Sam Gilliams Musikk av Farge i Basel

I forbindelse med starten av Art Basel 2018, åpnet Kunstmuseum Basel nylig det som kalles den første europeiske separatutstillingen noensinne av arbeidet til den amerikanske abstrakte kunstneren Sam Gilliam. Utstillingen, med tittelen The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, inneholder totalt 45 verk kuratert fra private og institusjonelle samlinger fra USA og Europa. I følge mange kunstnere som jobber i dag, er Gilliam en av de viktigste amerikanske malerne, ikke bare fordi arbeidet hans er vakkert, men også på grunn av bidraget det har gitt til samtidskunstteori. Hans innovasjoner knuste fordommer i et avgjørende øyeblikk, og utfordret direkte noen av de mest høylytte stemmene fra hans generasjon. Så viktige var ideene hans at det faktisk kan virke vanskelig å tro at Gilliam aldri før har hatt en separatutstilling i Europa. Likevel, hvis du virkelig undersøker karrieren hans, kan det ikke komme som en så stor overraskelse likevel. Gilliam har alltid gjort ting på sin egen måte. Selv om arbeidet hans bidro til å etablere det flerfoldige kunstmarkedet vi kjenner i dag, har han aldri opptrådt etter forventningene til det markedet. Med ett ord, Gilliam er en opprører. Til tross for at han har representert USA på Venezia-biennalen to ganger – i 1972 og 2017 – signerte han først nylig med et galleri, for første gang i karrieren sin. Tidligere, selv når han var i rampelyset, solgte han for det meste arbeidet sitt selv, fra studioet sitt. Likevel inkluderte kjøperne hans dusinvis av de mest prestisjefylte museene i verden, inkludert Tate Modern, Guggenheim Museum i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA, og National Gallery of Art i Washington, DC, som alle har verkene hans. Hans vilje til aldri å gjøre det som forventes, kan godt være det som har stoppet Gilliam fra å være gjenstand for en monografisk europeisk utstilling frem til nå. Men det er også det som har ført til hans største gjennombrudd. Hans enestående selvtillit i sin egen visjon gjør Gilliam til den perfekte representanten for uavhengighet i kunstverdenen, og det er det som har gjort ham til en levende legende i verden av samtidsabstrakt kunst.

På den Fasede Kanten

Født i 1933, begynte Gilliam sin profesjonelle karriere på en tid da trendene gikk mot minimalisme, geometrisk abstraksjon, og post malerisk abstraksjon. Som mange andre malere fra sin generasjon, begynte han å male akkurat den typen arbeid. Hans hard-edge geometriske abstrakte verk fra tidlig på 1960-tallet minner om verkene til kunstnere som Frank Stella, Max Bill, eller Carmen Herrera. Året alt endret seg for Gilliam var 1967. Det var da han tok i bruk en helt annen metode for å helle akrylmaling direkte på uprimet lerret og deretter brette lerretet opp mens malingen fortsatt var våt. Han lot deretter lerretet tørke slik at de krøllete linjene for alltid ville bli inkorporert i materialet. Først da ville han strekke lerretet på strekkebarene.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på lerret, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med tillatelse fra kunstneren, Metropolitan Museum of Art, New York, og David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De resulterende linjene fra denne metoden fungerer som rester av kunstnerens hånd, og gir struktur og dimensjonalitet til kunstobjektet. Denne innovasjonen alene var banebrytende. Likevel stoppet ikke Gilliam der. Han faset kantene på sine strekkrammer, noe som brakte ny oppmerksomhet til sidene av maleriet, og ga dem lik betydning sammen med overflaten. De fasete kantene fikk maleriene til å se ut som om de trådte ut fra veggen, i stedet for bare å henge på den. Dette ga maleriene en nesten skulpturell tilstedeværelse. Han kalte disse verkene "Slice Paintings." Ordet slice hadde flere betydninger. Strekkrammene ble skåret i, noe som skapte den fasete effekten. Også foldene i lerretet fungerte som skiver inn i bildet, og skapte uforutsigbare fargekombinasjoner og uventede strukturelle variasjoner i verket som minnet om elveleier skåret inn i jordens overflate.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på lerret, eikebjelker. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med tillatelse fra kunstneren, Kunstmuseum Basel og David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldri den samme to ganger

Den neste innovasjonen som Gilliam er kjent for, skjedde i 1968, da han skapte sitt første "Drape Painting." Dette verkene befinner seg i et teoretisk rom et sted mellom maleri, skulptur og installasjon, fordi det eliminerer strekkrammer, og dermed utvider definisjonen av hva et maleri kan være. Gilliam malte sine "Drape Paintings" ved å bruke den samme metoden han benyttet med sine "Slice Paintings," ved å helle akrylmaling direkte på uprimet lerret. Men når maleriet var ferdig, i stedet for å krølle det sammen og deretter strekke det, la han ganske enkelt lerretet direkte på veggen, som et gardin eller et klesplagg. Hans "Drape Paintings" tok ideen om et formet lerret til et nytt nivå, og tillot verket å anta en helt ny konfigurasjon hver gang det blir presentert. Gilliam har gladelig bemerket at hans "Drape Paintings" aldri vises på samme måte to ganger.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Akryl på lerret, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Med vennlig hilsen fra kunstneren og Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Siden hans store gjennombrudd på slutten av 1960-tallet, har Gilliam fortsatt å eksperimentere og utvikle seg som kunstner. Han har utvidet sitt spekter av overflater, og maler på papir og tre. Han har også undersøkt grensene for collage, og funnet stadig flere måter å blande materialer, medier og teknikker på. Til tross for de åpenbare forskjellene i alle hans ulike verk, er det imidlertid ett aspekt ved alt Gilliam har gjort som definerer hans unike bidrag til samtidskunsten, som har å gjøre med hvordan han har hjulpet oss å forstå at maleri og skulptur egentlig er det samme. Folk sier ofte at en kunstner har visket ut grensene mellom maleri og skulptur, kanskje fordi maleriene deres har dimensjon, eller fordi de henger fra taket eller står på gulvet. Gilliam oppnådde mye mer enn det. Han behandler virkelig overflatene sine på samme måte som en skulptør ville behandlet metall, marmor eller leire. Han beviser at overflaten av et maleri har evnen til å formidle følelser, fortelle en historie, eller kommunisere formelle emner. Han definerer overflaten som mer enn en støtte—han gjør den til et medium i seg selv. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 er utstilt til 30. september på Kunstmuseum Basel.

Fremhevet bilde: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på lerret, 304,8 x 2269 cm. Corcoran-samlingen, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Av Phillip Barcio