Kunst Av Begjær - Huguette Caland på Tate St Ives

Denne sommeren vil den libanesiskfødte kunstneren Huguette Caland ha sin første soloutstilling på et museum i Storbritannia, ved Tate St Ives i Cornwall. Født i 1931 i Beirut, flyttet Caland til Paris i 1970, hvor hun bodde og arbeidet i nesten to tiår. For å gjøre flyttingen, etterlot hun mannen sin og tre barn i Beirut, en beslutning som hun sier var inspirert av et dypt ønske om å definere seg selv som kunstner, i stedet for å bli definert av sine andre tradisjonelle kvinnelige sosiale roller. Mens hun var i Paris, drevet av en nyfunnet følelse av frihet og en empati med den fremvoksende feministiske kunstbevegelsen, utviklet hun drastisk sine kunstneriske metoder. Hun forlot ren figuration og utviklet sin nå-signaturblanding av figuration og abstraksjon, der abstrakte former og figurer uventet blandes med referanser til den nakne menneskekroppen. Gjennom 1970- og 80-tallet eksperimenterte Caland fritt, og utforsket ideene om skjønnhet, erotikk og sosiale tabuer, spesielt i forhold til den kvinnelige formen. Utstillingen Huguette Caland ved Tate St Ives trekker frem verk fra denne avgjørende perioden i hennes karriere, og inkluderer en rekke verk som vises i Storbritannia for første gang, og lover å gi en definitiv introduksjon til karrieren til denne underrepresenterte kunstneren. Den spenner over maleri, tegning og mote, og vil demonstrere både alvorligheten og lekenheten i hennes oeuvre, samtidig som den setter søkelys på den unike evnen Caland har til å syntetisere modernistiske og postmodernistiske ideer.

Å bli Huguette Caland

I beskrivelsen av hennes beslutning om å forlate Beirut i et nylig intervju med Detroit Public Television, beskriver Caland ønsket om å bli kjent som noe annet enn datteren til sin far; kona til sin mann; søsteren til sin bror; og moren til sine barn. I tillegg til de vanlige pressene slike etiketter legger på en kvinnelig kunstner, følte Caland det ekstra presset av at hennes far var en tidligere president i Libanon. Hun beskriver hvordan barndomsvennene hennes forlot henne fordi de var franske, og faren hennes var en del av kampen for uavhengighet. "Libanon kjempet for sin uavhengighet," sier Caland, "men jeg kjempet for min." Hun reiste til Europa og USA på jakt etter kunstnerisk frihet, men viktigere, på jakt etter seg selv. Menneskeligheten som kom frem gjennom denne prosessen er tydelig i arbeidet hun laget i denne kritiske tiden. Tegningene hennes er erotiske og sensuelle, men samtidig ungdommelige, humoristiske og uendelig kjærlige. Også tydelig er den globale innflytelsen hun absorberte. De delikate linjene hennes fremkaller det visuelle språket til illustrasjon; de sukkerspinnfargene minner om arven fra Color Field-kunstnere som Helen Frankenthaler og Mark Rothko; de primitive formene hennes refererer til den barnslige arven fra Art Brut.

Likevel utfordrer de idiosynkratiske metodene Caland utviklet enhver direkte forbindelse med noen forhåndsdefinerte posisjoner. Hennes visjon er i stedet definert av nyansen hun blander det gjenkjennelige med det ukjente. Et perfekt eksempel på denne elementære kombinasjonen er maleriet "Bribes De Corps" (1973), som vil være utstilt i Tate St Ives-utstillingen. To biomorfe, oransje former hoper seg sammen i midten av lerretet midt i et strålende, rødt felt, med en tynn stripe av hvitt igjen mellom dem. Øyet kan ikke unngå å forestille seg at dette er et bilde av en åpen munn med hengende mandler. Så gradvis forvandles det kanskje til et bilde av en menneskelig nakenhet, bøyd over og sett fra bak. Eller det er verken det ene eller det andre. Det er kanskje en representasjon av noe abstrakt—et bilde av relasjoner; et bilde av fellesskap; et forslag om former som finner hverandre i et fremmed landskap, og vokser noe rent, nytt og lysende mellom dem. Uansett hvordan du tolker det, eller selv om du velger å ikke bry deg om å tolke det i det hele tatt, er maleriet ladet med en følelse av enkel, personlig glede, og en dyp verdsettelse av små ting—en passende beskrivelse av personen Caland fant da hun fant seg selv.

En kjærlig omfavnelse

Et viktig verk som Caland har blitt kjent for—noen eksempler på dette vil være utstilt i Tate St Ives-utstillingen—er hennes kaftaner. En kaftan er en type mesopotamisk kappe som er vanlig i mellomøstlige kulturer. Fra 1979 samarbeidet Caland med motedesigner Pierre Cardin, og skapte en kolleksjon med mer enn 100 kaftaner. Tradisjonelle kaftaner har en tendens til å være utsmykkede, med lyse, levende farger og detaljerte, dekorative mønstre, lik tradisjonelle kimonoer eller vestlige sommerkjoler. Caland laget subtile design basert på sin unike visuelle stil, ofte med figurative elementer fra sine malerier og tegninger. En kaftan hadde den fantasifulle silhuetten av en naken kvinnelig form på ryggen og forsiden; en annen hadde en kjærlig tegning av armer som omfavnet den i en mild omfavnelse; en annen hadde en linjetegning av et delt ansikt på kragen.

Som med hennes malerier og tegninger, blander hennes kaftaner de visuelle språkene av figurativ og abstrakt kunst. De viser en rekke ansikter og kroppsdeler som smelter sammen, og forvandler seg foran øynene våre til surrealistiske landskap fulle av bulende fjell og skiftende horisontlinjer. Vi er ikke sikre på om vi ser på noe vi skal gjenkjenne, eller om vi ser inn i et abstrakt speil. De er ideelle eksempler på den sansen for humor som alltid har guidet Caland i hennes arbeid—å se på dem på en mannequin er én ting; å forestille seg dem på en menneskelig bærer er noe annet. Iført av bæreren, sveller de til smidige, organiske, levende kunstverk. De underholder og gleder med sin abstrakte eleganse, for så sakte å uttale seg som komplekse inkarnasjoner av femininitet, fulle av erotikk, medfølelse og humor: det beste av det Caland har funnet i sin søken etter seg selv. Huguette Caland vil være utstilt på Tate St Ives fra 24. mai til 1. september 2019.

Fremhevet bilde: Huguette Caland- Uten tittel, 1970. Olje på lin. 54 x 65 cm. Med vennlig hilsen fra kunstneren. Tate St Ives-samlingen.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio