Bladeren door de Kunstwerken van het Digitale Abstracte Kunst Rijk

De snelle ontwikkeling van digitale technologie had een diepgaande impact op alle aspecten van ons bestaan en kunst kon nauwelijks ontsnappen aan de ontwrichtende invloed ervan. De kunst van vandaag komt voort uit de klik van de muis - of meer recent, de aanraking op het scherm - terwijl software en apps die kunstenaars in staat stellen om in het digitale domein te creëren, in een explosief tempo prolifereren. Door de aard van zijn niet-representatieve en niet-mimetische karakter, heeft abstracte kunst het meeste profijt gehad van deze ongeëvenaarde technologische transformatie. Digitale abstracte kunst bloeit op terwijl nieuwe softwarefuncties een overvloed aan boeiende esthetische keuzes bieden - slechts een klik verwijderd. De software is onmiskenbaar het centrale punt van digitale abstracte kunst en heeft de horizon van creativiteit onoverkomelijk uitgebreid. Terwijl veel kunstenaars het digitale combineren met traditionele schilderkunst, beeldhouwkunst of fotografie, doen ze uiteindelijk een beroep op software om de essentie van hun werk te construeren en nieuwe artistieke grenzen te verkennen. Terwijl Photoshop, Adobe Illustrator en Corel Painter veelvuldig werden gebruikt door realistische en figuratieve illustratoren en fotografen, zijn veel van zijn filters (zoals Photoshop Wave) berucht om het creëren van een enorme verscheidenheid aan abstracte patronen. Veel mensen geloven echter dat alleen generatieve algoritmen echte (code-gebaseerde) abstracte kunst kunnen creëren en het groeiende aantal tools, programma's, frameworks en talen wordt ingezet om dit geloof te ondersteunen. Bij IdeelArt zijn we thuis bij kunstenaars die hun werk beschrijven als nieuwe media kunst en de meest uiteenlopende digitale technologie gebruiken om het te creëren. Deze week presenteren we met trots vijf van de meest betoverende digitale abstracte kunstwerken die je aan je collectie kunt toevoegen.

Luuk de Haan - Straec 26

Een deel van zijn vector-gebaseerde Straec-serie, Straec 26 belichaamt de oorspronkelijke betekenis vastgelegd in een Oudengels woord stræc - iets dat stijf is na uitrekken - aangezien zijn beelden eruitzien als uitgerekt maar stijf. De Haan experimenteerde met het idee van vectoren in zijn vorige geometrisch abstracte serie, aangezien vectoren, als een wiskundige grootheid, een traject naar een punt in een driedimensionale ruimte communiceren. Zijn creatieve proces begint met het kiezen van een kleurenpalet en vervolgens het gebruik van beeldbewerkingssoftware om rechthoeken op een oppervlak te creëren. Deze rechthoeken zijn het uitgangspunt waarvandaan hij zich verdiept in het genereren van willekeurige driehoeken en andere geometrische vormen die de essentie van vectoren oproepen. Geïnspireerd door het geometrisch abstracte werk van Malevich en Mondrian, onthult de Haan treffend zijn minimalistische esthetiek en een compositie die wordt gedefinieerd door zelfverzekerde, geometrische vormen, duidelijke lijnen, gladde oppervlakken die snel resoneren met zijn visuele vocabulaire. De Haan wordt breed gevierd om zijn onderscheidende expressie van het creëren van geometrische composities door gebruik te maken van beeldbewerkingssoftware die hij rechtstreeks van het scherm fotografeert. Hij verandert de fysieke omstandigheden waaronder de foto wordt genomen, waarbij hij de onzekerheid en het onvoorspelbare element van verrassing benadrukt dat wordt onthuld door de interactie met het digitale beeld. De nieuw ontstane beelden boeien de natuurlijke en organische visuele eloquentie evenals een rigoureuze grafische verkenning van vorm, kleur, geometrie en lijn. De Haan werd geboren in Vlaardingen, Zuid-Holland, Nederland. Hij is een visueel kunstenaar en geluidsontwerper. Zijn visuele kunst is afhankelijk van de media van fotografie, tekenen en digitale tools om organische, geometrisch abstracte composities te creëren.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Nieuwe Media Kunst. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Een deel van Kane’s nieuwste Emanations-serie, EM-78 Vajra 3, verkent licht als het meest essentiële aspect van fotografie. Visueel onderzoekend naar de ambiguïteit van de betekenis van het Sanskrietwoord vajra - een mythisch wapen dat door de god Indra wordt gehanteerd en zowel de eigenschappen van een diamant (onvernietigbaarheid) als een bliksemschicht (onweerstaanbare kracht) symboliseert - scant Kane de afbeelding van vajra, vervaagt deze tot de meest beperkte mogelijkheden en rekt deze vervolgens uit totdat er alleen een gedistilleerde afbeelding van kleur en vorm overblijft. Hij maakt zorgvuldig gebruik van computersoftware om het spirituele potentieel van licht als het bepalende element van fotografie uit te drukken. Voor hem is dit een startpunt voor grotere perceptuele ervaringen en zijn intentie met de Emanation-serie was om een uniek spiritueel fenomeen te vertalen naar iets seculiers, hedendaags en universeler. Kane is een Amerikaanse multimedia-artiest wiens werk de grenzen van fotografie, schilderkunst en drukkunst verkent in een poging om het idee van wat een afbeelding is en kan zijn te onderzoeken. Hij woont en werkt in Californië, nabij San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment op canvas. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Een ander kunstwerk van Kane dat deel uitmaakt van zijn nieuwste Emanations-serie, EM2020-59, verkent verder de kwaliteiten van licht als een etherisch element dat de materiële eigenschappen van fotografie naar het metafysische/spirituele rijk transponeert. Een gescande afbeelding van een boeddhistische thangka - een schilderij dat een boeddhistische godheid afbeeldt - is opnieuw vervaagd en uitgerekt, wat resulteert in slechts een gedistilleerde afbeelding van kleur en vorm. Kane drukt deze gereduceerde beelden af op aquarelpapier als elementaire representaties van de lichtlichamen van de Boeddha's die een zegen schenken aan degenen die ze bekijken. Hij interpreteert deze zegeningen als momenten van rust en mindfulness en om dezelfde ervaring van vredigheid en sereniteit teweeg te brengen die een kijker ervaart wanneer hij de kunst van Rothko of Turrell tegenkomt. Kane was diep geïnspireerd door de gedachte dat een levenloos object, gecreëerd door de toepassing van technologie, zo'n gevoel aan een kijker kon schenken.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment op aquarelpapier. 50,8 x 50,8 cm.

Jezus Perea - M338

In zijn zoektocht naar schoonheid door middel van geometrie, Perea onderzoekt de rationele structuur(s) die de onvoorspelbare en affectieve aard van intelligentie onderliggend zijn. Afgedrukt op Hahnemuhle photo rag, belichaamt M338 Perea’s meest unieke manifestatie van grafische abstractie. Hij oscilleert tussen illustratie en expressionisme, waarbij hij de wereld van rede en de wereld van emoties synthetiseert in een expressieve en overtuigende digitale creatie. Gelegen tussen het geometrische en biomorfe, komt er een wiskundige schoonheid van de natuur naar voren die de mysteries van zowel de structuur als de expressie onthult. De levendigheid van zijn digitaal gemaakte werken roept een gevoel van constante beweging op - zelfs wanneer ze voltooid zijn, voelen ze alsof ze leven met potentieel. Hij is opzettelijk op zoek naar beelden die zweven tussen het verleden en de toekomst; tussen de architectonische en natuurlijke werelden. In 2018, na drie jaar uitsluitend een computer te hebben gebruikt als hulpmiddel voor compositie en creatie, voelde hij de behoefte om opnieuw de ritme en ontwikkeling van het combineren van handmatige en digitale creatieve processen te ervaren en M338 exemplificeert zijn terugkeer naar het mengen van twee rijken in zijn eindeloze zoektocht naar schoonheid en pure emotie. Perea is een multidisciplinaire abstracte kunstenaar die woont en werkt in Madrid, Spanje. Samen met Richard Caldicott, Luuk de Haan en Pieter Bijwaard is Perea lid van de hedendaagse abstracte kunstcollectief Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Digitale creatie, afgedrukt op Hahnemuhle Photo Rag van 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Deze nieuwste van Snell onthult ritmische, harmonieuze visuele structuren die een kijker in de verre diepten van pure gedachte transponeren. Hij creëert visuele suggesties die reflectie vertalen naar een authentiek meditatieve staat. Bleed # 202001 onthult de dynamiek van Snell's kleurrelaties die voortkomen uit een combinatie van architectonische aspecten van zijn composities en zijn levendige, lumineuze oppervlakken. De afwezigheid van meta-semantiek en representatie trekt een kijker midden in de primaire en tonale esthetische materie. In deze oervormige ervaring is een kijker ondergedompeld in kleur, ritme en ruimte die zich opent voor zijn/haar interpretatieve reflectie, waardoor het pad naar pure transcendentie wordt vrijgemaakt. Hij vangt een object of locatie met een traditionele camera, decodeert de visuele informatie digitaal en reduceert en vereenvoudigt de kleuren en vormen totdat deze gereduceerde elementen zich ontvouwen in hun zelf-referentiële relaties. Dit ontvouwingsproces brengt de ambiguïteit en overgangstoestanden in kaart die intrinsiek zijn aan het medium. Snell combineert traditionele en digitale technieken om de mogelijkheden van abstractie en minimalisme in hedendaagse foto-media te verkennen. Hij woont en werkt in Launceston, Tasmanië.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Chromogene Afdruk Gezicht-gemonteerd 3mm Matte Plexiglas. 180 x 115 cm.

Uitgelichte afbeelding: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, installatiezicht.
Door Jovana Vuković