De viktigste abstrakte kunstnerne i det 21. århundre – så langt

Hvis du er noe som meg, selv om jeg skrev stykket, kan du bli litt plaget av tittelen på denne artikkelen. Hvordan kan jeg, bare to tiår inn, muligens vite hvem de viktigste kunstnerne i det 21. århundre vil være? I 1920 var mange av de viktigste kunstnerne i det 20. århundre ikke engang født ennå. Og uansett, hva er kriteriene for å fastslå om en kunstner er viktig? Selv om jeg er enig i disse punktene, finner jeg det likevel nyttig å ta en vurdering nå og da av hvilke kunstnere jeg mener er viktige og hvorfor, og begynnelsen av et nytt tiår virker som en perfekt unnskyldning. Når det gjelder hva som definerer en viktig kunstner, har jeg i mine 11 år som kunstjournalist (en dråpe i havet sammenlignet med mange av mine kolleger) hørt dusinvis av svar på dette spørsmålet. De fleste faller tilbake på tre mål: berømmelse, auksjonspriser og inkludering i prestisjetunge utstillinger og samlinger. Likevel, selv om det kan være trifekta av notoritet som kan garantere en kunstner en Wikipedia-side, har det lite, etter min mening, å gjøre med å gjøre en kunstner viktig. For meg er det eneste tilfredsstillende målet for viktigheten av en kunstner den innflytelsen de har på andre mennesker. Viktige kunstnere inspirerer folk til å fortsette å tro på verdien av kunst, og de overbeviser andre mennesker om å prøve å lage sin egen kunst, eller å fortsette å lage sin egen kunst. Når det gjelder hvem som er inkludert på denne listen, er det uunngåelig at den er ufullstendig, unøyaktig og kontroversiell; alle lister er det. Likevel har hver av disse ti kunstnerne fortjent sin inkludering her på grunn av den innflytelsen de allerede har hatt både på andre kunstnere og på folk utenfor kunstfeltet. De er pollinatorer, som sprer de nødvendige ingrediensene av inspirasjon, eksperimentering og handling, slik at vi kan fortsette å la abstraksjon blomstre inn i fremtiden.

Tom Abts

I nesten to tiår har den tyske maleren Tomma Abts (f. 1967) laget malerier i samme størrelse om og om igjen—48 x 38 cm. Hun arbeider intuitivt for å lage abstrakte, geometriske komposisjoner som følger sin egen logikk, og maler ofte flere lag over komposisjonene til hun er fornøyd, samtidig som hun lar impasto-ridgene fra tidligere lag skinne gjennom. Uavhengig av noen visuell stil, dedikert kun til sin metode, er Abts berømt for å jobbe sakte. Til tross for at hun ikke er produktiv, og til tross for å ignorere kravet om å definere sin visuelle stil, ble Abts den første kvinnelige maleren som vant Turner-prisen—levende bevis på verdien av å finne sin egen vei.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl og olje på lerret. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Med vennlig hilsen Privat samling, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerer maleri, collage og décollage for å skape abstrakte bilder som kartlegger hans forhold mellom de fysiske og kulturelle realitetene i nåtiden og fortiden. Hans materialer og prosesser har inspirert en generasjon av kunstnere til å lage taktile verk som taler til samspillet mellom vekst og forfall. Utover sin kunstkarriere er Bradford en innflytelsesrik samfunnsorganisator, som samarbeider med filantropen Eileen Harris Norton og aktivisten Allan Dicastro for å skape Art + Practice, et sted hvor utsatte naboer, som barn som går over fra fosterhjem, kan delta i kunsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Trykte materialer, akryl, karbonpapir, snor, papir og blandede medier på lerret. 102 x 144 tommer. (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyske abstrakte maleren Charline von Heyl (f. 1960) avviser kynismen i postmodernismen til fordel for en tro på at noe nytt kan oppstå fra dens ruiner. Von Heyl tar i bruk hele den visuelle historien som sitt kildemateriale, og kombinerer utallige referanser på individualistiske måter som antyder at vi er arvinger av en langt rikere og mer mangfoldig estetisk arv enn det kunsthistorielærerne våre gir inntrykk av.

Charline von Heyl - Uten tittel, 2007. En fra en serie på ti monotypier med litografi, tresnitt,
skjermtrykk, og digitaltrykk, med blekk, akryl, og collage tillegg. Fond for det tjueførste århundre. MoMA-samlingen. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den tverrfaglige sørafrikanske kunstneren Nicholas Hlobo (f. 1975) representerer forposten for en håpefull tid når data og analyse vil bli mindre viktig enn følelser og kreativitet. Hans arbeid er informert av hans identitet, men han går fryktløst utover faktaene om sine kulturelle påvirkninger—fakta som ellers kunne tvinge ham til å lage arbeid kun om hva som er—for å fremkalle semi-magiske abstrakte verk som griper mot en følelse av hva som kan bli.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kobber. 51,18 x 112,99 x 72,83 tommer (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotske kunstneren Jim Lambie (f. 1964) bygger bro mellom den sentrale ideen i Pop Art – at folk "forstår det" – og de mer udefinerbare aspektene ved Abstraksjon. De massive gulvinstallasjonene som Lambie er mest kjent for, finner felles grunn mellom disse posisjonene, ved å ta formalisme bort fra veggene og fylle håndgripelig rom med farge, linje, overflate og glans. Hans installasjoner fremkaller trykkfrie, hverdagslige interaksjoner med seere som nå bokstavelig talt kan se seg selv inne i verket.

Jim Lambie - Lydsystem, 2015. Farget metallisk vinyl. Roslyn Oxley9 Galleri. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Å møte et maleri av den etiopiskfødte, amerikanske maleren Julie Mehretu (f. 1970) er å bli invitert inn i en helt ny visuell sivilisasjon. Hver av hennes abstrakte komposisjoner kommer til liv som et komplekst, levende organisme, som sprer seg, multipliserer og utvikler stadig mer kompliserte strukturer og avhengigheter. Mehretu uttrykker perfekt de mange bekymringene og mulighetene i den sammenkoblede tidsalderen vi tilhører.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Blekk og akryl på lerret. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tommer (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gave fra Jeanne Greenberg Rohatyn og Nicolas Rohatyn og A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Donald Trump

Odita, den nigerianskfødte, amerikanske abstrakte maleren Odili Donald Odita (f. 1966), er en del av en bølge av internasjonale kunstnere som bringer global oppmerksomhet til sammenhengene mellom arven fra urfolkskunst og vestlig modernisme. Odita blander mønstrene, fargene og formene fra sitt hjemland Nigeria med de estetiske strategiene til modernistisk abstraksjon, og bruker ofte sine storskalaverk på offentlige steder, hvor de blir materialiseringen av energi og universellhet i arkitektonisk skala.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på lerret. 72 x 90 tommer. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irske abstrakte skulptøren Eva Rothschild (f. 1971) erklærer dristig at aktivisme er innebygd i valget om å lage abstrakt kunst. I en tid hvor narrativt innhold ser ut til å være konge, viser Rothschild hvordan de tidløse visuelle språkene som er tydelige i Suprematisme, Konstruktivisme og Minimalisme kan skape dristige, nye abstrakte former som taler til frihet, uavhengighet, mangfold og fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium og maling. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Courtesy Stuart Shave/Modern Art, London og Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Den tyske kunstneren Thomas Scheibitz (f. 1968) svarer på spørsmålet om hvordan fantasi og lek kan tas på alvor innenfor det abstrakte kunstfeltet, selv i en tid preget av angst. Ved å kombinere arven fra bevegelser som Rayonisme, Futurisme og Kubisme med ekko av arkitektoniske fremstillinger og design fra midten av århundret, skaper Scheibitz uhyggelig kjente verk som ser ut til å ha oppstått fra et parallelt estetisk univers.

Pae White

Den amerikanske kunstneren Pae White (f. 1963) bruker abstraksjon for å vise oss gjenkjennelige bilder fra vår tid. Hennes fantastiske verk kombinerer skildringer av naturens krefter med småbiter kastet bort fra vår hyper-digitaliserte, hyper-materialiserte nåtid, og viser oss noen ganger skremmende scener fra ekteskapet mellom struktur og forvirring.

Utvalgt bilde: Charline von Heyl - Språket til underverdenen, 2017. Akryl og kull på lin. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio