De kule årene i LA og de tidlige verkene til Judy Chicago

Judy Chicago er uten tvil en av de mest innflytelsesrike kunstnerne i dag. Hennes monumentale installasjon "Dinner Party" (1974-79), delvis minimalistisk ikon og delvis feministisk mesterverk, inspirerte både kritikk og anerkjennelse, og etablerte henne som en kulturell pioner. Likevel er det mange som fortsatt er ukjente med hennes tidlige arbeid. Chicago har vært et så vitalt og produktivt medlem av forgrunnen siden 1970-tallet at mange av hennes eksperimentelle verk fra 1960-tallet aldri har blitt sett av samtidige seere, inkludert mange av hennes største fans. Heldigvis, denne sommeren, i påvente av en retrospektiv av Judy Chicago som åpner i desember på Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, holder Villa Arson i Nice, Frankrike, en innovativ utstilling som har som mål å bringe hennes tidlige eksperimenter tilbake i lyset, for å gi dem den respekten de fortjener. Tittelen Los Angeles, de kule årene / Judy Chicago, gir en detaljert og intim titt på de mange estetiske fasene Chicago gikk gjennom frem til skapelsen av "Dinner Party." Den viser det utrolige spekteret av ideer denne kunstneren utviklet i løpet av det viktige tiåret, og gir et glimt av et ubestridelig geni som var, og fortsatt er, helt dedikert til åpenhet og vekst.

Kraften til et navn

Judith Sylvia Cohen ble født i Chicago, Illinois, i 1939. Faren hennes, Arthur Cohen, var en liberal og åpenhjertig rabbi som også innpodet både Judy og broren hennes en forståelse for kunst og musikk, samt en forståelse for likestilling og respekt for arbeidernes rettigheter. Judy var bare fem år gammel da hun først begynte å ta klasser ved Art Institute of Chicago. Men dessverre døde faren hennes da Judy bare var 13 år gammel. Fem år senere forlot Judy hjembyen sin og flyttet til California, hvor hun meldte seg inn som kunststudent ved UCLA. Der møtte hun sin første ektemann, Jerry Gerowitz, som tragisk nok døde bare fem år senere i en bilulykke, og etterlot Judy som enke i en alder av 23. I tillegg til disse ødeleggende tapene, av faren og første ektemann, fant Judy seg selv i møte med den grusomme, ironiske tanken om at de eneste navnene hun noen gang hadde vært kjent som, tilhørte menn. Til tross for kjærligheten til dem, mislikte hun det faktum at hun aldri hadde hatt sjansen til å velge sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymaling på Corvair-hette, 109 x 109 x 71,1 cm. Courtesy av kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Da hun arbeidet mot sin mastergrad, slet Judy med å forstå hva hennes sanne identitet var, og lurte på hva hun skulle kalle seg selv. Rundt 1965 begynte hun en serie malerier på bilpanser som involverte symbolikk relatert til kjønnsroller og seksualitet. Overflaten snakker samtidig smertefullt om omstendighetene der hennes kjærlighet nylig hadde dødd. I 1967 ble et essay av Lucy Lippard og John Chandler med tittelen "The Dematerialization of Art" publisert, som inspirerte Judy til å reflektere over den sanne verdien av konkrete objekter, og for den saks skyld materielle etiketter relatert til identitet. Hun ga stemme til sine ideer om emnet i 1969 med en serie Atmosphere-verk, der fyrverkeri skapte skyer av flyktig røyk. Innen 1970 hadde arbeidet hennes hjulpet henne til å nå et øyeblikk av besluttsomhet. Hun oppløste sitt tidligere jeg, og dukket opp som en mer selvsikker, selvrealisert kunstner. I feiring la hun ut en annonse i Artforum, og hengte samtidig opp et banner på en av sine separatutstillinger, som leste: "Judy Gerowitz frasier seg herved alle navn pålagt henne gjennom mannlig sosial dominans og velger sitt eget navn, Judy Chicago."

Judy Chicago - Evening Fan fra Fresno Fans-serien, 1971. Sprøytet akryllakk på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Courtesy av kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle former og farger

Sammen med de svært personlige verkene som Judy Chicago laget på 1960-tallet, skapte hun også flere verk som tok opp de mer akademiske spørsmålene som var i ferd med å utvikle seg i kunstverdenen på den tiden. Den nåværende utstillingen på Villa Arson i Nice rekonstruerer flere av disse banebrytende verkene. Ett av dem er "Feather Room" (1967), et hvitt kube-galleri fylt til knærne med fjær. Et annet, med tittelen "Rearrangeable Rainbow Blocks" (1965), tilbyr et lekent, spillbasert perspektiv på Minimalisme, som motvirker det stoiske, mannsdominerte synet til kunstnere som Donald Judd med noe flytende, kreativt og åpent. Å se disse verkene sammen med hennes bilpanserstykker og bilder fra hennes Atmospheres-serie gir et mye mer komplekst bilde av Chicago enn de fleste andre utstillinger har tilbudt tidligere. Denne utstillingen skildrer en vittig, intelligent, høyt konseptuell person som ikke er redd for å uttrykke både sin intellektuelle side og sin poetiske, menneskelige side. Det er en utstilling rik på følelser og full av hjerte, som gir oss et sympatisk, velbalansert innblikk i Chicago som denne kunstneren fortjener.

Judy Chicago - Omorganiserbare regnbueblokker, 1965. Lakkert på aluminium, 12 elementer: 6 blokker 30,5 x 30,5 x 121,9 cm og 6 blokker 61 x 61 x 30,5 cm. Courtesy av kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

I tillegg har Géraldine Gourbe, kuratoren for denne utstillingen, forfulgt den innovative ideen om å gjenoppfinne hva begrensningene for en separatutstilling vanligvis er. Hun kaller denne utstillingen "en monografisk og kollektiv utstilling," og hun har kuratert den fra perspektivet at vi ikke virkelig kan sette pris på arbeidet Chicago gjorde i denne essensielle perioden i livet hennes uten også å se noen viktige verk fra en rekke samtidige som direkte påvirket henne. Jeg elsker denne ideen, at en separatutstilling også kan inkludere bare et lite utvalg av verk fra andre kunstnere som inspirerte den fremhevede kunstneren til å lage verkene som er utstilt. I dette tilfellet er de andre verkene på utstilling av Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill, og DeWain Valentine, hver en innovatør i sin egen rett. De hjelper til med å demonstrere at til tross for å gå gjennom noen intenst personlige omstendigheter, arbeidet Chicago ikke eller tenkte i et vakuum. Videre gjør de ingenting for å redusere Chicago, men de hever faktisk hennes geni ved å spesifisere nøyaktig hvordan hun skilte seg fra de andre strålende kunstnerne i sin generasjon, selv om de hjalp til med å forme hennes visjon. Hvis du er i Frankrike denne sommeren eller høsten og ønsker å oppleve denne ekstraordinære utstillingen selv, Los Angeles, de kule årene / Judy Chicago er på utstilling på Villa Arson Nice frem til 4. november 2018.

Utvalgt bilde: Judy Chicago - Modell for Fresno Fan #6, 1971. Sprøytet akryllakk på akryl, innrammede dimensjoner: 38,1 x 76,2 cm. Med tillatelse fra kunstneren og Salon 94, New York. ADAGP 2018

Av Phillip Barcio