Mnuchin Gallery mener det er på tide at du hører om Mary Lovelace O'Neal

Mnuchin Gallery i New York kunngjorde nylig at de vil presentere Chasing Down the Image, en separatutstilling som sporer hele karrieren til Mary Lovelace O’Neal, tidlig i 2020. Dette er gode nyheter for fans som har fulgt det bemerkelsesverdige arbeidet O’Neal har gjort i et halvt århundre. Men de samme fansene kan også bli forvirret av språket galleriet bruker for å promotere utstillingen. I et nylig intervju med artnet news, rammet Mnuchin Gallery-partner Sukanya Rajaratnam utstillingen som en sjanse til å gjenoppdage en kunstner som har blitt oversett av historien. Det virker som en merkelig bemerkning å komme med om en kunstner som konsekvent har laget og vist kunsten sin siden hun først meldte seg inn i kunstavdelingen ved Howard University i 1960. O’Neal fikk et prestisjefylt stipend til Skowhegan School of Painting and Sculpture i 1963, og gikk videre til å ta sin MFA fra Columbia i New York, hvor hun utviklet en distinkt visuell stemme som snart ga henne en separatutstilling ved The Museum Of Modern Art San Francisco i 1979 da hun bare var 37 år gammel. Hun fortsatte deretter å undervise i noen av de mest prestisjefylte kunstprogrammene i USA, inkludert University of Texas at Austin, San Francisco Art Institute, og University of California, Berkeley, hvor hun ble den første svarte kvinnen som fikk fast ansettelse. Hele veien har O'Neal stilt ut arbeidet sitt omfattende, nesten hvert år, inkludert flere tillegg av separatutstillinger på museer. Hun har også representert USA i omtrent et halvt dusin internasjonale kunstbiennaler. Jeg ble først klar over arbeidet hennes i 2009 mens jeg bodde i San Francisco. Jeg ble kritisert for ikke å kjenne til henne ennå—hun er en legende for mange kalifornere. Så selv om jeg absolutt synes det er fantastisk at Mnuchin viser O’Neal, hva betyr det for en kunstner som har vært her hele tiden å bli gjenoppdaget?

En mester i figurativ abstraksjon

O’Neal har pekt på to store påvirkninger i sitt kunstneriske arbeid: Abstrakt ekspresjonisme og Minimalisme. Hun setter pris på den gestuelle, teksturale kakofonien som blir fremkalt av abstrakte ekspresjonister som Willem de Kooning og Franz Kline, og bemerker hvordan deres metoder lar de "intangible" aspektene av menneskelivet bli uttrykt. Hun beundrer også stillheten i minimalismen, som tilbyr en kontrasterende balanse til hennes arbeid. Mens hun var på Skowhegan på 60-tallet, kom O’Neal først i kontakt med et medium kalt lampblack—en type karbonrester som noen ganger brukes som malepigment. År senere innså hun at ved å gni det rå pigmentet direkte inn i overflaten av et lerret, kunne hun bruke emosjonell fysisk gesturalitet—et ideal fra abstrakt ekspresjonisme—til å skape total flathet—et ideal fra minimalisme. Hennes "Lampblack" malerier var de første som brakte henne bred offentlig oppmerksomhet.

Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, 1970-tallet. © Mary Lovelace O’Neal. Med vennlig hilsen Mnuchin Gallery, New York

Likestilt med hennes mestring av medium spesifisitet er dybden av hennes komposisjonelle instinkter. Perfekt plasserte gestuelle merker og farger spiller mot lampblack for å fremkalle drømmelignende indre verdener hvor spøkelsesaktige figurative inntrykk lurer i den abstrakte tåken. Sparsomt plasserte linjer skaper utallige soner av persepsjon i "Black Glitter Nights" (1970-tallet); letthet og vekt presser mot hverandre i "Last Lay up" (1979); krypende frykt insinuere seg på åpenhet og lunefullhet i "She thought she could fool the zebra with powder and paint" (2007). I "See, so heaven can hear you" (2007), en av hennes mest mesterlige uttrykk for det som kan beskrives løst som Figurativ Abstraksjon, ser dansende figurer ut til å vibrere midt i et sjokk av brennende rødt som bryter frem fra mørket. Det som hindrer noen av disse maleriene fra å være rent figurative, er mysteriet de beholder. Dette mysteriet har også alltid vært essensielt for O’Neal selv, som sier: "Hvis jeg ikke kunne bli overrasket over det jeg lager, ville jeg sannsynligvis ikke gjort det."

Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offset litografi og silketrykk; ark (uregelmessig): 28 1/8 × 32 1/8 tommer. Saint Louis Kunstmuseum, The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection, Gave fra Ronald og Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal

Saken for gjenoppdagelse

Til tross for at O’Neal har utviklet arbeidet sitt jevnt gjennom hele karrieren, og aldri egentlig har sluttet å stille ut, dreier saken Rajaratnam fremfører om at O’Neal har blitt neglisjert seg om to punkter. For det første har O’Neal ikke hatt en separatutstilling i New York på 25 år. Rajaratnam tilbød til artnet news: "Kanskje det å være på Vestkysten, en fast professor, og senere leder av kunstavdelingen ved UC Berkeley har isolert [O’Neal] fra den større kunstverden." Men i løpet av de samme 25 årene hadde O’Neal separatutstillinger i San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson, Mississippi, og Santiago, Chile. Så hva menes med den "større kunstverden?" Det virker for meg som om Rajaratnam snakker om den mindre kunstverden: den som omfavner den utdaterte holdningen om at enhver by utenfor New York er provinsiell, og dermed er det å bli vist i disse andre byene det samme som å bli oversett.

Mary Lovelace O’Neal - Løping med svarte pantere og hvite duer (midten av 1980-tallet/ tidlig 1990-tall). © Mary Lovelace O’Neal Courtesy Mnuchin Gallery, New York

Det andre argumentet Rajaratnam fremfører for at O’Neal blir oversett, relaterer seg til at hun ikke er inkludert i dialogen rundt den turnerende utstillingen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, som har brakt fornyet oppmerksomhet til arbeidet til mange andre svarte amerikanske kunstnere fra borgerrettighetsperioden. "Det er en oversikt som må rettes opp," sier Rajaratnam. Dette poenget kan ha noe for seg. Imidlertid er den utstillingen visjonen til ett kuratorisk team, ikke offisiell historie. Og hele tiden den utstillingen har vært på turné, har O’Neal vært inkludert i så bemerkelsesverdige utstillinger som The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection show ved Saint Louis Art Museum, og Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, en utstilling helt bygget rundt arbeidet til svarte kvinnelige abstrakte kunstnere som debuterte ved National Museum of Women in the Arts i Washington, D.C., og deretter reiste til Kemper Museum of Contemporary Art i Kansas City, Missouri, og Museum of Fine Arts St. Petersburg. Rajaratnam innrømmer at hun først ble klar over O’Neal i 2019, da Baltimore Museum of Art kjøpte ett av maleriene hennes. Men å si at en kunstner har blitt oversett bare fordi du personlig aldri har hørt om dem, avviser det faktum at titusenvis av fans har kjent til og beundret O’Neal i flere tiår. Det er mange kunstnere som jobber i dag. Mesteparten av arbeidet deres vil være nytt for de fleste seere. Ingen kjenner alle. Kan vi finne måter å feire prestasjonene til eldre kunstnere som er nye for oss, uten å late som om ingen andre noen gang har hørt om arbeidet deres?

Fremhevet bilde: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Med vennlig hilsen Mnuchin Gallery, New York
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio