Robert Delaunay og hans tilnærming til farge

Hva betyr det å si at et maleri er «realistisk»? Virkelighet er et omstridt tema. Det er tross alt helt subjektivt. Det man anser som virkelig, baseres på en kombinasjon av hva man oppfatter, hva man forstår og hva man kan forestille seg. I 1912 publiserte maleren Robert Delaunay et essay i det tyske tidsskriftet Der Sturm med tittelen «Notater om konstruksjonen av virkelighet i ren maling.» Essayet var et forsøk på å oppsummere de foregående 60 årene med kunstnerisk forskning, siden impresjonismens begynnelse, om hvordan man best kan fremstille virkelighet i kunsten. Delaunay beskrev arbeidet til sine forgjengere som vitenskapelig og analytisk, der maleriet ble brutt ned i sine bestanddeler for å komme fram til det vesentlige i malt virkelighet. Han skrev at kunstnere bare burde strebe etter å skape det som er vakkert, og at virkeligheten er det eneste som virkelig er vakkert. Men virkelighet, ifølge Delaunay, betydde ikke etterligning. Snarere antok han at virkelighetens mest grunnleggende og vakre element var farge, for naturen, gjennom lyset, formidlet verdens skjønnhet gjennom farge til våre øyne, og at «det er våre øyne som overfører de sansene vi oppfatter i naturen til vår sjel.»

Farge er virkelighet

En av tingene Robert Delaunay likte å si om seg selv, var at før ham brukte malere bare farge til å fargelegge. Han mente han var den første maleren som brukte farge som et motiv i seg selv. Han ga æren til impresjonistene, fordi det var de som identifiserte lysets betydning. Men de brukte fortsatt bare lysets egenskaper til å kopiere bilder av den objektivt synlige verden. Men i det minste anerkjente de at et bilde består av mange forskjellige deler, og at det er oppfatningen av disse delene som skaper en følelse av hva virkelighet er. Oppfatning skjer ikke på lerretet, men i hjernen.

Pointillisme var den første og mest dyptgående malerstilen som virkelig undersøkte det faktum at oppfatning skjer i hjernen. Også kjent som divisjonisme, benyttet den små fargeblokker plassert ved siden av hverandre på et lerret for å formidle inntrykket av en blandet farge i stedet for å blande fargene sammen først. Hjernen ville deretter kombinere fargene for å fullføre bildet. Denne erkjennelsen, at øynene og hjernen kunne fullføre et ellers ufullstendig bilde, ble et grunnleggende prinsipp for avantgarden på slutten av 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet. Det inspirerte futuristisk maleri, kubisme, orfisme og utallige andre stiler og bevegelser siden.

Farge som motiv

Robert Delaunay var fascinert av divisjonistisk tenkning. Det inspirerte ham til å tenke på forholdet farger har til hverandre når de plasseres ved siden av hverandre på lerretet, uavhengig av hvilket bilde de ble brukt til å skape. Han forstørret fargeblokkene utover det pointillistene hadde gjort, og skapte mye mer markerte og abstraherte visuelle effekter. Han brukte denne teknikken til å lage en serie portretter av sin venn og medabstrakte maler Jean Metzinger.

I Delaunays Metzinger-malerier kan vi se fargeblokker som skaper dybde og en følelse av bevegelse i tillegg til bare å danne et bilde. Gjennom sine divisjonistiske malerier innså Delaunay at farge kunne formidle form, dybde, lys og til og med følelser. Uavhengig av de figurative elementene i et bilde, kunne farge på egen hånd formidle enhver sannhet eller virkelighet en maler ønsket å uttrykke.

Robert Delaunay Rythme n°1, dekorasjon for Salon des Tuileries, 1938, olje på lerret, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Farge og plan

Mens Delaunay gjorde sine egne oppdagelser om malt virkelighet, eksperimenterte kubistene, ledet av Pablo Picasso, også innen et lignende område. De forsøkte å formidle fire-dimensjonal virkelighet og tidens gang. Metoden deres var å dele verden opp i romlige plan og deretter bruke disse planene til å uttrykke en mengde samtidige synspunkter på ett enkelt motiv.

Delaunay var ikke interessert i perspektiv. Han mente at bevegelse, eller andre fenomener, kunne uttrykkes gjennom farge alene. Men Delaunay var likevel fascinert av kubistenes idé om romlige plan. Han hadde lagt merke til at når lys treffer ting, bestemmes de ulike nyansene som oppstår av geometrien i deres romlige plan. Siden plan og geometri har en så direkte effekt på farge, lånte han det estetiske språket med det brutte planet fra kubistene og anvendte det i sine malerier, og skapte en ny abstrakt estetisk tilnærming som var delvis divisjonistisk og delvis kubistisk. Han brukte denne stilen mest kjent i en serie malerier som skildret det han mente var det ultimate symbolet på den moderne tid: Eiffeltårnet.

Robert Delaunay - Eiffeltårnet, 1911 (datert 1910 av kunstneren). Olje på lerret. 79 1/2 x 54 1/2 tommer (202 x 138,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim grunnleggende samling, som gave. 37.463

Farge og kontrast

En av de neste oppdagelsene Delaunay gjorde, hadde med kontrast å gjøre. Han innså at farger kunne utfylle hverandre på en måte som kunne skape følelsesmessige reaksjoner i betrakterens sinn. Han begynte å eliminere motiv, dybde, lys og alle andre faktorer, og fokuserte rent på fargekontrast for dens egen verdi. Han lærte at ulike kontrasterende farger skapte forskjellige følelsesmessige effekter. Noen farger kontrasterte på en måte som føltes lett og glad. Andre kontrasterte på en måte som føltes tung eller melankolsk.

Han oppdaget også at noen farger, når de ble plassert ved siden av hverandre, faktisk skapte en følelse av bevegelse. Betraktere oppfattet at de dirret, vibrerte eller til og med skiftet nyanser jo lenger de så på dem. Delaunay kalte denne følelsen samtidighet. I sitt maleri fra 1914, Hyllest til Bleriot, brukte han teorien om samtidighet for å formidle det han mente var den essensielle tilstanden i moderniteten, bevegelse, representert nesten utelukkende av farge og rent abstrahert form.

Robert Delaunay - Hyllest til Bleriot, 1914, olje på lerret, 6 fot 4 1/2 x 4 fot 2 1/2 tommer. Kunstmuseum Basel, Basel, Sveits

Robert Delaunays arv

Historie var viktig for Delaunay, og ifølge de som kjente ham, var han godt klar over sin plass i den. Han var særlig glad i å påpeke hvem, eller hva, som var først. Han skrev at «De første maleriene var ganske enkelt en linje som omkranset skyggen av en mann laget av solen på jordens overflate.» Han roste maleren Seurat, grunnleggeren av pointillisme, for først å ha vist viktigheten av komplementærfarger. Men han gikk deretter videre til å kritisere Seurat for hans ufullstendige prestasjon, og uttalte at pointillisme var «bare en teknikk.» Delaunay hevdet at det var han selv som først brukte teorien om komplementærfarger for å komme fram til et rent uttrykk for skjønnhet.

Faktisk, etter å ha lest Delaunays skrifter om farge, er det tydelig at han står bak mye original tenkning om maleriets formale kvaliteter. Han og hans kone Sonia krediteres for å ha oppfunnet orfismen, en av de mest innflytelsesrike abstrakte stilene som oppsto før første verdenskrig. Men uten å ta noe fra Delaunay, reiser det seg et spørsmål når så mye oppmerksomhet rettes mot farge: Kan farge virkelig være naturens reneste uttrykk for virkelighet? Kan det være den eneste måten å overføre skjønnhet til vår sjel på? Det må være nedslående for en blind person, eller en fargeblind person, å høre slike nyheter. Kanskje Delaunays tenkning om farge ikke var slutten på historien. Kanskje det viktigste med hans arbeid er at han stilte spørsmålene mange elskere av abstrakt kunst fortsatt stiller i dag: Hva er virkelighet? Hva er skjønnhet? Hva er den beste måten å formidle dem på slik at de knytter seg til menneskesjelen?

Utvalgt bilde: Robert Delaunay - Portrett av Jean Metzinger, 1906, olje på lerret, 55 x 43 cm. Privat samling
Av Phillip Barcio