Sam Gilliams Musikk av Farge i Basel

I forbindelse med starten av Art Basel 2018 åpnet Kunstmuseum Basel nylig det som omtales som den første europeiske soloutstillingen noensinne av arbeidet til den amerikanske abstrakte kunstneren Sam Gilliam. Utstillingen, med tittelen Fargenes musikk: Sam Gilliam, 1967 – 1973, viser totalt 45 verk kuratert fra private og institusjonelle samlinger i USA og Europa. Etter mange kunstneres mening i dag er Gilliam en av de viktigste amerikanske malerne, ikke bare fordi hans verk er vakre, men på grunn av bidraget de har gitt til samtidskunstteorien. Hans nyskapninger brøt ned forutinntatte forestillinger på et avgjørende tidspunkt, og utfordret direkte noen av de mest høylytte stemmene i hans generasjon. Hans ideer var så viktige at det faktisk kan virke vanskelig å tro at Gilliam aldri før har hatt en soloutstilling i Europa. Men hvis man virkelig ser nærmere på hans karriere, er det kanskje ikke så overraskende likevel. Gilliam har alltid gjort ting på sin egen måte. Selv om hans arbeid bidro til å etablere det mangfoldige kunstmarkedet vi kjenner i dag, har han aldri handlet etter forventningene i dette markedet. Med ett ord er Gilliam en opprører. Til tross for at han har representert USA to ganger på Venezia-biennalen – i 1972 og 2017 – signerte han nylig med et galleri for første gang i sin karriere. Tidligere, selv når han var i rampelyset, solgte han for det meste sine verk selv, direkte fra atelieret. Likevel inkluderte hans kjøpere dusinvis av verdens mest prestisjefylte museer, blant annet Tate Modern, Guggenheim-museet i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA og National Gallery of Art i Washington, DC, som alle har hans verk i sine samlinger. Hans vilje til aldri å gjøre det som forventes kan godt være det som har hindret Gilliam i å bli gjenstand for en monografisk europeisk utstilling før nå. Men det er også det som har ført til hans største gjennombrudd. Hans unike tillit til sin egen visjon gjør Gilliam til den perfekte representanten for uavhengighet i kunstverdenen, og det er det som har gjort ham til en levende legende innen samtids abstrakt kunst.

På den skrå kanten

Født i 1933, startet Gilliam sin profesjonelle karriere på et tidspunkt da trender beveget seg mot minimalisme, geometrisk abstraksjon og post-malerisk abstraksjon. Som mange andre malere i hans generasjon begynte han med nettopp denne typen verk. Hans hardkantede geometriske abstrakte arbeider fra tidlig på 1960-tallet minner om verkene til kunstnere som Frank Stella, Max Bill eller Carmen Herrera. Året alt endret seg for Gilliam var 1967. Det var da han tok i bruk en helt annen metode, hvor han helte akrylmaling direkte på ugrunnede lerreter og deretter brettet lerretet mens malingen fortsatt var våt. Deretter lot han lerretet tørke slik at de krøllete linjene for alltid ble en del av materialet. Først da strammet han lerretet opp på rammer.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på lerret, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med tillatelse fra kunstneren, Metropolitan Museum of Art, New York, og David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De resulterende linjene fra denne metoden fungerer som spor etter kunstnerens hånd og tilfører struktur og dybde til kunstobjektet. Denne nyskapningen alene var banebrytende. Men Gilliam stoppet ikke der. Han skrådde også kantene på rammene, noe som trakk ny oppmerksomhet til sidene av maleriet og ga dem like stor betydning som overflaten. De skrådde kantene fikk maleriene til å virke som om de vokste ut fra veggen, i stedet for bare å henge på den. Dette ga maleriene en nesten skulpturell tilstedeværelse. Han kalte disse verkene «Slice Paintings» (skjæringsmalerier). Ordet «slice» hadde flere betydninger. Rammene ble skåret inn i, noe som skapte den skrådde effekten. Også foldene i lerretet fungerte som snitt i bildet, og skapte uforutsigbare fargekombinasjoner og uventede strukturelle variasjoner i verket, som minner om elveleier som er skåret inn i jordens overflate.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på lerret, eikebjelker. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med tillatelse fra kunstneren, Kunstmuseum Basel og David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldri lik to ganger

Den neste nyskapningen Gilliam er kjent for, skjedde i 1968, da han laget sine første «Drape Paintings» (draperimalerier). Denne serien befinner seg i et teoretisk rom et sted mellom maleri, skulptur og installasjon, fordi den fjerner rammene og dermed utvider definisjonen av hva et maleri kan være. Gilliam malte sine «Drape Paintings» med samme metode som han brukte på sine «Slice Paintings», ved å helle akrylmaling direkte på ugrunnede lerreter. Men når maleriet var ferdig, i stedet for å krølle det sammen og deretter stramme det opp, draperte han lerretet rett på veggen, som et gardin eller et klesplagg. Hans «Drape Paintings» tok ideen om formet lerret til et nytt nivå, og lot verket anta en helt ny form hver gang det vises. Gilliam har med glede bemerket at hans «Drape Paintings» aldri vises likt to ganger.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, akryl på lerret, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, med tillatelse fra kunstneren og Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Siden hans store gjennombrudd på slutten av 1960-tallet har Gilliam fortsatt å eksperimentere og utvikle seg som kunstner. Han har utvidet sitt spekter av underlag, og malt på papir og tre. Han har også utforsket grensene for kollasj, og funnet stadig flere måter å blande materialer, medier og teknikker på. Til tross for de tilsynelatende forskjellene i alle hans ulike verkserier, finnes det én side ved alt Gilliam har gjort som definerer hans unike bidrag til samtidskunsten, nemlig hvordan han hjalp oss å forstå at maleri og skulptur egentlig er det samme. Folk sier ofte at en kunstner har visket ut grensene mellom maleri og skulptur, kanskje fordi maleriene deres har dybde, eller fordi de henger fra taket eller står på gulvet. Gilliam oppnådde mye mer enn det. Han behandler virkelig sine flater på samme måte som en skulptør behandler metall, marmor eller leire. Han viser at overflaten på et maleri har evnen til å formidle følelser, fortelle en historie eller kommunisere formelt innhold. Han definerer overflaten som mer enn bare en støtte – han gjør den til et medium i seg selv. Fargenes musikk: Sam Gilliam, 1967 – 1973 vises frem til 30. september på Kunstmuseum Basel.

Bilde i front: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på lerret, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Av Phillip Barcio