De Coole Jaren in LA en De Vroege Werken van Judy Chicago

Judy Chicago behoort zonder twijfel tot de meest invloedrijke kunstenaars van vandaag. Haar monumentale installatie “Dinner Party” (1974-79), deels een Minimalistisch icoon en deels een Feministisch meesterwerk, inspireerde zowel kritiek als lof en vestigde haar als een culturele pionier. Toch zijn er velen die nog onbekend zijn met haar vroege werk. Chicago is sinds de jaren '70 zo'n vitale en productieve lid van de avant-garde dat veel van haar experimentele werken uit de jaren '60 nooit zijn gezien door hedendaagse kijkers, inclusief veel van haar grootste fans. Gelukkig organiseert de Villa Arson in Nice, Frankrijk, deze zomer, in afwachting van een retrospectief van Judy Chicago dat in december opent in het Miami MOCA tijdens Art Basel Miami Beach, een innovatieve tentoonstelling die tot doel heeft haar vroege experimenten weer in het licht te brengen, om ze de waardering te geven die ze verdienen. Getiteld Los Angeles, de coole jaren / Judy Chicago, biedt de tentoonstelling een gedetailleerde en intieme kijk op de vele esthetische fasen die Chicago doorging voorafgaand aan de creatie van “Dinner Party.” Het toont het ongelooflijke scala aan ideeën dat deze kunstenaar ontwikkelde tijdens dat vitale decennium en biedt een glimp van een onmiskenbaar genie dat volledig toegewijd was, en nog steeds is, aan openheid en groei.

De kracht van een naam

Judith Sylvia Cohen werd geboren in Chicago, Illinois, in 1939. Haar vader, Arthur Cohen, was een liberale en open-minded rabbi die zowel Judy als haar broer een waardering voor de kunsten en muziek bijbracht, evenals een waardering voor gendergelijkheid en respect voor de rechten van arbeiders. Judy was pas vijf jaar oud toen ze voor het eerst lessen begon te volgen aan het Art Institute of Chicago. Maar helaas stierf haar vader toen Judy pas 13 jaar oud was. Vijf jaar later verliet Judy haar geboorteplaats en verhuisde naar Californië, waar ze zich inschreef als kunststudent aan UCLA. Daar ontmoette ze haar eerste echtgenoot, Jerry Gerowitz, die tragisch genoeg slechts vijf jaar later omkwam bij een auto-ongeluk, waardoor Judy op 23-jarige leeftijd weduwe werd. Naast deze verwoestende verliezen, van haar vader en eerste echtgenoot, vond Judy zichzelf geconfronteerd met de wrede, ironische gedachte dat de enige namen waarmee ze ooit bekend was geweest, toebehoorden aan mannen. Ondanks haar liefde voor hen, had ze er een hekel aan dat ze nooit de kans had gehad om haar eigen identiteit te kiezen.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spuitverf op Corvair motorkap, 109 x 109 x 71,1 cm. Met dank aan de kunstenaar en Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Terwijl ze werkte aan haar masterdiploma, worstelde Judy om te begrijpen wat haar ware identiteit was, en vroeg ze zich af hoe ze zichzelf moest noemen. Rond 1965 begon ze met een serie schilderijen op motorkappen die symbologie bevatten met betrekking tot genderrollen en seksualiteit. Het oppervlak spreekt ondertussen pijnlijk over de omstandigheden waarin haar liefde recentelijk was gestorven. In 1967 werd een essay van Lucy Lippard en John Chandler getiteld "The Dematerialization of Art" gepubliceerd, wat Judy inspireerde om na te denken over de ware waarde van concrete objecten, en in dat opzicht materiële labels met betrekking tot identiteit. Ze gaf in 1969 stem aan haar ideeën over het onderwerp met een serie Atmosphere-werken, waarin vuurwerk wolken van vluchtige rook creëerde. Tegen 1970 had haar werk haar geholpen een moment van besluitvaardigheid te bereiken. Ze liet haar verleden achter zich en kwam naar voren als een meer zelfverzekerde, zelfgeactualiseerde kunstenaar. Ter viering plaatste ze een advertentie in Artforum en hing tegelijkertijd een spandoek op bij een van haar solo-exposities, waarop stond: "Judy Gerowitz ontheft zichzelf hierbij van alle namen die haar zijn opgelegd door mannelijke sociale dominantie en kiest haar eigen naam, Judy Chicago."

Judy Chicago - Avondwaaier uit de Fresno Fans serie, 1971. Gespoten acrylverf op acryl, 152,4 x 304,8 cm. Met dank aan de kunstenaar en Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle Vormen en Kleuren

Naast de zeer persoonlijke werken die Judy Chicago in de jaren zestig maakte, creëerde ze ook verschillende series die zich bezighielden met de meer academische kwesties die op dat moment in de kunstwereld speelden. De huidige tentoonstelling in Villa Arson in Nice reconstrueert verschillende van die baanbrekende stukken. Een daarvan is "Feather Room" (1967), een witte kubus galerieruimte gevuld tot knieënhoog met veren. Een ander, getiteld "Rearrangeable Rainbow Blocks" (1965), biedt een speelse, op spel gebaseerde kijk op Minimalisme, die het stoïcijnse, door mannen gedomineerde perspectief van kunstenaars zoals Donald Judd tegenwerkt met iets vloeibaars, creatiefs en open. Het samen zien van deze werken naast haar motorkapstukken en beelden van haar Atmospheres-serie biedt een veel complexer beeld van Chicago dan de meeste andere tentoonstellingen in het verleden hebben geboden. Deze tentoonstelling portretteert een geestige, intelligente, zeer conceptuele persoon die niet bang is om zowel haar intellectuele kant als haar poëtische, menselijke kant te uiten. Het is een show rijk aan gevoel en vol hart, die ons de sympathieke, goed afgeronde blik op Chicago geeft die deze kunstenaar verdient.

Judy Chicago - Herconfigureerbare Regenboog Blokken, 1965. Lak op aluminium, 12 elementen: 6 blokken 30,5 x 30,5 x 121,9 cm en 6 blokken 61 x 61 x 30,5 cm. Courtesy van de kunstenaar en Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Bovendien heeft Géraldine Gourbe, de curator van deze tentoonstelling, het innovatieve idee nagestreefd om opnieuw na te denken over wat de beperkingen van een solo-tentoonstelling meestal zijn. Ze noemt deze show "een monografische en collectieve tentoonstelling" en heeft deze samengesteld vanuit het perspectief dat we het werk dat Chicago maakte tijdens deze essentiële periode in haar leven niet echt volledig kunnen waarderen zonder ook enkele belangrijke werken van een aantal tijdgenoten te zien die haar rechtstreeks hebben beïnvloed. Ik hou van dit idee, dat een solo-tentoonstelling ook gewoon een kleine selectie van werken van andere kunstenaars kan bevatten die de uitgelichte kunstenaar hebben geïnspireerd om de werken te maken die te zien zijn. In dit geval zijn de andere werken die te zien zijn van Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill en DeWain Valentine, elk een innovator op hun eigen manier. Ze helpen te demonstreren dat, ondanks dat ze door enkele intens persoonlijke omstandigheden gingen, Chicago niet in een vacuüm werkte of dacht. Bovendien doen ze niets om Chicago te verminderen, maar verheffen ze haar genialiteit door precies aan te geven hoe zij zich onderscheidde van de andere briljante kunstenaars van haar generatie, zelfs terwijl zij hielpen haar visie te vormen. Als je deze zomer of herfst in Frankrijk bent en deze buitengewone tentoonstelling zelf wilt ervaren, Los Angeles, de coole jaren / Judy Chicago is te zien in Villa Arson Nice tot 4 november 2018.

Uitgelichte afbeelding: Judy Chicago - Model voor Fresno Fan #6, 1971. Gespoten acrylverf op acryl, afmetingen ingelijst: 38,1 x 76,2 cm. Met dank aan de kunstenaar en Salon 94, New York. ADAGP 2018

Door Phillip Barcio