Bladeren door de Kunstwerken van het Digitale Abstracte Kunst Rijk

De snelle ontwikkeling van digitale technologie heeft een diepgaande invloed gehad op alle aspecten van ons bestaan en ook de kunst kon nauwelijks gespaard blijven van deze ontwrichtende invloed. Hedendaagse kunst ontstaat door een muisklik - of meer recent, een aanraking op het scherm - terwijl software en apps die kunstenaars in staat stellen te creëren in het digitale domein zich in razendsnel tempo verspreiden. Door haar niet-voorstellende en niet-nabootsende aard heeft abstracte kunst het meest geprofiteerd van deze ongeëvenaarde technologische transformatie. Digitale abstracte kunst bloeit op nu nieuwe softwarefuncties een veelheid aan boeiende esthetische keuzes bieden - slechts een klik verwijderd. De software is onmiskenbaar het centrale middelpunt van digitale abstracte kunst en heeft de grenzen van creativiteit ongeëvenaard doen uitbreiden. Terwijl veel kunstenaars het digitale mengen met traditionele schilderkunst, beeldhouwkunst of fotografie, grijpen zij uiteindelijk terug op software om de essentie van hun werk te construeren en nieuwe artistieke grenzen te verkennen. Hoewel Photoshop, Adobe Illustrator en Corel Painter veel werden gebruikt door realistische en figuratieve illustratoren en fotografen, zijn veel van hun filters (zoals Photoshop Wave) berucht om het creëren van een enorme verscheidenheid aan abstracte patronen. Velen geloven echter dat alleen generatieve algoritmen echte (code-gebaseerde) abstracte kunst kunnen maken en het groeiende aantal hulpmiddelen, programma’s, raamwerken en talen wordt ingezet om dit geloof te ondersteunen. Bij IdeelArt huisvesten we kunstenaars die hun werk omschrijven als nieuwe media kunst en gebruikmaken van de meest uiteenlopende digitale technologieën om dit te creëren. Deze week presenteren we met trots vijf van de meest boeiende digitale abstracte kunstwerken die u aan uw collectie kunt toevoegen.

Luuk de Haan - Straec 26

Als onderdeel van zijn vector-gebaseerde Straec-serie belichaamt Straec 26 de oorspronkelijke betekenis van het Oudengelse woord stræc - iets dat stijf is nadat het is uitgerekt - aangezien zijn beelden uitgerekt maar stijf lijken. De Haan experimenteerde met het idee van vectoren in zijn eerdere geometrische abstracte serie, aangezien vectoren, als een wiskundige grootheid, een traject naar een punt in een driedimensionale ruimte aangeven. Zijn creatieve proces begint met het kiezen van een kleurenpalet en vervolgens het gebruik van beeldbewerkingssoftware om rechthoeken op een oppervlak te creëren. Deze rechthoeken zijn het uitgangspunt van waaruit hij willekeurige driehoeken en andere geometrische vormen genereert die de essentie van vectoren oproepen. Geïnspireerd door het geometrische abstracte werk van Malevich en Mondriaan, onthult de Haan op passende wijze zijn minimalistische esthetiek en een compositie die wordt bepaald door zelfverzekerde, geometrische vormen, heldere lijnen en gladde oppervlakken die levendig resoneren met zijn visuele woordenschat. De Haan wordt algemeen geprezen om zijn onderscheidende manier van het creëren van geometrische composities met behulp van beeldbewerkingssoftware die hij rechtstreeks van het scherm fotografeert. Hij verandert de fysieke omstandigheden waaronder de foto wordt genomen, waarbij hij de onzekerheid en het grillige element van verrassing benadrukt dat wordt onthuld door de interactie met het digitale beeld. De nieuw ontstane beelden boeien door hun natuurlijke en organische visuele welsprekendheid evenals een rigoureuze grafische verkenning van vorm, kleur, geometrie en lijn. De Haan is geboren in Vlaardingen, Zuid-Holland, Nederland. Hij is beeldend kunstenaar en geluidsontwerper. Zijn beeldende kunst maakt gebruik van fotografie, tekenen en digitale middelen om organische, geometrische abstracte composities te creëren.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Nieuwe Media Kunst. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Als onderdeel van Kane’s nieuwste Emanations-serie onderzoekt EM-78 Vajra 3 licht als het meest essentiële aspect van fotografie. Visueel onderzoekt hij de dubbelzinnige tweevoudigheid van de betekenis van het Sanskriet woord vajra - een mythisch wapen gehanteerd door de god Indra dat zowel de eigenschappen van een diamant (onvernietigbaarheid) als een bliksemschicht (onweerstaanbare kracht) symboliseert - Kane scant het beeld van vajra, vervaagt het tot de meest fijne mogelijkheden en rekt het vervolgens uit totdat er alleen een gedistilleerd beeld van kleur en vorm overblijft. Hij maakt nauwgezet gebruik van computerprogramma’s om het spirituele potentieel van licht als het bepalende element van fotografie uit te drukken. Voor hem is dit het beginpunt voor grotere waarnemingservaringen en zijn bedoeling met de Emanation-serie was om een uniek spiritueel fenomeen te vertalen naar iets wereldlijks, eigentijds en universeel. Kane is een Amerikaanse multimedia-kunstenaar wiens werk de grenzen van fotografie, schilderkunst en druktechniek kruist in een poging het idee van wat een beeld is en kan zijn te onderzoeken. Hij woont en werkt in Californië, nabij San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment op doek. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Een ander werk van Kane dat deel uitmaakt van zijn nieuwste Emanations-serie, EM2020-59 onderzoekt verder de kwaliteiten van licht als een etherisch element dat de materiële eigenschappen van fotografie overbrengt naar het metafysische/spirituele rijk. Een gescand beeld van een boeddhistische thangka - een schildering die een boeddhistische godheid afbeeldt - wordt opnieuw vervaagd en uitgerekt, wat resulteert in slechts een gedistilleerd beeld van kleur en vorm. Kane drukt deze gereduceerde beelden af op aquarelpapier als elementaire weergaven van de lichtlichamen van de Boeddha’s die een zegen schenken aan degenen die ze bekijken. Hij interpreteert deze zegeningen als momenten van rust en aandachtigheid en om dezelfde ervaring van vrede en kalmte op te roepen die een toeschouwer ervaart bij het ontmoeten van de kunst van Rothko of Turrell. Kane werd diep geïnspireerd door het idee dat een levenloos voorwerp, gemaakt door toepassing van technologie, zo’n gevoel bij een toeschouwer kan oproepen.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment op aquarelpapier. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

In zijn zoektocht naar schoonheid door middel van geometrie onderzoekt Perea de rationele structuur(en) die ten grondslag liggen aan de onvoorspelbare en affectieve aard van intelligentie. Afgedrukt op Hahnemuhle photo rag, belichaamt M338 Perea’s meest unieke manifestatie van grafische abstractie. Hij beweegt zich tussen illustratie en expressionisme en synthetiseert de wereld van rede en de wereld van emoties in een expressieve en overtuigende digitale creatie. Gevestigd tussen het geometrische en biomorfe, komt een wiskundige schoonheid van de natuur naar voren die de mysteries van zowel structuur als expressie onthult. De levendigheid van zijn digitaal gemaakte werken roept een gevoel van voortdurende beweging op - zelfs wanneer ze voltooid zijn, lijken ze te leven met potentie. Hij jaagt bewust op beelden die zweven tussen verleden en toekomst; tussen de architectonische en natuurlijke werelden. In 2018, na drie jaar uitsluitend een computer te hebben gebruikt als middel voor compositie en creatie, voelde hij de behoefte om opnieuw het ritme en de ontwikkeling van het mengen van handmatige en digitale creatieve processen te ervaren en M338 is een voorbeeld van zijn terugkeer naar het mengen van twee werelden in zijn eindeloze zoektocht naar schoonheid en pure emotie. Perea is een multidisciplinaire abstracte kunstenaar die woont en werkt in Madrid, Spanje. Samen met Richard Caldicott, Luuk de Haan en Pieter Bijwaard is Perea lid van het hedendaagse abstracte kunstcollectief Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Digitale creatie, afgedrukt op Hahnemuhle Photo Rag van 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Dit nieuwste werk van Snell onthult ritmische, harmonieuze visuele structuren die een toeschouwer meenemen naar de diepste diepten van pure gedachte. Hij creëert visuele suggesties die reflectie vertalen naar een authentiek meditatieve staat. Bleed # 202001 toont de dynamiek van Snell’s kleurrelaties die voortkomen uit een combinatie van architectonische aspecten van zijn composities en zijn levendige, lichtgevende oppervlakken. Het ontbreken van meta-semantiek en voorstelling trekt een toeschouwer midden in de oeroude en tonale esthetische materie. In deze oervormige ervaring wordt een toeschouwer ondergedompeld in kleur, ritme en ruimte die openstaan voor zijn/haar interpretatieve overdenking en zo de weg vrijmaken naar pure overstijging. Hij legt een voorwerp of locatie vast met een traditionele camera, decodeert de visuele informatie digitaal en reduceert en vereenvoudigt de kleuren en vormen totdat deze gereduceerde elementen zich ontvouwen in hun zelfreferentiële relaties. Dit ontvouwingsproces brengt de dubbelzinnigheid en overgangstoestanden die eigen zijn aan het medium in kaart. Snell combineert traditionele en digitale technieken om de mogelijkheden van abstractie en minimalisme in hedendaagse fotomedia te verkennen. Hij woont en werkt in Launceston, Tasmanië.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Chromogene afdruk, op mat plexiglas van 3 mm gemonteerd. 180 x 115 cm.

Afbeelding uitgelicht: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, installatiezicht.
Door Jovana Vuković