Oppdag mysteriene med orfisme i maleri

Innenfor abstrakt kunst blir mystikk og vitenskap noen ganger ubevisst nære venner. Et eksempel er Orfisme, en kortvarig og noen ganger misforstått kunstbevegelse fra de tidlige årene av 1900-tallet. Orfismens kunstneriske røtter ligger i kubisme, fauvisme og divisjonisme. Dens mystiske røtter antydes av navnet, som er avledet fra den mytiske musikeren og poeten Orfeus, hvis musikk sies å ha vært i stand til å fortrylle djevelen og få selv steiner til å danse. Orfismens vitenskapelige legitimasjon går tilbake til skriftene til Michel Eugène Chevreul, hvis navn er gravert på Eiffeltårnet, og som kanskje var den minst mystiske, mest skeptiske franske vitenskapsmannen noensinne. På en eller annen måte ble Orfisme født i sammensmeltingen av alle disse påvirkningene, og gikk videre til å påvirke generasjoner av kommende abstrakte kunstnere.

Orfismens fødsel

Orfisme beskriver praksisen til en liten gruppe av for det meste europeiske malere som malte lyse, fargerike abstrakte malerier i en kvasi-kubistisk stil omtrent mellom 1912 og 1916 (selv om grunnleggerne fortsatte å arbeide i stilen i mange flere tiår). Bevegelsen ble navngitt av Guillaume Apollinaire, den franske kunstkritikeren som også myntet begrepene kubisme og surrealisme. Apollinaire la merke til at et lite antall malere utviklet en unik praksis delvis basert på kubistiske teorier, men med fokus på levende kontrasterende farger og stadig mer abstrakt innhold.

Apollinaire kalte disse malerne Orfister med henvisning til det idealiserte ryktet Orfeus har som den ultimate kunstner. Ordet var ment som et kontrast til den hyper-pragmatiske Analytiske Kubismen. Apollinaire bemerket hvordan Orfister utnyttet farge, linje og form på samme måte som musikere bruker noter, for å skape abstrakte komposisjoner som kunne inspirere følelser.

Men til tross for Apollinaires forsøk på å tildele en poetisk natur til Orfismens opprinnelse, var de tre grunnleggerne av bevegelsen faktisk stivt vitenskapelige i sin tilnærming til maleri. Selv om de faktisk var påvirket av musikkens abstrakte kvaliteter, forsøkte de ikke å engasjere seg i noe åndelig eller magisk. De utforsket spesifikke teorier om fargens effekter på menneskelig følelser.

Sonia Delaunay -Rythme coloré, 1952. Olje på lerret. 105,9 × 194,6 cm. © Sonia Delaunay

Separere farger fra objekter

Orfistene var interessert i de unike egenskapene som elementene linje, farge og form besitter, i tillegg til de estetiske fenomenene de vanligvis er assosiert med. De var spesielt inspirert av arbeidet til tre kunstteoretikere, som hver dekonstruerte elementene i maleri for å analysere den potensielle kraften i de enkelte elementene. Den første var Paul Signac, en lidenskapelig tilhenger av Pointillisme og dens oppfinner Georges Seurat. Signac skrev mye om Divisionisme, teorien bak Pointillisme, som avslørte at farger kunne oppnå en større effekt hvis de ble blandet i betrakterens øyne i stedet for på lerretet.

Orphistene ble for det andre påvirket av den franske akademikeren Charles Henry, hvis teorier om følelsesmessig assosiasjon antydet at linje, farge og form hadde autonome abstrakte assosiasjoner innen menneskelig bevissthet som kunne skilles fra objektivt emne. Mest betydningsfullt ble Orphistene påvirket av fargeteoriene til Michel Eugène Chevreul, den vitenskapsmannen hvis navn står på Eiffeltårnet, som analyserte effektene forskjellige farger hadde på menneskelige observatører så vel som på hverandre, og inkluderte en effekt kalt Chevreuls Illusjon, følelsen av at det ser ut til å være en lys linje som skiller to intense, nærliggende farger.

Robert Delaunay - Rhythm n°1, 1938. Olje på lerret. 529 x 592 cm. Veggdekorasjon for Salon des Tuileries. Musée d'Art Moderne de la ville de Paris.

Samtidig Kontrast

Chevreuls mest innflytelsesrike arbeid var innen et område kalt Simultan Kontrast, som så på effektene forskjellige farger hadde på hverandre. Mens han jobbet for et fargefirma, la Chevreul merke til at farger så forskjellige ut avhengig av hvilke andre farger de tilfeldigvis var ved siden av. Denne relative sammenligningen inspirerte ham til å teste ulike fargekombinasjoner og førte til mange observasjoner om de psykologiske effektene fargekombinasjonene hadde på menneskelige observatører.

Denne teorien om at forskjellige fargekombinasjoner kunne produsere distinkte følelsesmessige reaksjoner hos menneskelige observatører hadde en dyp innvirkning på Orfistene. De utforsket de såkalte "vibrasjons"-effektene av ulike fargekombinasjoner, og bemerket at visuelt forskjellige fargekombinasjoner bidro til en følelse av bevegelse, noe som førte til at noen sammenlignet verkene deres med de av Futuristene, som også var dypt opptatt av bevegelse og hastighet. Ved å gifte sammen de neo-impressionistiske teoriene om divisjonisme med det reduserte geometriske visuelle språket til kubismen, og deretter legge til lyse kontrasterende farger i et forsøk på å skape en følelse av bevegelse og psykologisk sansasjon, skapte Orfistene en unik estetisk kombinasjon som snart utviklet seg til en av de første rent abstrakte kunstbevegelsene.

Franz Kupka - Dynamiske disker, 1931-33. Gouache på papir. 27,9 x 27,9 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, testamentarisk gave, Richard S. Zeisler, 2007. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Hvem var orfistene?

De tre malerne som tilskrives grunnleggelsen av bevegelsen var Franz Kupka, Sonia Delaunay og Sonias ektemann Robert Delaunay. Disse tre malerne skapte den estetiske stilen som har blitt ikonisk for bevegelsen, og de kommuniserte mest vellykket den teoretiske basisen for arbeidet sitt. Flere andre kunstnere eksperimenterte også med stilen, inkludert Francis Picabia, Albert Gleizes, Fernand Léger og den amerikanske abstrakte maleren Patrick Henry Bruce. Men de fleste av disse malerne forlot snart trenden til fordel for andre fremvoksende stiler.

Franz Kupka - Newtonskiver (Studie for "Fuge i to farger"), 1912. Olje på lerret. 100,3 x 73,7 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Franz Kupka

Denne maleren født i Østerrike-Ungarn begynte sin karriere som illustratør av bøker. Selv om han var assosiert med grupper av kunstnere inkludert Futuristene, Kubistene og Puteaux-gruppen, unngikk han enhver direkte tilknytning til noen bevegelse eller stil. Hans hengivenhet til å forstå effektene og objektive egenskaper ved farge førte ham til å lage sine egne fargehjul basert på lignende tidligere arbeid av Isaac Newton. I 1912 malte Kupka det som på den tiden ble ansett som et banebrytende Orphist-verk, Fugue in Two Colors. Tidligere samme år, i forberedelse til det maleriet, malte han det som for mange mennesker siden har blitt et enda mer berømt maleri, Disks of Newton (Study for “Fugue in Two Colors”). Selv om han var i midten av 40-årene, meldte Kupka seg frivillig for å kjempe i første verdenskrig. Etter krigen fortsatte han å male, og fortsatte også å utforske geometri, farge, form og linje og deres abstrakte evner til å påvirke menneskelig følelser.

Sonia Delaunay -Prismes electriques, 1914. Olje på lerret. 250 × 250 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

Sonia Delaunay

Født Sarah Stern i Ukraina og utdannet i kunst i Tyskland, Sonia Delaunay flyttet til Paris for å bli kunstner i 1905. Hun giftet seg snart med kunsthandleren Wilhelm Uhde, og tilbrakte mye tid i galleriet hans. Der møtte hun den veletablerte, suksessrike maleren Robert Delaunay. Sonia skilte seg fra sin første ektemann og giftet seg med Robert Delaunay i 1909. Sammen bygde de videre på Robert Delaunays radikale studier av farge, noe som direkte førte til utviklingen av den unike stilen som har blitt Orfisme.

Sonia var ikke bare en produktiv og innflytelsesrik maler; hun jobbet også som designer innen mote, teater og industri. Hun fortsatte å fokusere på den iboende kraften i farger og geometriske former for å påvirke menneskelig persepsjon og kommunisere abstrakte sannheter gjennom hele sin karriere. I 1964 fikk Sonia en retrospektiv av sitt arbeid på Louvre, og ble den første levende kvinnelige kunstneren som ble hedret på denne måten.

Sonia Delaunay - Motedesign, 1925. Akvarell og blyant på papir. 38 x 55,6 cm.

Robert Delaunay

En ivrig forsker, innsiktsfull teoretiker og talentfull maler, Robert Delaunay var interessert i farge fra de tidligste stadiene av sin utvikling. I en alder av bare 19 år, stilte Delaunay allerede ut modent arbeid. Maleriene hans på den tiden var inspirert av divisjonistisk teori og var blant verkene som ble latterliggjort av den franske kunstkritikeren Louis Vauxcelles som bestående av "små kuber" av farge, en kommentar som førte til den senere myntingen av begrepet kubisme.

Delaunay selv knyttet seg ikke til noen bestemt malestil, og han motsto beskrivelsen som en Orfist gjennom hele sin karriere. Likevel interagerte han personlig og profesjonelt med mange av kunstnerne knyttet til kubismen og ulike samtidige abstrakte kunstbevegelser. Hans fokus var alltid intenst rettet mot farge. Selv når han malte verk i den analytiske kubistiske stilen, var hans livlige farger i strid med de andre malerne som arbeidet med lignende ideer på den tiden.

Robert Delaunay - Paysage au disque, 1907. Olje på lerret. 55 x 46 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

Arven etter orfisme

Disse visjonærene trodde på fargens kraft til å uttrykke følelser og sanser uavhengig av assosiasjoner med representasjonelle former. De var eksperimentatorer og trodde på ren abstraksjon som en måte å kommunisere de dypeste aspektene av den menneskelige erfaringen. Som andre lysende skikkelser fra tidlig 1900-tall, som Picasso og Kandinsky, brøt Kupka og Delaunay-familiene ny grunn i å skape en praksis som effektivt hjalp til med å introdusere ren abstraksjon for verden. Orfisme var kortvarig for de fleste kunstnere, men disse tre grunnleggerne av bevegelsen praktiserte det frem til sin død. De bidro til å inspirere andre bevegelser som Lyrisk og geometrisk abstraksjon, og blir fortsatt ansett som inspirasjoner for mange abstrakte kunstnere i dag.

Uthevet bilde: Robert Delaunay - La ville de Paris, 1911. Olje på lerret. 47,05 x 67,8 tommer. Toledo Museum of Art
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio