Emily Mason, Mellom abstrakt ekspresjonisme og fargefeltmaleri

To utstillinger denne vinteren retter ny oppmerksomhet mot arbeidet til Emily Mason, en amerikansk fargekunstner som døde i 2019, 87 år gammel. «Hun feier med mangefargede koster»: Malerier og trykk av Emily Mason, ved Bruce Museum i Greenwich, Connecticut, setter sammen en samling malerier laget mellom 1958 og 1968 med et utvalg trykk laget mellom 1985 og 1996. Samtidig viser EMILY MASON: CHELSEA PAINTINGS ved Miles McEnery Gallery i New York 20 malerier laget mellom 1978 og 1990-årene, etter at Mason flyttet inn i et atelier i en ombygd loftsleilighet i Chelsea-distriktet på Manhattan. Å se på et maleri av Emily Mason er som å lytte til en flott jazzinnspilling: hvis du lar deg rive med i verket, vil sanseinntrykk skylle over deg. Du kan like en del, krympe deg over en annen; så velter følelsene opp, og du finner deg selv tenke på noe annet. Kom tilbake til det neste dag, og det har fortsatt samme struktur, men du legger merke til noe lite som overrasker deg, og du undrer deg – hvordan kunne jeg ikke se det før? Det var bare en av de mange talentene Mason pleiet i seg selv: evnen til å få betraktere til å føle at de er på en oppdagelsesreise. Hun ønsket at betrakterne skulle føle hvordan hun følte da hun laget verket. Hun sa: «Jeg vil bare skape en opplevelse, for jeg tror at når du ser på et maleri, gjenskaper du selve maleriopplevelsen.» For Mason var maleriopplevelsen ettertenksom, intuitiv, avslappet og fri; ett øyeblikk inspirerte det neste, mens hun lot materialene lede veien. Hun håpet at vi som betraktere også ville gi etter for materialene, la malingen lede øynene våre over flaten, og de gjennomsiktige fargene trekke sinnet vårt gjennom lagene.

Progressiv farge

Født i 1932 var Emily Mason den tredje i familien som gjorde seg bemerket som kunstner. Hennes mor var den abstrakte kunstneren Alice Mason, et grunnleggende medlem av American Abstract Artists, som selv stammet fra den amerikanske maleren John Trumbell på 1800-tallet. Mason vokste bokstavelig talt opp i nærvær av den første generasjonen abstrakte ekspresjonister, mange av dem nære venner av moren – hun ble til og med passet på av Willem og Elaine de Kooning. Hun sympatiserte tidlig med friheten til å eksperimentere som disse kunstnerne verdsatte. Mens hun studerte i Venezia i 1956 på et Fulbright-stipend, forlot hun det strenge Accademia di Belle Arti hvor hun var innskrevet, og satte ut på å lære på egen hånd. To livsendrende hendelser fulgte raskt. Den første var at hun giftet seg med maleren Wolf Kahn, som hun tidligere hadde møtt i New York, og som også tilfeldigvis var i Italia på den tiden. (Den abstrakte maleren Cecily Kahn er deres datter.) Den andre var at hun lærte om analog fargeteori.

Miles McEnery Gallery, New York, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 7. januar - 13. februar 2021.

Analoge farger er de som ligger ved siden av hverandre på fargesirkelen – de er motsatt av komplementærfarger. Et maleri laget med komplementærfarger vil poppe fordi de kromatiske motsetningene støter mot hverandre. Et maleri laget med analoge farger vil slappe av øyet. Analoge farger etterligner mye av det vi ser i naturen, som et teppe av høstløv som gradvis skifter fra gult til oransje til rødt. Mason brukte analoge farger til å bygge opp komposisjonene sine trinnvis, og lot logikken i fargeforholdene styre instinktene sine. Hun brukte alle slags metoder, tok til seg noen fra sine abstrakte ekspresjonistiske mentorer, og andre fra fargefeltkunstnere. Hun arbeidet alltid med oljemaling, men byttet underlag fra papir til lerret. Viktigst var at hun eksperimenterte med ulike løsemidler for å skape varierende nivåer av gjennomsiktighet, en viktig kilde til mange av de overraskende gledesscenene i maleriene hennes.

Miles McEnery Gallery, New York, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 7. januar - 13. februar 2021.

Improvisatorisk frihet

Maleriene som vises denne vinteren ved Miles McEnery Gallery er alle like i størrelse og materialitet, noe som gir betrakterne mulighet til virkelig å fokusere på det Mason var så briljant til å fremkalle: følelsen av at farge kan formidle følelser. Ved første øyekast virker det som en serie verk som kan tas inn med et blikk. Når du blir værende ved maleriene lenger, blir det tydelig at hvert maleri har en helt unik tyngde og en særpreget tone; det er som om hvert enkelt har sin egen personlighet. Hun samhandlet intuitivt med disse komposisjonene til hun nådde kjernen av hva maleriet prøvde å formidle. Disse elegante og personlige variasjonene over et sentralt tema gir tyngde til tanken om at det som toner er for en jazzmusiker, var farge for Mason.

Miles McEnery Gallery, New York, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 7. januar - 13. februar 2021.

Verkene som vises ved Bruce Museum, viser også Mason som fargekunstner, men siden de varierer både i størrelse og i prosess, tilfører de også lag av dybde til hva Mason ellers oppnådde som kunstner. Hennes olje på papir-verk fremstår ved første øyekast som skjøre akvareller. Spennet i ugjennomsiktighet og gjennomsiktighet som Mason oppnådde med disse mediene er imponerende. Deres størrelse gjør det også mulig for øyet å ta inn hele komposisjonen, noe som viser at Mason hadde en sympati for landskapsmaleri som ikke er like tydelig i hennes større arbeider. Hennes trykk skaper derimot en nesten menneskelignende effekt, ettersom fargefeltene gjør seg gjeldende på bestemte måter, som former med dybde, ganske annerledes enn de amorfe fargeskyene vi ser i oljemaleriene. Å se fruktene av så mange tiår med hennes praksis utstilt samtidig minner oss om at Mason var en av de sjeldne kunstnerne som finner sin stemme tidlig og forblir tro mot den hele livet, uavhengig av skiftende trender. Hun definerte sin stemme som noe lagdelt, følelsesladet og unikt, og etterlot seg et verk som lar betraktere se utover seg selv inn i en verden av skapende intuisjon.

Utvalgt bilde: Miles McEnery Gallery, New York, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 7. januar - 13. februar 2021.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio