Kunst Av Begjær - Huguette Caland på Tate St Ives
Denne sommeren vil den libanesiskfødte kunstneren Huguette Caland ha sin første soloutstilling på museum i Storbritannia, ved Tate St Ives i Cornwall. Født i 1931 i Beirut, flyttet Caland til Paris i 1970, hvor hun bodde og arbeidet i nesten to tiår. For å ta dette steget forlot hun sin ektemann og tre barn i Beirut, en beslutning hun sier var inspirert av et sterkt ønske om å definere seg selv som kunstner, i stedet for å bli definert av sine andre tradisjonelle kvinnelige samfunnsroller. Mens hun var i Paris, drevet av en nyvunnet følelse av frihet og en empati med den fremvoksende feministiske kunstbevegelsen, utviklet hun sine kunstneriske metoder drastisk. Hun forlot ren figurativ kunst og utviklet sin nå kjente blanding av figurativt og abstrakt, der abstrakte former og figurer uventet smelter sammen med referanser til den nakne menneskekroppen. Gjennom 1970- og 80-årene eksperimenterte Caland fritt, og utforsket ideer om skjønnhet, erotikk og sosiale tabuer, spesielt knyttet til den kvinnelige kroppen. Med verk hentet fra denne avgjørende perioden i hennes karriere, og inkludert flere arbeider som vises i Storbritannia for første gang, lover Huguette Caland ved Tate St Ives å gi en avgjørende introduksjon til karrieren til denne underrepresenterte kunstneren. Utstillingen spenner over maleri, tegning og mote, og vil vise både alvor og lekenhet i hennes verk, samtidig som den fremhever Calands unike evne til å forene modernistiske og postmodernistiske ideer.
Å bli Huguette Caland
I et nylig intervju med Detroit Public Television beskriver Caland sin beslutning om å forlate Beirut som et ønske om å bli kjent som noe annet enn datteren til sin far; kona til sin ektemann; søsteren til sin bror; og moren til sine barn. I tillegg til de vanlige forventningene slike merkelapper legger på en kvinnelig kunstner, følte Caland et ekstra press fordi faren hennes var tidligere president i Libanon. Hun forteller hvordan barndomsvennene hennes forlot henne fordi de var franske, og faren hennes var en del av kampen for uavhengighet. «Libanon kjempet for sin uavhengighet,» sier Caland, «men jeg kjempet for min egen.» Hun reiste til Europa og USA på jakt etter kunstnerisk frihet, men enda viktigere, på jakt etter seg selv. Menneskeligheten som kom til uttrykk gjennom denne prosessen, er tydelig i verkene hun laget i denne kritiske perioden. Tegningene hennes er erotiske og sanselige, men samtidig ungdommelige, humoristiske og fulle av kjærlighet. Det globale inntrykket hun tok til seg, er også tydelig. De delikate linjene hennes minner om illustrasjonens visuelle språk; de sukkerspinnfargede tonene bringer tankene til arven etter Color Field-kunstnere som Helen Frankenthaler og Mark Rothko; de primitive formene hennes refererer til det barnslige arvet fra Art Brut.
Likevel trosser de særegne metodene Caland utviklet enhver direkte tilknytning til en forhåndsdefinert retning. Hennes visjon defineres i stedet av nyansene i hvordan hun blander det gjenkjennelige med det ukjente. Et perfekt eksempel på denne grunnleggende kombinasjonen er maleriet «Bribes De Corps» (1973), som vil være utstilt på Tate St Ives. To biomorfe, oransje former klynker seg sammen midt på lerretet i et strålende, rødt felt, med en tynn stripe hvitt mellom dem. Øyet kan ikke unngå å forestille seg at dette er et bilde av en åpen munn med hengende mandler. Så forvandles det gradvis til kanskje et bilde av en naken menneskekropp, bøyd over og sett bakfra. Eller det er ingen av delene. Det er kanskje en framstilling av noe abstrakt – et bilde av relasjoner; et bilde av samhold; et forslag om former som finner hverandre i et fremmed landskap, og skaper noe rent, nytt og lysende mellom seg. Uansett hvordan du tolker det, eller om du velger å ikke tolke det i det hele tatt, er maleriet ladet med en følelse av enkel, personlig glede og en dyp takknemlighet for små ting – en treffende beskrivelse av personen Caland fant da hun fant seg selv.
En kjærlig omfavnelse
Et viktig verk som Caland er blitt kjent for – noen eksempler på disse vil vises på Tate St Ives – er hennes kaftaner. En kaftan er en type mesopotamisk kappe som er vanlig i mellomøstlige kulturer. Fra 1979 samarbeidet Caland med motedesigneren Pierre Cardin og skapte en serie på mer enn 100 kaftaner. Tradisjonelle kaftaner er ofte prangende, med sterke, klare farger og utsmykkede, dekorative mønstre, lik tradisjonelle kimonoer eller vestlige sommerkjoler. Caland laget subtile design basert på sin unike visuelle stil, ofte med figurative elementer hentet fra hennes malerier og tegninger. En kaftan hadde den lekne omrisset av en naken kvinneskikkelse på både rygg og bryst; en annen viste en kjærlig tegning av armer som omsluttet den i en mild omfavnelse; en tredje hadde en lineær tegning av et delt ansikt på slaget.
Som med maleriene og tegningene hennes, blander kaftanene hennes det figurative og det abstrakte visuelle språket. De viser en rekke ansikter og kroppsdeler som smelter sammen og forvandles foran øynene våre til surrealistiske landskap fulle av bulende fjell og skiftende horisontlinjer. Vi er ikke sikre på om vi ser noe vi skal kjenne igjen, eller om vi ser inn i et abstrakt speil. De er ideelle eksempler på humoren som alltid har ledet Caland i arbeidet hennes – å se dem på en utstillingsdukke er én ting; å forestille seg dem på en menneskelig bærer er noe annet. Når de bæres, svulmer de opp til smidige, organiske, levende kunstverk. De underholder og gleder med sin abstrakte eleganse, for så langsomt å åpenbare seg som komplekse uttrykk for kvinnelighet, fulle av erotikk, medfølelse og humor: det beste Caland har funnet i sin søken etter seg selv. Huguette Caland vil være utstilt ved Tate St Ives fra 24. mai til 1. september 2019.
Utvalgt bilde: Huguette Caland - Uten tittel, 1970. Oljemaleri på lin. 54 x 65 cm. Med tillatelse fra kunstneren. Tate St Ives-samlingen.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
