Waarom Gauguin's Visie Na de Preek Belangrijk Was voor Abstracte Kunst

Paul Gauguin schilderde Visie na de Preek in 1888. Het was een religieus werk, dat als uitgangspunt een verhaal uit de Christelijke Bijbel nam. Het verhaal komt uit het boek Genesis, hoofdstuk 32, verzen 22 tot en met 31. Het betreft het personage Jacob, die later Israël genoemd zou worden, en die wordt beschouwd als de historische voorvader van de Israëlieten. De verzen luiden als volgt: “Diezelfde nacht stond hij op en nam zijn twee vrouwen, zijn twee slavinnen en zijn elf kinderen, en stak de doorwaadbare plaats van de Jabbok over. Hij nam hen en stuurde hen over de stroom, en alles wat hij had. En Jacob bleef alleen; en een man worstelde met hem tot de dageraad.” De algemene poëtische of filosofische interpretatie van deze scène is dat het gaat om een man die, zo te zeggen, met zijn demonen worstelt. De man, Jacob, worstelt met wat blijkbaar een engel is, een vertegenwoordiger van de goddelijke. De Jabbok-rivier (ook wel de Jordaan genoemd) scheidt Jacob van Kanaän, of het Beloofde Land. Dus Jacob probeert in wezen op de ouderwetse manier vrede te sluiten tussen de betere en slechtere elementen van zijn menselijke natuur, zodat hij verder kan met het eenvoudig leven van een fatsoenlijk leven. Het is een fascinerend onderwerp dat Gauguin heeft gekozen voor dit schilderij, omdat het schilderij zelf een soortgelijke interpretatie heeft ontwikkeld onder kunsthistorici. Het wordt beschouwd als een keerpunt in de Post-Impressionistische mars naar abstractie. Het is een passend onderwerp voor een schilderij dat een cruciale rol speelt in het proces van kunstenaars die met hun demonen worstelen terwijl ze proberen vrede te sluiten met wat kunst zou moeten zijn, zodat ze verder kunnen met het eenvoudig maken van fatsoenlijk werk.

Illusies Elimineren

Gauguin was een lid van een kleine groep schilders aan het einde van de 19e eeuw die geloofden dat een schilderij, voordat het een illusoir beeld werd, in de eerste plaats gewoon kleuren waren die op een oppervlak werden aangebracht. Het proces van het transformeren van de verf en het oppervlak in iets realistisch, zoals een afbeelding van iets herkenbaars, kwam later, achteraf. In de hoofden van deze vooruitstrevende kunstenaars was die latere stap niet meer zo belangrijk en begon zelfs onnodig te lijken. Ze begonnen dingen zoals kleur en oppervlak op hun eigen merites te waarderen, ongeacht welke vormen, vormen en illusoir ruimtes ze werden gebruikt om te creëren. Over het algemeen begon deze denkwijze met het Impressionisme, een stijl die zich richtte op de kwaliteit van licht in een afbeelding. Maar de periode die nu bekend staat als Post-Impressionisme is wanneer dergelijke ideeën echt begonnen te bloeien.

De lijst van post-impressionistische bewegingen die de schilderkunst reduceerden tot zijn formele elementen, wat uiteindelijk leidde tot pure abstractie, is lang. Het omvat Symbolisme, Synthetisme, Cloisonnisme, Fauvisme, Kubisme, en nog veel meer -ismen. Elke van deze bewegingen kwam in vrij snelle opvolging tot stand in de laatste decennia van de 19e eeuw. Elke beweging nam een bepaald agenda aan, waarbij één of meer elementen van de klassieke kunst werden geïsoleerd en ondermijnd om iets nieuws te ontdekken over het potentieel van schilderkunst. Onder de elementen die deze kunstenaars probeerden te elimineren, waren perspectief, kleurovergangen, realistische kleuren, begrijpelijke onderwerpen, en het idee dat vormen en figuren representatief moesten zijn voor elementen van de echte wereld. Een van de belangrijkste aspecten van Visie na de preek die het zo iconisch maakt voor deze algemene drang naar abstractie, is dat het bijna al die elementen tegelijk aanpakt.

Perspectief en Gradiënt

Perspectief en kleurovergangen zijn twee van de meest essentiële, bepalende elementen van klassieke schilderstijlen. Samen kunnen ze een schilderij een krachtige indruk van realisme geven, omdat ze de illusoire ruimte binnen het beeld creëren. Perspectief geeft een schilderij een gevoel van diepte, en een gevoel alsof de fysieke vormen in de illusoire ruimte logisch zijn voor het oog, net zoals ze dat in het echte leven zouden zijn. Hoe fotografisch perfect een schilderij ook is, zonder een gevoel van realistische perspectief is de illusie verbroken. Ondertussen is de geleidelijke kleurovergang wat de tonen van objecten in het schilderij hun realistische kwaliteiten geeft. Huidskleur is niet slechts één kleur, het zijn honderden, misschien duizenden kleuren die geleidelijk in elkaar zijn gemengd. Zonder kleurovergang worden kleuren onrealistisch en begint het beeld vreemd of zelfs absurd te lijken.

Vision After the Sermon elimineert bijna volledig zowel perspectief als kleurnuance, hoewel niet helemaal. Gauguin gebruikte het religieuze onderwerp slim om te verwarren of het beeld bedoeld is om realistisch te zijn of niet. Het toont een groep die eruitziet als nonnen en één priester die samen in een lijn staan, sommigen staand en sommigen knielend. Perspectief wordt enigszins traditioneel gebruikt voor dit deel van het schilderij. Maar de rest van het schilderij lijkt meer op een droom. Er moet een preek zijn geweest, en deze nonnen komen erna uit de kerk. De preek moet het verhaal van Jacob die zijn demonen bevecht zijn geweest, want dat is het beeld dat zich afspeelt voor de ogen van de nonnen in een mystieke, bijna surrealistische ruimte in het bovenste deel van het schilderij. In dat gebied van het kader is er geen poging tot perspectief, geen poging tot diepte, en bijna een volledige eliminatie van kleurnuance. Het beeld is, om zo te zeggen, afgevlakt.

Paul Gauguin - Vision after the Sermon, 1888, Oil on canvas, 72,20 x 91,00 cm

Onnatuurlijke Kleuren en Vormen

De kleuren in Visies na de preek zijn niet helemaal schokkend, zoals ze later zouden worden in de werken van Fauviste schilders. Maar in dit schilderij heeft Gauguin een enorme sprong gemaakt naar dat uiteindelijke doel door de gedurfde stap te zetten om een enorme strook van het schilderij te schilderen in wat hij "pure vermiljoen" noemde. Vermiljoen is een rode pigment dat ooit veel werd gebruikt in de schilderkunst. Het was afgeleid van een mineraal genaamd cinnaber, dat zoveel kwik bevatte dat het zelfs in de Romeinse tijd bekend was dat het delven van het mineraal een doodvonnis was. Het pigment is om die reden niet gemakkelijk meer te vinden. Het is giftig. Maar het geeft dit stuk een bijzonder onheilspellende toon. Rood kan worden gezien als een symbolische kleur, die woede, dood en gevaar impliceert. Het definieert het beeld als iets onwerkelijks, iets dromerigs.

Wat betreft de vormen is het duidelijk dat Gauguin in de meeste gevallen de bedoeling had dat ze enigszins realistisch zouden zijn. De afbeelding toont duidelijk menselijke figuren, een koe, een boom en een man die met een engel worstelt. Maar er zijn momenten in het beeld die suggereren dat Gauguin niet zozeer geïnteresseerd was in het repliceren van de werkelijkheid met zijn vormen, maar eerder gefascineerd was door de kwaliteiten van de vormen zelf. Dit is het meest evident in de hoofddeksels die door de nonnen worden gedragen. Beginnende met het hoofddeksel op de voorgrond, rechts onderaan de afbeelding, is de vorm gereduceerd tot zijn geometrische essentie. Door het hele beeld volgt Gauguin die neiging keer op keer. Als de gezichten uit de afbeelding zouden worden verwijderd, zouden de overgebleven kleurvlakken veel van hun narratieve kracht verliezen, en het beeld zou gemakkelijk kunnen vervallen in een abstracte compositie.

Oprechte bedoelingen

Een van de vragen die vaak opkomen wanneer we het hebben over Post-Impressionistische schilders, is of zij echt precies wisten wat ze probeerden te doen. En natuurlijk is het in het geval van schilders zoals Gauguin, het antwoord ja. Hij en zijn tijdgenoten, zoals Paul Sérusier, Maurice Denis en Émile Bernard, waren fervente filosofen, schrijvers en experimentators. Ze waren volledig gericht op het afbreken van de definitie van schilderkunst en de betekenis van kunst. Ze deden hun best om te ontdekken wat, als er al iets is, er over kunst is dat contemplatief, transcendent en zelfs spiritueel kan zijn, naast de narratieve onderwerp.

In feite, als het gaat om de experimentele bedoelingen van deze kunstenaars, heb ik persoonlijk het gevoel dat een ander schilderij, geschilderd het jaar vóór Vision After the Sermon, veel verder ging in het onthullen van de potentieel verborgen binnen abstractie. Dat schilderij is The Talisman, geschilderd door Paul Sérusier op de laatste dag van 1887. Volgens de legende moedigde Gauguin Sérusier aan om het stuk te schilderen. Hoe dan ook, het is echt baanbrekend. Als alleen een paar groene lijnen die door het midden van het beeld lopen zouden worden geëlimineerd, zou het volledig abstract zijn. Het zou bijna perfect lijken op het werk dat Hans Hofmann een generatie later creëerde. Het is de essentie van Synthetisme, de stijl waaraan Gauguin zichzelf toeschreef, in die zin dat het de uiterlijke essentie van natuurlijke vormen synthetiseert zonder ze precies te kopiëren, met een gevoel van hoe de kunstenaar zich voelt ten opzichte van de vormen in het beeld en pure esthetische overweging van kleur, lijn en vorm. Niettemin is Vision After the Sermon ook duidelijk belangrijk, aangezien het veel van dezelfde ideeën demonstreert, waardoor het een definitief keerpunt is in de mars naar pure abstractie.

Uitgelichte afbeelding: Paul Gauguin - Visie na de preek (detail), 1888, Olieverf op doek, 72,20 x 91,00 cm

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio