Mnuchin Gallery mener det er på tide at du hører om Mary Lovelace O'Neal
Mnuchin-galleriet i New York kunngjorde nylig at de vil presentere Chasing Down the Image, en separatutstilling som følger hele karrieren til Mary Lovelace O’Neal, tidlig i 2020. Dette er gode nyheter for fans som har fulgt det bemerkelsesverdige arbeidet O’Neal har laget i et halvt århundre. Men de samme fansene kan også bli forvirret over språket galleriet bruker for å promotere utstillingen. I et nylig intervju med artnet news beskrev Mnuchin-galleriets partner Sukanya Rajaratnam utstillingen som en mulighet til å gjenoppdage en kunstner som har blitt oversett av historien. Det virker som en merkelig bemerkning å komme med om en kunstner som konsekvent har laget og vist sin kunst siden hun først begynte på kunstavdelingen ved Howard University i 1960. O’Neal fikk et prestisjefylt stipend til Skowhegan School of Painting and Sculpture i 1963, og tok senere sin MFA ved Columbia i New York, hvor hun utviklet en særegen visuell stemme som snart ga henne en separatutstilling ved The Museum Of Modern Art San Francisco i 1979, da hun bare var 37 år gammel. Hun gikk deretter videre til å undervise ved noen av de mest anerkjente kunstprogrammene i USA, inkludert University of Texas i Austin, San Francisco Art Institute og University of California, Berkeley, hvor hun ble den første svarte kvinnen som fikk fast ansettelse. Gjennom hele tiden har O’Neal stilt ut arbeidet sitt omfattende, nesten hvert år, inkludert flere ekstra separatutstillinger på museer. Hun har også representert USA i omtrent et halvt dusin internasjonale kunstbiennaler. Jeg ble først oppmerksom på arbeidet hennes i 2009 mens jeg bodde i San Francisco. Jeg ble irettesatt for ikke å kjenne til henne ennå – hun er en legende for mange i California. Så selv om jeg absolutt synes det er flott at Mnuchin viser O’Neal, hva betyr det for en kunstner som alltid har vært her å bli gjenoppdaget?
En mester i figurativ abstraksjon
O’Neal har pekt på to store påvirkninger i sitt kunstnerskap: Abstrakt ekspresjonisme og Minimalisme. Hun setter pris på den gestiske, teksturale kakofonien som vekkes til live av abstrakte ekspresjonister som Willem de Kooning og Franz Kline, og bemerker hvordan deres metoder lar de «immaterielle» aspektene ved menneskelivet komme til uttrykk. Hun beundrer også stillheten i minimalismen, som gir en kontrasterende balanse til arbeidet hennes. Mens hun var ved Skowhegan på 60-tallet, kom O’Neal først i kontakt med et medium kalt lampesot – en type karbonrester som noen ganger brukes som malingspigment. År senere innså hun at ved å gni det rå pigmentet direkte inn i lerretets overflate, kunne hun bruke følelsesladet, fysisk gestualitet – et ideal innen abstrakt ekspresjonisme – for å skape total flathet – et ideal innen minimalisme. Hennes «Lampblack»-malerier var de første som brakte henne bred offentlig oppmerksomhet.
Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, 1970-tallet. © Mary Lovelace O’Neal. Med tillatelse fra Mnuchin-galleriet, New York
Like stor som hennes beherskelse av mediets særegenhet er dybden i hennes kompositoriske instinkter. Perfekt plasserte gestiske merker og farger spiller mot lampesoten for å fremkalle drømmelignende indre verdener hvor spøkelsesaktige figurative inntrykk lurer i den abstrakte tåken. Sparsomt plasserte linjer skaper utallige oppfatningssoner i «Black Glitter Nights» (1970-tallet); letthet og tyngde skyver mot hverandre i «Last Lay up» (1979); krypende frykt sniker seg inn i åpenhet og lunefullhet i «She thought she could fool the zebra with powder and paint» (2007). I «See, so heaven can hear you» (2007), en av hennes mest mesterlige uttrykk for det som løst kan beskrives som figurativ abstraksjon, ser dansende figurer ut til å vibrere midt i et sjokk av ildrødt som bryter fram fra mørket. Det som hindrer noen av disse maleriene i å være rent figurative, er mysteriet de beholder. Dette mysteriet har også alltid vært essensielt for O’Neal selv, som sier: «Hvis jeg ikke kunne bli overrasket over det jeg lager, ville jeg sannsynligvis ikke gjort det.»
Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offsetlitografi og silketrykk; ark (uregelmessig): 28 1/8 × 32 1/8 tommer. Saint Louis Art Museum, The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection, gave fra Ronald og Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal
Argumentet for gjenoppdagelse
Til tross for at O’Neal har utviklet arbeidet sitt jevnt gjennom hele karrieren, og aldri egentlig har sluttet å stille ut, dreier argumentet Rajaratnam fremsetter om at O’Neal har blitt neglisjert seg om to punkter. For det første har O’Neal ikke hatt en separatutstilling i New York på 25 år. Rajaratnam sa til artnet news: «Kanskje det å være på vestkysten, fast ansatt professor og til slutt leder for kunstavdelingen ved UC Berkeley, har isolert [O’Neal] fra den større kunstverden.» Men i løpet av de samme 25 årene har O’Neal hatt separatutstillinger i San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson i Mississippi og Santiago i Chile. Så hva menes med «den større kunstverden»? Det virker som om Rajaratnam snakker om den mindre kunstverden: den som omfavner den foreldede holdningen at enhver by utenfor New York er provinsiell, og at det å stilles ut i disse andre byene tilsvarer å bli oversett.
Mary Lovelace O’Neal - Running with Black Panthers and White Doves (midten av 1980-tallet/tidlig 1990-tall). © Mary Lovelace O’Neal Med tillatelse fra Mnuchin-galleriet, New York
Det andre argumentet Rajaratnam fremsetter for at O’Neal har blitt oversett, gjelder at hun ikke ble inkludert i samtalen rundt den turnerende utstillingen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, som har brakt fornyet oppmerksomhet til arbeidet til mange andre svarte amerikanske kunstnere fra borgerrettsbevegelsens tid. «Det er en forglemmelse som må rettes opp,» sier Rajaratnam. Dette poenget kan ha noe for seg. Men den utstillingen er visjonen til ett kuratorteam, ikke offisiell historie. Og mens den utstillingen har vært på turné, har O’Neal vært med i så bemerkelsesverdige utstillinger som The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection ved Saint Louis Art Museum, og Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, en utstilling helt bygget rundt arbeidet til svarte kvinnelige abstrakte kunstnere som hadde premiere ved National Museum of Women in the Arts i Washington, D.C., og deretter reiste til Kemper Museum of Contemporary Art i Kansas City, Missouri, og Museum of Fine Arts St. Petersburg. Rajaratnam innrømmer at hun først ble oppmerksom på O’Neal i 2019, da Baltimore Museum of Art kjøpte et av maleriene hennes. Men å si at en kunstner har blitt oversett bare fordi du personlig aldri har hørt om dem, avfeier det faktum at titusenvis av fans har kjent til og beundret O’Neal i flere tiår. Det finnes mange kunstnere som arbeider i dag. Det meste av deres arbeid vil være nytt for de fleste betraktere. Ingen kjenner alle. Kan vi finne måter å feire prestasjonene til eldre kunstnere som er nye for oss uten å late som om ingen andre noen gang har hørt om arbeidet deres?
Utvalgt bilde: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Med tillatelse fra Mnuchin-galleriet, New York
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
