vormen van continuïteit in de ruimte, gemaakt in 1913.

Lucio Fontana - Ruimtelijk concept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milaan

Spatialisme

Een generatie na de futuristen begon de volgende grote Italiaanse abstracte modernistische kunstbeweging, geïnitieerd door een kunstenaar genaamd Lucio Fontana. Oorspronkelijk uit Argentinië, was Fontana vooral geïnteresseerd in het uitdrukken van de kwaliteiten en essentie van ruimte. Hij was gefascineerd door hoe vorm ruimte kon innemen, ruimte kon bevatten en toegang tot ruimte kon openen. Hij wordt vaak een schilder genoemd omdat zijn bekendste werken aan de muur hangen. Maar Fontana was oorspronkelijk opgeleid als beeldhouwer en hij beschouwde zijn zogenaamde schilderijen als een uitdaging voor de definitie van tweedimensionale kunst.

In 1946 schreef hij een essay genaamd het Witte Manifest, dat openlijk opriep tot het einde van traditionele definities van twee- en driedimensionale kunst. Hij moedigde in plaats daarvan synthese in de kunst aan. In zijn manifest beschreef Fontana hoe traditionele “statische” definities van kunst zoals schilderkunst en beeldhouwkunst niet langer toereikend waren voor een tijdperk dat werd gedomineerd door “het dynamische principe van beweging door tijd en ruimte.” Door deze transformerende kijk creëerde Fontana vele vernieuwingen. Hij maakte enkele van de eerste voorbeelden van installatiekunst en bereikte eind jaren veertig de ultieme uitdrukking van zijn denken toen hij begon doeken te maken die hij vervolgens met een mes insneed. Zijn werk Concetto spaziale – Attesa, een monochroom rood doek met een enkele messtreep door het midden, wordt beschouwd als het toppunt van het spatialistische denken, omdat het erin slaagt vorm te scheppen uit ruimte.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milaan

Arte Povera

Een van de meest transformerende abstracte modernistische kunstbewegingen van de 20e eeuw ontstond in Italië in de jaren zestig. Deze werd Arte Povera genoemd, ofwel arme kunst, vanwege de neiging van de beoefenaars om te vertrouwen op gewone materialen en alledaagse onderwerpen. De beweging groeide aanvankelijk uit verzet tegen andere modernistische kunsttendensen zoals minimalisme, dat nadruk legde op industriële processen en probeerde de persoonlijkheid van de kunstenaar uit het werk te verwijderen. De kunstenaars die met Arte Povera geassocieerd worden wilden kunst weer verbinden met het dagelijks leven.

Om contact te maken met het alledaagse, het banale en het gewone probeerden deze kunstenaars unieke momenten van interactie te creëren tussen de kunstvoorwerpen die ze maakten en de kijkers die ze ontmoetten. Ze maakten kunst die, hoewel abstract, eenvoudige en directe boodschappen communiceerde. Ze gebruikten gemakkelijk te begrijpen, natuurlijke, tastbare, pre-industriële materialen zoals touw, aarde, stof en zelfs uitwerpselen. Temidden van gelijktijdige kunstbewegingen die gericht waren op het elimineren van emotie en individualiteit uit kunst, benadrukten deze kunstenaars het belang van de menselijkheid van zowel de kunstenaar als de kijker, en nodigden ze het publiek openlijk uit om direct met hun kunst te communiceren.

Pino Pascali - Borstelwormen

De kunstenaars van Arte Povera

Piero Manzoni wordt beschouwd als de vader van Arte Povera, hoewel hij op 29-jarige leeftijd in 1963 overleed, voordat hij in de grote tentoonstellingen van de beweging kon worden opgenomen. Door zijn werk vernietigde Manzoni de illusie dat kunst en leven gescheiden zijn door kijkers direct bij zijn kunst te betrekken. In een werk genaamd Consumptie van dynamische kunst door het kunstverslindende publiek “ondertekende” Manzoni hardgekookte eieren met zijn duimafdruk en nodigde hij kijkers uit om de eieren op te eten. In een werk genaamd Magisk Sokkel, Nederlands voor Magische Plank, nodigde hij kijkers uit om deel te nemen door op een voetstuk te gaan staan, waardoor ze levende beelden werden.

Andere Arte Povera-kunstenaars betrokken het publiek niet direct, maar maakten werk dat opzettelijk was ontworpen om kijkersinteractie te suggereren. Pino Pascali maakte grootschalige Borstelwormen, wormachtige sculpturen van borstelharen die kijkers werden aangemoedigd aan te raken. En in 1965 drukte Michelangelo Pistoletto uit wat misschien wel de perfecte uitdrukking is van het huwelijk tussen kunst en het dagelijks leven. Zijn werk Structuur om te praten terwijl je staat (zonder voorwerpen) bestond uit een reling die in een galerie werd geplaatst waarop kijkers konden leunen en hun voet konden zetten tijdens het praten.

Michelangelo Pistoletto - Structuur om te praten terwijl je staat (zonder voorwerpen)

Hedendaagse moderne Italiaanse kunst

Tegenwoordig zijn de tradities van het Italiaanse modernisme springlevend. Ettore Spalletti is een van de toonaangevende abstracte kunstenaars die vandaag in Italië werken. Hij wordt losjes geassocieerd met de kernideeën van Arte Povera, hoewel zijn werk duidelijk anders is dan dat van de meeste leden van die groep. Als multidisciplinaire kunstenaar maakt Spalletti objecten die zich bezighouden met de essentie van kleur. Hij volgt een moeizaam proces waarbij hij meerdere lagen handgemaakte verf aanbrengt totdat de essentiële aard van de kleur die hij zoekt zich openbaart. Het is in dat vluchtige moment, wanneer de kleur eindelijk verschijnt, dat hij zijn proces stopt.

De objecten die Spalletti maakt stralen een etherische lichtheid uit. Ze lijken gevangen momenten van een zonsopgang of lichtflitsen op het wateroppervlak die in de tijd bevroren zijn. Naast het tonen van zijn werken in galeries en musea, heeft Spalletti ook volledige binnenomgevingen gecreëerd op plaatsen zoals een mortuarium en een kapel. Misschien is het vanuit zulke uitingen, die verband houden met het dagelijks leven, dat hij zijn band met Arte Povera voortzet. Maar Spalletti is ook een unieke stem in de hedendaagse Italiaanse abstracte kunst. Hij en zijn vele tijdgenoten in de Italiaanse abstracte kunstgemeenschap van vandaag genieten een verbinding met elk van de invloedrijke Italiaanse kunstbewegingen uit het verleden. En het belangrijkste is dat zij, net als hun voorgangers, de traditie levend houden om Italiaanse kunst op de voorgrond te plaatsen van vernieuwend modernistisch denken.

Afbeelding in de kijker: Giacomo Balla - Abstracte snelheid + geluid, 1913-1914. Olie op ongevernist karton in door de kunstenaar beschilderde lijst. 54,5 x 76,5 cm. De Solomon R. Guggenheim Stichting Peggy Guggenheim Collectie, Venetië, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio