Buitenstaanders Kunstenaars Wiens Werk Als Abstract Wordt Gezien

Outsider art is een allesomvattende term die kunstenaars beschrijft die buiten de formele kunstwereld werken. Outsider kunstenaars zijn vaak autodidacten. Soms werken ze in volks tradities. Andere keren zijn ze geïnstitutionaliseerd, hetzij omdat ze criminele daden hebben gepleegd, hetzij omdat ze bepaalde mentale realiteiten onder ogen zien die hen ernstig kwetsbaar of mogelijk gevaarlijk maken. Afgezien van de esthetische rauwheid, is wat vaak fascinerend is aan outsider art de ambiguïteit of onbekende intentie van de kunstenaars. Formeel opgeleide kunstenaars, of ze nu voor een carrière gaan of gewoon voor een hobby, zijn bijna altijd in staat, en soms zelfs bereid, om over hun kunst te praten, hun intenties uit te leggen en het te rechtvaardigen aan degenen die het niet begrijpen. Maar outsider kunstenaars zoeken geen validatie en bieden bijna altijd geen rechtvaardiging. Ze maken kunst om hun redenen, die normaal gesproken niets te maken hebben met de rest van ons. Herinner je je de eerste keer dat je kunst maakte? Waarom deed je het? Was het een instinct? Was je op zoek naar iets, zoals schoonheid? Of was je gewoon aan het spelen? Die vroegste artistieke impuls—de ongeremde, onschuldige vonk van creativiteit die ons aanspoort om iets visueels te manifesteren—dat is wat we zo vaak zien in outsider art. Ter viering van de rijke geschiedenis van outsider art, lichten we vandaag zes abstracte outsider kunstenaars voor je uit. Hun intenties zijn misschien niet duidelijk, en de betekenis van hun werk zal misschien nooit overeenkomen. Maar in hun esthetische creaties zien we iets intuïtiefs en puur, en primair voor de functie van abstractie in de kunst.

Anna Zemankova

Tragedie, spiritualiteit en de schoonheid van de natuur beïnvloedden het werk van Anna Zemánková. Geboren in 1908 in Moravië, dat deel uitmaakt van het moderne Tsjechië, leerde ze zichzelf landschapschilderen in haar 20s. Maar pas in haar 50s, nadat ze in een diepe depressie was geraakt na verschillende verhuizingen en de dood van een van haar kinderen, keerde ze terug naar de kunst. Terwijl ze schilderde, geloofde ze dat ze verbonden was met spirituele krachten en dat ze magnetische energie aanboorde die niet objectief kon worden weergegeven. Om de krachten waarmee ze communiceerde uit te drukken, schilderde ze abstracte composities die losjes geïnspireerd waren door de patronen, vormen en kleuren die ze in de natuur waarnam, met name in bloemen. Haar schilderijen zijn waar ze het meest bekend om is, maar naast schilderijen maakte ze ook uitgebreide lampenkappen, waarbij ze gaten in de kappen prikte om abstracte patronen met licht te creëren.

Anna Zemánková - Ongetiteld, jaren 80, satijnen collage en gecombineerde technieken op papier (Links) en Ongetiteld, pastel op papier, jaren 70 (Rechts)

Pascal Tassini

De Belgische kunstenaar Pascal Tassini ontdekte zijn passie voor het maken van kunst laat in zijn leven. Door een levenslange obsessieve aandoening was hij niet in staat om volledig voor zichzelf te zorgen en woonde hij als volwassene bij zijn ouders totdat zij overleden. Toen nam een van zijn broers de zorg voor hem over en introduceerde hem bij de Créahm Workshop in Luik, België. In het begin was Pascal tevreden met het schoonmaken en organiseren van het centrum, maar al snel raakte hij geïnspireerd om kunst te maken. Hij schilderde en tekende in het begin, maar begon toen complexe objecten van stof te creëren. Hij wikkelde vaak de verschillende items die hij vond of die hem als geschenken werden gegeven. Met een techniek die hij zelf had bedacht, bouwde hij zelfs een studio-tent voor zichzelf waarin hij werkt. Bezoekers die hem willen zien, moeten hem eerst de tijd geven om een labjas aan te trekken en hun pols te meten, zodat hij hen van hun kwalen kan genezen voordat ze zijn studio binnen kunnen.

Pascal Tassini - Ongetitelde textielassemblages

Pascal Tassini - Ongetitelde textielassemblages

Eugène Andolsek

Net als veel buitenstaanders beschouwde Eugene Andolsek zichzelf nooit als een kunstenaar. Hij tekende met pennen op ruitjespapier ter ontspanning aan zijn keukentafel als een onderbreking van het dagelijks leven. Decennialang verzamelde hij zijn spectaculaire geometrische tekeningen in een kist terwijl hij werkte als spoorwegstenograaf en voor zijn zieke moeder zorgde. Nadat hij met pensioen was gegaan en zijn moeder was overleden, verloor hij uiteindelijk zijn gezichtsvermogen en moest hij zichzelf in een zorginstelling opnemen. Daar ontdekte een medewerker zijn kunstwerken en herkende het als iets bijzonders. In 2005, op 84-jarige leeftijd, drie jaar voordat hij stierf, zag Eugene zijn werk voor het eerst tentoongesteld in het American Folk Art Museum. Hij was verrast door de positieve aandacht die zijn schilderijen kregen, aangezien hij ze eerder beschouwde als misschien nuttig als kleurrijke placemats.

Eugene Andolsek - Twee ongetitelde geometrische abstracte inkttekeningen op ruitjespapier

Judith Scott

De abstracte sculpturale creaties van Judith Scott bieden een hartverscheurend krachtige uitdrukking van de menselijkheid van deze outsider kunstenaar. Geboren doof, stom en met het syndroom van Down, heeft Judith bijna de eerste vier decennia van haar leven onder erbarmelijke omstandigheden in verschillende instellingen geleefd. Uiteindelijk, in 1986, op 44-jarige leeftijd, nam haar tweelingzus de voogdij over Judith op zich en bracht haar mee naar huis in Oakland, Californië. Daar kon Judith zich inschrijven voor lessen in het Creative Growth Art Center. Daar begon ze voor het eerst kunst te maken. Ze verzamelde verschillende objecten en wikkelde ze in ingewikkelde netwerken van vezels totdat hun vorm onduidelijk werd. De resulterende sculpturen weerspiegelen soms wel en soms niet de vorm van het object waarmee ze begon. Hoewel ze op cocons lijken, is het nauwkeuriger te zeggen dat ze een tegenovergesteld, maar desalniettemin transformerend proces hebben ondergaan. Het is alsof door bedekt te zijn, hun essentiële aanwezigheid is onthuld.

Vezel-gecoate abstractie door Judith Scott (Links) en Judith Scott met een van haar creaties (Rechts)

Tetsuaki-Hotta

De Japanse kunstenaar Tetsuaki Hotta werd op 19-jarige leeftijd geïnstitutionaliseerd vanwege wat werd beschreven als een mentale handicap. Maar toen hij kunstlessen begon te volgen in de instelling waar hij verbleef, werd al snel duidelijk dat zijn vermogen voor geavanceerd abstract denken intact was. Sinds 1970 schildert Hotta uitsluitend abstracte geometrische composities die op huizen lijken. Hij is volledig ongeïnteresseerd in de vormen die in zijn werken aanwezig zijn. Hij gebruikt de composities puur als onderzoeken van kleur en ruimte op een vlakke oppervlakte. Samen gezien zijn deze expressieve, intuïtieve schilderijen als de outsider kunstversie van het werk van de Duits-Amerikaanse kunstenaar en docent Josef Albers, die zijn leven lang op een vergelijkbare manier kleur onderzocht via zijn Homage to the Square serie.

Tetsuaki Hotta - kunstwerk

Dan Miller

De in Californië geboren Dan Miller groeide op aan de overkant van de baai van San Francisco in een stad genaamd Castro Valley. Geboren met autisme, vond hij, net als Judith Scott, zijn artistieke roeping in het Creative Growth Art Center in Oakland. Dan Miller is gefocust op tekst, waarbij hij het niet zozeer gebruikt als een expressieve entiteit op zich, maar eerder als een esthetisch medium waardoor compositie en esthetische betekenis kunnen worden geproduceerd. Zijn composities hebben vergelijkingen opgeroepen met de werken van de abstracte kunstenaar Cy Twombly, die ook glyphische vormen en spaarzame kleurenpaletten in zijn schilderijen gebruikte. In tegenstelling tot Twombly put Miller echter uit daadwerkelijke tekst, afkomstig uit zijn innerlijke wereld, en laagt deze voortdurend totdat het een punt bereikt dat verder gaat dan leesbaarheid. Zijn werk is breed geprezen en is zelfs opgenomen in het New York MoMA.

Dan Miller - Ongecategoriseerd, UD, acryl, marker op papier, 57 x 76 in

Dan Miller - Ongetiteld (wit op zwart), 2013, acryl en inkt op papier, 56 x 76 in

Essentiële instincten

Tijdens ons onderzoek voor dit artikel stuitten we op het fascinerende verhaal van de Britse zoöloog Desmond Morris. Naast zijn werk als wetenschapper was Morris een buitenstaander Surrealistische kunstenaar. Hij toonde zijn kunst in Londen in de late jaren 1940 en vroege jaren 50. Maar zijn grootste bijdrage aan de kunst kwam tot stand toen hij in 1957 de abstracte schilderijen tentoonstelde van een van zijn collega's van zijn dagelijkse werk: een chimpanse genaamd Congo. Het idee van abstracte kunst gemaakt door een chimpanse kan belachelijk klinken. Het kan zelfs beledigend lijken. Maar enkele van de beroemdste kunstenaars ter wereld zochten Desmond Morris op om schilderijen van Congo te verwerven. Salvador Dali en Pablo Picasso bezaten elk een, en Joan Miro ruilde zelfs een van zijn eigen werken met Morris in ruil voor een schilderij van Congo.

Wat Dali, Picasso en Miro begrepen, was dat mensen een primaire, abstracte esthetische drang delen met andere dieren. De creatieve daad is ons universele erfgoed als bewoners van deze planeet. Veel verschillende dieren vinden plezier in het verkennen van patroon, vorm, lijn, kleur, textuur en compositie. Dali ging zelfs zo ver te zeggen dat de chimpansee schilderde als een mens, en dat Jackson Pollock schilderde als een dier. Misschien spreekt dat voor waarom we zoveel plezier beleven aan het werk van autodidactische kunstenaars en andere mensen die outsiderkunst maken. Ze vertegenwoordigen onze hoop dat er iets puur, rauw, primair, essentieel en universeel is aan ons allemaal, en dat het kan worden uitgedrukt, en mogelijk begrepen, door middel van kunst.

Uitgelichte afbeelding: Judith Scott - Een van haar in vezels verpakte abstracties
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio