Hoe Latijns-Amerikaanse kunstenaars onze percepties van moderne kunst hebben veranderd

Een nieuw boek van Alexander Alberro, een professor in de kunstgeschiedenis en afdelingshoofd aan Barnard College, biedt inzichten in de wereldwijde ontwikkeling van abstracte kunst in de 20e eeuw. Getiteld Abstraction in Reverse: The Reconfigured Spectator in Mid-Twentieth-Century Latin American Art, onderzoekt het boek hoe Latijns-Amerikaanse kunstenaars Europese modernisme vanaf de jaren 40 hebben geconsumeerd en daarop hebben gereageerd. In het bijzonder kijkt Alberro naar het werk van belangrijke Latijns-Amerikaanse kunstenaars zoals Jesús Rafael Soto, Julio Le Parc en Tomás Maldonado in de context van hoe deze kunstenaars werden beïnvloed door de filosofieën van de Europese kunstbeweging die bekend staat als Concrete Art. De essentie van Concrete Art is dat esthetische fenomenen rechtstreeks uit de geest van de kunstenaar moeten komen en niet gebaseerd mogen zijn op de natuurlijke wereld. Concrete Art roept op tot het gebruik van pure, universele elementen zoals vlakken, vormen, lijnen en kleuren, en de eliminatie van sentimentaliteit, drama, narratief en symboliek. In wezen verwijst Concrete Art alleen naar zichzelf. De filosofieën van het Concretisme waren aantrekkelijk voor Latijns-Amerikaanse kunstenaars uit het midden van de 20e eeuw die manieren zochten om te reageren op hun snel globaliserende cultuur. Concrete Art bood een strategie om alle mensen met elkaar te verbinden, ongeacht nationaliteit, ras, geslacht of andere kunstmatige differentiatie. Maar zoals Alberro in zijn boek uitlegt, kopieerden de Latijns-Amerikaanse kunstenaars van het midden van de 20e eeuw niet simpelweg het werk van Europese Concrete kunstenaars. Ze namen de basisideeën van Concrete Art en maakten er iets veel complexers van. Terwijl ze evolueerden tot wat Alberro post-Concrete kunstenaars noemt, ontwikkelden deze kunstenaars een esthetische visie die de manier waarop kunst wordt gedefinieerd diepgaand veranderde, en die blijft beïnvloeden hoe we de rol van kunst in ons dagelijks leven vandaag de dag begrijpen.

Productieve Misverstanden

We nemen het vandaag de dag voor lief hoe eenvoudig we toegang hebben tot beelden van over de hele wereld via het internet, en hoe gemakkelijk het is om gedetailleerde beschrijvingen en interpretaties van het werk van kunstenaars te verkrijgen, waar ze ook wonen. Maar zoals Alberro opmerkt, hadden kunstenaars in Latijns-Amerika in de jaren veertig het behoorlijk moeilijk om informatie te verkrijgen over de kunst die op andere plaatsen werd gemaakt. Alberro legt uit dat, toen ze probeerden Europese modernisme te bestuderen, alle Latijns-Amerikaanse kunstenaars eigenlijk alleen zwart-wit kopieën van afbeeldingen van kunstwerken hadden. Deze gedeeltelijke toegang leidde tot wat hij "productieve misinterpretaties" noemt. Bijvoorbeeld, Alberro noemt een anekdote over de kunstenaar Jesus Rafael Soto, en zegt,“Wanneer Soto eindelijk een Mondriaan zag, realiseerde hij zich dat hij het helemaal verkeerd had.”

Kleur is een vitaal element van het werk van Piet Mondrian, maar in een zwart-wit afbeelding gaat dat essentiële element uiteraard verloren. En de slechte kwaliteit reproducties die Soto kon zien, maakten ook dat de oppervlaktestructuur van Europese modernistische schilderijen volledig glad leek. Maar terwijl deze misverstanden Soto en andere Latijns-Amerikaanse kunstenaars verhinderden om de ware esthetische bedoelingen van kunstenaars zoals Mondrian te begrijpen, leidde het er ook toe dat zij hun eigen interpretatie ontwikkelden van de mogelijkheden die in hun werk werden onthuld. Ze interpreteerden een beperkte kleurenpalet en gladde oppervlakken als uitspraken van ware moderniteit, gezuiverd door vereenvoudiging. En ondanks hun misverstanden begrepen ze het meest essentiële element van Concrete Kunst: dat een kunstwerk zijn eigen logica bezit die kan worden begrepen zonder het te relateren aan enige a priori interpretaties van betekenis.

Tomas Maldonado - Anti-Corpi Cilindrici, 2006 (links) en Untitled (rechts), © Tomas Maldonado

Buiten het concretisme

Het idee van betekenis was van groot belang voor de post-Concrete kunstenaars in Latijns-Amerika. In het verleden was de meest voorkomende manier om kunst te conceptualiseren, te denken aan kunstenaars die iets van tevoren in een studio creëerden en dat kunstobject later tentoonstelden op een speciale plek waar kijkers het konden overdenken. De kunstenaar was een maker van een object, en dat object was doordrenkt met betekenis terwijl het werd gemaakt, en die betekenis was onlosmakelijk verbonden met de plaats, tijd en omstandigheden waaronder het kunstwerk werd gemaakt. De kijkers waren daarom secundair in belang ten opzichte van het kunstwerk. Ondanks welke persoonlijke interpretaties ze ook geneigd zijn aan te bieden bij het bekijken van de kunst, werden ze uiteindelijk altijd gedwongen om de interpretatie te accepteren die door de kunstenaar of door officiële vertegenwoordigers zoals critici, historici of academici werd voorgesteld. En zelfs Concrete Kunst, ondanks de moderne benadering, omarmde nog steeds het idee van kunstenaars als objectmakers en kijkers als objectoverdenkers.

Maar volgens Alberro draaiden de Latijns-Amerikaanse post-Concrete kunstenaars dit idee om. Ze verwierpen het idee dat de betekenis van een kunstwerk voorafgaand aan de tentoonstelling in het werk was geïnjecteerd. Ze stelden zich voor dat de creatie van een kunstwerk misschien slechts de eerste stap is naar de ervaring van betekenis die uiteindelijk kan voortvloeien uit het bestaan ervan. Bij het beschrijven van deze filosofische verandering introduceert Alberro de term "esthetisch veld." Hij beschrijft het esthetisch veld als de omstandigheden waaronder een kunstwerk en een toeschouwer samenkomen. Het esthetisch veld omvat een fysieke ruimte, zoals een galerie of een openbaar plein; de omstandigheden binnen die ruimte, zoals de verlichting, het klimaat of het omgevingsgeluid; het kunstwerk, natuurlijk, evenals de toeschouwer; en het omvat ook driedimensionale en vierdimensionale realiteit, wat betekent dat het niet alleen vaste objecten in de ruimte omvat, maar ook de ervaringen en relaties die zich in de tijd tussen die objecten afspelen.

Julo Le Parc - Alchimia, 1997, Acryl op papier, 22 4/5 × 31 1/2 in, 58 × 80 cm, foto credits Galeria Nara Roesler

De Stof van de Wereld

Met andere woorden, Alberro stelt dat door het kunstwerk als slechts één element van een dynamische ervaring te plaatsen die zich binnen het esthetische veld voordoet, Latijns-Amerikaanse post-Concreet kunstenaars de kunst opnieuw in de menselijke samenleving hebben geïntegreerd. In plaats van dat kijkers de betekenis van een kunstwerk overdenken, konden ze nu samenwerken met het kunstwerk om een betekenis te construeren die flexibel en ephemer is. En in plaats van dat een kunstwerk op zichzelf bestaat als een gedefinieerd object, konden situaties worden geconstrueerd waarin een kunstwerk simpelweg één element is van de grotere structuur van de zich ontvouwende realiteit. Natuurlijk kan het kunstwerk nog steeds zijn eigen gedefinieerde aspecten hebben, zoals een bepaalde schikking van vormen of kleuren, maar die aspecten kunnen nu een verschuivend niveau van belangrijkheid hebben, afhankelijk van hoe ze worden waargenomen door toeschouwers binnen het esthetische veld.

Dat verschuivende systeem van relaties tussen kunstobjecten en kijkers betekende dat elk werk van post-Concrete kunst gedefinieerd kon worden als een dynamisch, kinetisch element van een grotere sociale ervaring, die prioriteit heeft boven het kunstwerk zelf. Een van de belangrijkste voorbeelden die Alberro biedt van een kunstenaar die deze evolutie in denken demonstreerde, is Jesus Rafael Soto. Iedereen die bekend is met de Penetrables die Soto creëerde tijdens de volwassen fase van zijn carrière, zal zeker begrijpen waarom. Soto construeerde zijn Penetrables uit een veelheid van hangende plastic koorden. Door delen van de koorden te kleuren, kon hij de indruk wekken van een solide vorm die in de ruimte hing. Maar in plaats van simpelweg een Penetrable te bewonderen en te overdenken, worden kijkers aangemoedigd om de jungle van koorden binnen te lopen, waardoor de koorden in beweging worden gezet en de illusie van een solide object wordt vernietigd. Elke kijker ervaart een scala aan sensaties die verder gaan dan het visuele, zoals aanraking, geur en gehoor. De persoonlijke ervaring die elke kijker dus heeft met een Penetrable leidt die kijker naar een unieke empirische beoordeling van de betekenis van het werk—een betekenis die het werk overstijgt en spreekt tot de grotere ervaring van het leven die die kijker heeft.

Jesus Rafael Soto - Courbes Immaterielles, 1982, Hout en aluminium, 98 2/5 × 196 9/10 in, 250 × 500 cm, foto credits La Patinoire Royale, Brussel

De Post-Beton Erfenis

Naast het belichten van een onderschat aspect van de geschiedenis van de modernistische kunst, biedt Abstraction in Reverse ook een beter begrip van een hedendaagse discussie over de functie van kunst in de samenleving. Met andere woorden, er is eigenlijk geen algemene overeenstemming over wat de functie van kunst is, of het feitelijk een unieke functie heeft. Politici beweren dat kunstonderwijs geen kwantificeerbare voordelen heeft. Ondertussen bloeit de kunstmarkt, en wordt deze tegelijkertijd bekritiseerd omdat ze de snel stijgende commerciële waarde van kunst prioriteit geeft. De mainstream kunstkritiek is verworden tot weinig meer dan een reeks ofwel denigrerende commentaren of opgeblazen lofuitingen, gebaseerd op niets anders dan de persoonlijke smaken van kunstschrijvers. Ondertussen lijkt niemand bereid of in staat te zijn om de universele waarde van esthetische fenomenen in de bredere context van onze tijd te verwoorden.

Misschien is kunst niet uniek in zijn veronderstelde functie als leverancier van betekenis. Immers, als de betekenis en het doel van een kunstwerk worden bepaald door toeschouwers binnen het esthetische veld, betekent dat dat het ene kunstwerk kan worden vervangen door een ander kunstwerk zonder dat de algehele ervaring in het gedrang komt. In dat geval, zou het kunstwerk vervangen kunnen worden door een voetbalwedstrijd, een vuurwerkshow of een politieke toespraak? Zou het eindresultaat van toeschouwers die betekenis construeren hetzelfde zijn? Wat dit boek inzichtelijk suggereert, is dat de Latijns-Amerikaanse post-Concreet kunstenaars iets hebben gezien dat wij pas bijna een eeuw later volledig beginnen te begrijpen: dat kunst kan helpen bij de constructie van een esthetisch fenomeen, maar het is hoogstwaarschijnlijk de gemeenschappelijke sociale ervaring van mensen die samenkomen om dat esthetische fenomeen te delen die resulteert in de constructie van betekenis, niet de kunst zelf.

Julio Le Parc - Wand met reflecterende lamellen, 1966-2005, Staal, hout, licht, 90 3/5 × 103 9/10 × 31 1/2 in, 230 × 264 × 80 cm, foto credits Galeria Nara Roesler

Uitgelichte afbeelding: Jesus Rafael Soto - Vibrations, 1967, Zeefdruk op Plexiglas, acryl, 11 3/5 × 16 1/2 × 3 1/10 in, 29,5 × 42 × 8 cm, foto credits Galerie Hans Mayer, Düsseldorf

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio