Robert Delaunay og hans tilnærming til farge

Hva betyr det å si at et maleri er "realistisk?" Virkelighet er et omstridt emne. Det er tross alt rent subjektivt. Hva man anser som virkelig, er basert på en kombinasjon av hva man oppfatter, hva man forstår og hva man kan forestille seg. I 1912 publiserte maleren Robert Delaunay et essay i det tyske tidsskriftet Der Sturm med tittelen, "Notater om konstruksjonen av virkelighet i ren maling." Essayet var et forsøk på å oppsummere de foregående 60 årene med kunstnerisk forskning, siden begynnelsen av impresjonismen, om emnet hvordan man best kan skildre virkelighet i kunst. Delaunay beskrev arbeidet til sine forgjengere som vitenskapelig og analytisk, og brøt ned maleriet i sine komponenter for å komme frem til det essensielle i malt virkelighet. Han skrev at kunstnere bare burde strebe etter å skape det som er vakkert, og at virkelighet er den eneste virkelig vakre tingen. Men virkelighet, ifølge Delaunay, betydde ikke etterligning. Snarere antok han at virkelighetens mest grunnleggende og vakre element var farge, for naturen, via lys, formidlet verdens skjønnhet gjennom farge til våre øyne, og at "det er våre øyne som overfører de sansene som oppfattes i naturen til vår sjel."

Farge er virkelighet

En av tingene Robert Delaunay likte å si om seg selv, er at før ham brukte malere bare farge for å fargelegge. Han mente han var den første maleren som brukte farge som et emne i seg selv. Han ga kreditt til impresjonistene, fordi de var de som identifiserte viktigheten av lys. Men de brukte fortsatt bare lyskvalitetene for å kopiere bilder av den objektivt synlige verden. Men i det minste anerkjente de at et bilde består av mange forskjellige deler, og at det er oppfatningen av disse delene som skaper en følelse av hva virkeligheten er. Oppfatning skjer ikke på lerretet, men i hjernen.

Pointillisme var den første og mest dyptgripende malestilen som virkelig undersøkte det faktum at persepsjon skjer i hjernen. Også kjent som divisjonisme, benyttet den små blokker av farge plassert ved siden av hverandre på et lerret for å formidle følelsen av en blandet farge i stedet for å blande fargene sammen først. Hjernen ville deretter kombinere fargene for å fullføre bildet. Den erkjennelsen, at øynene og hjernen kunne fullføre et ellers ufullstendig bilde, ble et grunnleggende prinsipp for den sene 1800-tallet og tidlige 1900-tallets avantgarde. Den inspirerte futuristisk maleri, kubisme, orphisme og utallige andre stiler og bevegelser siden.

Farge som emne

Robert Delaunay var fascinert av divisjonistisk tenkning. Det inspirerte ham til å tenke på forholdet fargene har til hverandre når de plasseres ved siden av hverandre på lerretet, uavhengig av hvilket bilde de ble brukt til å skape. Han forstørret fargeblokkene utover det Pointillistene hadde gjort, og skapte mye mer uttalte og abstraherte visuelle effekter. Han brukte denne teknikken til å lage en serie portretter av sin venn og med-abstrakte maler Jean Metzinger.

I Delaunays Metzinger-malerier kan vi se fargeblokker som skaper dybde og en følelse av bevegelse i tillegg til å bare danne et bilde. Gjennom sine divisjonistiske malerier innså Delaunay at farge kunne formidle form, dybde, lys og til og med følelser. Uavhengig av de figurative elementene i et bilde, kunne farge, på egen hånd, formidle enhver sannhet eller enhver virkelighet en maler håpet å uttrykke.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Farge og plan

Mens Delaunay gjorde sine egne oppdagelser om malt virkelighet, eksperimenterte kubistene, ledet av Pablo Picasso, også i et lignende område. De forsøkte å formidle fire-dimensjonal virkelighet og tidens gang. Deres metode var å dele verden opp i romlige plan og deretter bruke disse planene til å uttrykke en mengde samtidige synspunkter på et enkelt emne.

Delaunay var ikke interessert i perspektiv. Han trodde at gjennom farge alene kunne bevegelse, eller andre fenomener, uttrykkes. Men Delaunay var likevel fascinert av den kubistiske ideen om romlige plan. Han hadde lagt merke til at når lys treffer ting, er de forskjellige nyansene som vises bestemt av geometrien i deres romlige plan. Siden plan og geometri har en så direkte effekt på farge, lånte han den estetiske språket til det brutte planet fra kubistene og anvendte det på maleriene sine, og skapte en ny abstrakt estetisk tilnærming som var delvis divisjonistisk og delvis kubistisk. Han brukte denne stilen mest berømt i en serie malerier som skildret det han mente var det ultimate symbolet på den moderne tidsalder: Eiffeltårnet.

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

Farge og Kontrast

En av de neste oppdagelsene Delaunay gjorde, hadde å gjøre med kontrast. Han innså at farger kunne komplementere hverandre på en måte som kunne skape følelsesmessige reaksjoner i betrakterens sinn. Han begynte å eliminere motiv, dybde, lys og alle andre faktorer, og fokuserte utelukkende på fargekontrast for sin egen verdi. Han lærte at forskjellige kontrasterende farger skapte forskjellige følelsesmessige effekter. Noen farger kontrasterte på en måte som føltes lettsindig eller gledelig. Andre kontrasterte på en måte som føltes tung eller melankolsk.

Han oppdaget også at noen farger, når de ble plassert ved siden av hverandre, faktisk skapte en følelse av bevegelse. Seerne oppfattet dem som om de ristet, vibrerte eller til og med endret nyanser jo lenger de så på dem. Delaunay kalte denne følelsen Simultanitet. I sitt maleri fra 1914 Homage to Bleriot, brukte han teorien om Simultanitet for å formidle det han mente var den essensielle tilstanden av modernitet, bevegelse, representert nesten utelukkende av farge og rent abstrahert form.

Robert Delaunay - Hyllest til Bleriot, 1914, Olje på lerret, 6 fot 4 1/2 x 4 fot 2 1/2 tommer. Kunstmuseum Basel, Basel, Sveits

Robert Delaunays arv

Historie var viktig for Delaunay, og ifølge de som kjente ham, var han ganske klar over sin plass i den. Han var spesielt glad i å påpeke hvem, eller hva, som var først. Han skrev at, “De første maleriene var rett og slett en linje som omkranset skyggen av et menneske laget av solen på jordens overflate.” Han roste maleren Seurat, grunnleggeren av Pointillisme, for først å vise viktigheten av komplementære farger. Men han gikk deretter videre til å kritisere Seurat for hans ufullstendige prestasjon, og uttalte at Pointillisme var “bare en teknikk.” Delaunay hevdet at det var han selv som først brukte teorien om komplementære farger for å oppnå et rent uttrykk for skjønnhet.

Faktisk, etter å ha lest Delaunays skrifter om farge, er det klart at han er ansvarlig for mye original tenkning om maleriets formelle kvaliteter. Han og hans kone Sonia krediteres for å ha oppfunnet Orfisme, en av de mest innflytelsesrike abstrakte stilene som dukket opp før første verdenskrig. Men uten å ta noe fra Delaunay, reiser det å ha så mye oppmerksomhet rettet mot farge et spørsmål: Kan farge virkelig være naturens reneste uttrykk for virkelighet? Kan det være den eneste måten å overføre skjønnhet til sjelene våre? Det må være nedslående for en blind person, eller en fargeblind person, å høre slike nyheter. Kanskje Delaunays tanker om farge ikke var slutten på historien. Kanskje det som er mest viktig med arbeidet hans er at han stilte spørsmålene mange elskere av abstrakt kunst fortsatt stiller i dag: Hva er virkelighet? Hva er skjønnhet? Hva er den beste måten å kommunisere dem på slik at de knytter seg til den menneskelige sjelen?

Uthevet bilde: Robert Delaunay - Portrett av Jean Metzinger, 1906, Olje på lerret, 55 x 43 cm. Privat samling
Av Phillip Barcio