De kule årene i LA og de tidlige verkene til Judy Chicago

Judy Chicago er uten tvil blant de mest innflytelsesrike kunstnerne i dag. Hennes monumentale installasjon «Dinner Party» (1974-79), delvis minimalistisk ikon og delvis feministisk mesterverk, inspirerte både samtidig kritikk og anerkjennelse, og etablerte henne som en kulturell pioner. Likevel er det mange som fortsatt er ukjente med hennes tidlige arbeider. Chicago har vært et så vitalt og produktivt medlem av frontlinjen siden 1970-tallet at mange av hennes eksperimentelle verk fra 1960-tallet aldri engang har blitt sett av samtidige betraktere, inkludert mange av hennes største fans. Heldigvis arrangerer Villa Arson i Nice, Frankrike, denne sommeren, i påvente av en retrospektiv utstilling med Judy Chicago som åpner i desember ved Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, en nyskapende utstilling som har som mål å bringe hennes tidlige eksperimenter frem i lyset, for å gi dem den respekten de fortjener. Utstillingen med tittelen Los Angeles, the cool years / Judy Chicago gir et detaljert og intimt innblikk i de mange estetiske fasene Chicago gikk gjennom frem mot skapelsen av «Dinner Party». Den viser det utrolige spekteret av ideer denne kunstneren utviklet i løpet av det viktige tiåret, og gir et glimt av et ubestridelig geni som var, og fortsatt er, helt dedikert til åpenhet og vekst.

Kraften i et navn

Judith Sylvia Cohen ble født i Chicago, Illinois, i 1939. Hennes far, Arthur Cohen, var en liberal og åpensinnet rabbiner som også innprentet både Judy og hennes bror en kjærlighet til kunst og musikk, samt en forståelse for likestilling og respekt for arbeidernes rettigheter. Judy var bare fem år gammel da hun først begynte å ta timer ved Art Institute of Chicago. Men dessverre døde faren hennes da Judy bare var 13 år gammel. Fem år senere forlot Judy hjembyen sin og flyttet til California, hvor hun begynte som kunststudent ved UCLA. Der møtte hun sin første ektemann, Jerry Gerowitz, som tragisk omkom bare fem år senere i en bilulykke, og etterlot Judy som enke i en alder av 23 år. Sammen med disse ødeleggende tapene, av faren og første ektemann, sto Judy overfor den grusomme, ironiske erkjennelsen av at de eneste navnene hun noen gang hadde vært kjent under, tilhørte menn. Til tross for sin kjærlighet til dem, bar hun nag til det faktum at hun aldri hadde fått muligheten til å velge sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymaling på panser av Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Med tillatelse fra kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Mens hun arbeidet mot sin mastergrad, slet Judy med å forstå hva hennes sanne identitet var, og lurte på hva hun skulle kalle seg selv. Rundt 1965 begynte hun på en serie malerier på bilpanser som involverte symbolikk knyttet til kjønnsroller og seksualitet. Overflaten taler samtidig smertefullt til omstendighetene der hennes kjærlighet nylig hadde gått tapt. I 1967 ble et essay av Lucy Lippard og John Chandler med tittelen «The Dematerialization of Art» publisert, noe som inspirerte Judy til å reflektere over den egentlige verdien av konkrete gjenstander, og for den saks skyld materielle merkelapper knyttet til identitet. Hun ga uttrykk for sine tanker om temaet i 1969 med en serie Atmosphere-verk, hvor fyrverkeri skapte skyer av flyktig røyk. Innen 1970 hadde arbeidet hennes hjulpet henne til å nå et øyeblikk av besluttsomhet. Hun oppløste sitt tidligere jeg, og trådte frem som en mer selvsikker, selvrealisert kunstner. Til feiring la hun ut en annonse i Artforum, og hengte samtidig opp et banner på en av sine separatutstillinger, hvor det sto: «Judy Gerowitz frasier seg herved alle navn pålagt henne gjennom mannlig sosial dominans og velger sitt eget navn, Judy Chicago.»

Judy Chicago - Evening Fan fra Fresno Fans-serien, 1971. Akryllakk sprøytet på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Med tillatelse fra kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle former og farger

Ved siden av de svært personlige verkene Judy Chicago laget på 1960-tallet, skapte hun også flere verkserier som tok for seg de mer akademiske spørsmålene som ulmet i kunstverdenen på den tiden. Den nåværende utstillingen ved Villa Arson i Nice gjenskaper flere av disse banebrytende verkene. Ett av dem er «Feather Room» (1967), et hvitt kube-gallerirom fylt med fjær opp til knærne. Et annet, med tittelen «Rearrangeable Rainbow Blocks» (1965), gir et lekent, lekebasert perspektiv på minimalisme, som motvekt til det stoiske, mannsdominerte synet til kunstnere som Donald Judd med noe flytende, kreativt og åpent. Å se disse verkene sammen med hennes bilpanserverk og bilder fra Atmosphere-serien gir et langt mer sammensatt bilde av Chicago enn de fleste andre utstillinger har gjort tidligere. Denne utstillingen skildrer en vittig, intelligent og høyt konseptuell person som ikke er redd for å uttrykke både sin intellektuelle side og sin poetiske, menneskelige side. Det er en utstilling rik på følelser og full av hjerte, som gir oss et medfølende, helhetlig glimt av Chicago som denne kunstneren fortjener.

Judy Chicago - Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Lakk på aluminium, 12 elementer: 6 blokker 30,5 x 30,5 x 121,9 cm og 6 blokker 61 x 61 x 30,5 cm. Med tillatelse fra kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

I tillegg har Géraldine Gourbe, kuratoren for denne utstillingen, fulgt den nyskapende ideen om å tenke nytt rundt hva begrensningene for en separatutstilling vanligvis er. Hun kaller denne utstillingen «en monografisk og kollektiv utstilling», og har kuratert den ut fra perspektivet at vi egentlig ikke kan fullt ut verdsette arbeidet Chicago gjorde i denne viktige perioden i livet uten også å se noen viktige verk av samtidige som direkte påvirket henne. Jeg elsker denne ideen, at en separatutstilling også kan inkludere et lite utvalg verk av andre kunstnere som inspirerte hovedkunstneren til å lage verkene som vises. I dette tilfellet er de andre verkene som vises av Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill og DeWain Valentine, alle nyskapere på sin egen måte. De hjelper til med å vise at til tross for at Chicago gikk gjennom noen svært personlige omstendigheter, arbeidet og tenkte hun ikke i et vakuum. Videre gjør de ingenting for å minske Chicago, men løfter faktisk hennes geni ved å spesifisere nøyaktig hvordan hun skilte seg ut fra de andre strålende kunstnerne i sin generasjon, selv om de hjalp til med å forme hennes visjon. Hvis du er i Frankrike denne sommeren eller høsten og ønsker å oppleve denne ekstraordinære utstillingen selv, vises Los Angeles, the cool years / Judy Chicago på Villa Arson Nice frem til 4. november 2018.

Utvalgt bilde: Judy Chicago - Modell for Fresno Fan #6, 1971. Akryllakk sprøytet på akryl, innrammede mål: 38,1 x 76,2 cm. Med tillatelse fra kunstneren og Salon 94, New York. ADAGP 2018

Av Phillip Barcio