Mnuchin Gallery Vindt Dat Het Tijd Is Dat U Over Mary Lovelace O'Neal Hoort
Mnuchin Galerie in New York kondigde onlangs aan dat zij begin 2020 Chasing Down the Image zal presenteren, een solotentoonstelling die de gehele loopbaan van Mary Lovelace O’Neal volgt. Dit is geweldig nieuws voor liefhebbers die het opmerkelijke werk van O’Neal al een halve eeuw volgen. Maar diezelfde liefhebbers kunnen ook verbaasd zijn over de taal die de galerie gebruikt om de tentoonstelling te promoten. In een recent interview met artnet news stelde Mnuchin Galerie-partner Sukanya Rajaratnam de tentoonstelling voor als een kans om een kunstenaar te herontdekken die door de geschiedenis over het hoofd is gezien. Dat lijkt een vreemde opmerking over een kunstenaar die sinds haar inschrijving bij de kunstafdeling van Howard University in 1960 consequent haar werk maakt en tentoonstelt. O’Neal kreeg in 1963 een prestigieuze beurs voor de Skowhegan School of Painting and Sculpture en behaalde daarna haar MFA aan Columbia in New York, waar ze een eigen visuele stem ontwikkelde die haar in 1979, toen ze pas 37 was, een solotentoonstelling opleverde in The Museum Of Modern Art San Francisco. Vervolgens gaf ze les aan enkele van de meest vooraanstaande kunstopleidingen in de VS, waaronder de University of Texas in Austin, het San Francisco Art Institute en de University of California, Berkeley, waar ze de eerste zwarte vrouw werd met een vaste aanstelling. Gedurende haar hele loopbaan heeft O’Neal haar werk uitgebreid geëxposeerd, bijna elk jaar, inclusief meerdere extra solotentoonstellingen in musea. Ze heeft ook de Verenigde Staten vertegenwoordigd op ongeveer een half dozijn internationale kunstbiënnales. Ik werd voor het eerst bewust van haar werk in 2009 toen ik in San Francisco woonde. Ik werd berispt omdat ik haar toen nog niet kende – ze is een legende voor veel Californische inwoners. Dus hoewel ik het absoluut geweldig vind dat Mnuchin O’Neal toont, wat betekent het voor een kunstenaar die er altijd al was om herontdekt te worden?
Een meester in figuratieve abstractie
O’Neal wijst op twee grote invloeden in haar kunst: Abstract expressionisme en minimalisme. Ze waardeert de gebarenrijke, textuurrijke kakofonie die abstract expressionisten als Willem de Kooning en Franz Kline oproepen, en merkt op hoe hun werkwijzen het mogelijk maken om de “ontastbare” aspecten van het menselijk leven uit te drukken. Ze bewondert ook de stilte van het minimalisme, dat een contrasterend evenwicht biedt aan haar werk. Tijdens haar tijd in Skowhegan in de jaren zestig kwam O’Neal voor het eerst in aanraking met een medium genaamd roet – een soort koolstofresidu dat soms als verfpigment wordt gebruikt. Jaren later realiseerde ze zich dat ze door het ruwe pigment direct in het oppervlak van een doek te wrijven, emotionele fysieke gebaren kon gebruiken – een ideaal van het abstract expressionisme – om totale vlakheid te creëren – een ideaal van het minimalisme. Haar “Lampblack”-schilderijen brachten haar voor het eerst brede publieke aandacht.
Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, jaren 70. © Mary Lovelace O’Neal. Met dank aan Mnuchin Galerie, New York
Even belangrijk als haar beheersing van medium-specifieke technieken is de diepgang van haar compositiegevoel. Perfect geplaatste gebaren en kleuren spelen samen met het roet om droomachtige innerlijke werelden op te roepen waar spookachtige figuratieve indrukken schuilgaan in de abstracte nevel. Spaarzaam geplaatste lijnen creëren talloze waarnemingszones in “Black Glitter Nights” (jaren 70); lichtheid en zwaarte duwen tegen elkaar in “Last Lay up” (1979); sluipende angst dringt zich op aan openheid en speelsheid in “She thought she could fool the zebra with powder and paint” (2007). In “See, so heaven can hear you” (2007), een van haar meest meesterlijke uitingen van wat losjes als figuratieve abstractie kan worden omschreven, lijken dansende figuren te trillen te midden van een uitbarsting van vurige roodtinten die uit de duisternis komen. Wat voorkomt dat deze schilderijen puur figuratief zijn, is het mysterie dat ze behouden. Dit mysterie is ook altijd essentieel geweest voor O’Neal zelf, die zegt: “Als ik niet verrast kon worden door wat ik maak, zou ik het waarschijnlijk niet doen.”
Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offsetlitho en zeefdruk; vel (onregelmatig): 28 1/8 × 32 1/8 inch. Saint Louis Art Museum, The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection, schenking van Ronald en Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal
Het argument voor herontdekking
Hoewel O’Neal haar werk gedurende haar hele loopbaan gestaag heeft ontwikkeld en nooit echt is gestopt met exposeren, draait het argument van Rajaratnam dat O’Neal verwaarloosd is om twee punten. Ten eerste heeft O’Neal in 25 jaar geen solotentoonstelling in New York gehad. Rajaratnam zei tegen artnet news: “Misschien heeft het feit dat ze aan de westkust woont, een vaste aanstelling heeft en uiteindelijk hoofd werd van de kunstafdeling aan UC Berkeley, haar afgeschermd van de grotere kunstwereld.” Toch had O’Neal in diezelfde periode van 25 jaar solotentoonstellingen in San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson (Mississippi) en Santiago (Chili). Wat wordt dan bedoeld met de “grotere kunstwereld”? Het lijkt erop dat Rajaratnam het heeft over de kleinere kunstwereld: diegene die de achterhaalde opvatting omarmt dat elke stad buiten New York provinciaal is en dat tentoonstellen in die andere steden gelijkstaat aan over het hoofd gezien worden.
Mary Lovelace O’Neal - Running with Black Panthers and White Doves (midden jaren 80 / begin jaren 90). © Mary Lovelace O’Neal Met dank aan Mnuchin Galerie, New York
Het tweede argument dat Rajaratnam aanvoert voor het over het hoofd gezien zijn van O’Neal heeft te maken met haar afwezigheid in de discussie rond de reizende tentoonstelling Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, die hernieuwde aandacht heeft gebracht voor het werk van vele andere zwarte Amerikaanse kunstenaars uit het tijdperk van de burgerrechtenbeweging. “Het is een nalatigheid die rechtgezet moet worden,” zegt Rajaratnam. Dit punt kan terecht zijn. Die tentoonstelling is echter de visie van één curatorteam, niet de officiële geschiedenis. En terwijl die tentoonstelling rondreisde, was O’Neal opgenomen in zulke opmerkelijke tentoonstellingen als The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection in het Saint Louis Art Museum, en Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, een tentoonstelling die volledig draaide om het werk van zwarte vrouwelijke abstracte kunstenaars en die debuteerde in het National Museum of Women in the Arts in Washington D.C., en daarna reisde naar het Kemper Museum of Contemporary Art in Kansas City, Missouri en het Museum of Fine Arts St. Petersburg. Rajaratnam geeft toe dat ze voor het eerst van O’Neal hoorde in 2019, toen het Baltimore Museum of Art een van haar schilderijen aankocht. Maar zeggen dat een kunstenaar over het hoofd is gezien alleen omdat jij persoonlijk nog nooit van haar hebt gehoord, doet geen recht aan het feit dat tienduizenden liefhebbers O’Neal al decennia kennen en bewonderen. Er zijn tegenwoordig veel kunstenaars actief. Het meeste werk is voor de meeste kijkers nieuw. Niemand kent iedereen. Kunnen we manieren vinden om de prestaties van oudere kunstenaars die nieuw voor ons zijn te vieren zonder te doen alsof niemand anders ooit van hun werk heeft gehoord?
Afbeelding: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Met dank aan Mnuchin Galerie, New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie
Door Phillip Barcio
