De viktigste abstrakte kunstnerne i det 21. århundre – så langt

Hvis du er noe som meg, selv om jeg skrev teksten, kan du kanskje bli litt forstyrret av tittelen på denne artikkelen. Hvordan, bare to tiår inn, kan jeg muligens vite hvem de viktigste kunstnerne i det 21. århundre vil være? I 1920 var mange av de viktigste kunstnerne i det 20. århundre ikke engang født ennå. Og uansett, hva er kriteriene for å fastslå om en kunstner er viktig? Selv om jeg er enig i disse punktene, finner jeg likevel det nyttig å ta en vurdering nå og da av hvilke kunstnere jeg mener er viktige og hvorfor, og begynnelsen på et nytt tiår virker som en helt grei unnskyldning. Når det gjelder hva som definerer en viktig kunstner, har jeg i mine 11 år som kunstjournalist (en dråpe i havet sammenlignet med mange av mine kolleger) hørt dusinvis av svar på dette spørsmålet. De fleste faller tilbake på tre mål: berømmelse, auksjonspriser og inkludering i prestisjefylte utstillinger og samlinger. Likevel, selv om dette kan være triumviratet av berømmelse som kan garantere en kunstner en Wikipedia-side, har det lite, etter min mening, å gjøre med å gjøre en kunstner viktig. For meg er det eneste tilfredsstillende målet på en kunstners betydning den innflytelsen de har på andre mennesker. Viktige kunstnere inspirerer folk til å fortsette å tro på verdien av kunst, og de overbeviser andre om å prøve å lage sin egen kunst, eller å fortsette å lage sin egen kunst. Når det gjelder hvem som er med på denne listen, er det uunngåelig at den er ufullstendig, unøyaktig og kontroversiell; alle lister er det. Likevel har hver av disse ti kunstnerne fortjent sin plass her på grunn av den innflytelsen de allerede har hatt både på andre kunstnere og på folk utenfor kunstfeltet. De er pollinatorer, som sprer de nødvendige ingrediensene av inspirasjon, eksperimentering og handling, slik at vi kan holde abstraksjonen levende inn i fremtiden.

Tomma Abts

I nesten to tiår har den tyske maleren Tomma Abts (f. 1967) laget det samme maleriet om og om igjen—48 x 38 cm. Hun arbeider intuitivt for å skape abstrakte, geometriske komposisjoner som følger sin egen logikk, ofte maler hun flere lag over komposisjonene til hun er fornøyd, samtidig som hun lar impasto-rillene fra tidligere lag skinne gjennom. Uavhengig av noen visuell stil, dedikert kun til sin metode, er Abts kjent for å arbeide sakte. Til tross for at hun ikke er produktiv, og til tross for at hun ignorerer kravet om å definere sin visuelle stil, ble Abts den første kvinnelige maleren som vant Turner-prisen—levende bevis på verdien av å finne sin egen vei.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl og olje på lerret. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Med tillatelse fra Privat samling, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerer maleri, kollasj og décollage for å skape abstraherte bilder som kartlegger hans forhold mellom de fysiske og kulturelle realitetene i nåtiden og fortiden. Hans materialer og prosesser har inspirert en generasjon kunstnere til å lage taktile verk som taler til samspillet mellom vekst og forfall. Utover sin kunstkarriere er Bradford en innflytelsesrik samfunnsorganisator, som samarbeider med filantropen Eileen Harris Norton og aktivisten Allan Dicastro for å skape Art + Practice, et sted hvor utsatte naboer, som barn som går ut av fosterhjem, kan delta i kunsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Trykte materialer, akryl, karbonpapir, snor, papir og blandede medier på lerret. 102 x 144 tommer (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyske abstrakte maleren Charline von Heyl (f. 1960) avviser kynismen i postmodernismen til fordel for en tro på at noe nytt kan oppstå fra dens vrak. Von Heyl tar i bruk hele den visuelle historien som sitt kildemateriale, og kombinerer utallige referanser på individualistiske måter som antyder at vi er arvinger til en langt rikere og mer mangfoldig estetisk arv enn det kunsthistorielærerne våre gir inntrykk av.

Charline von Heyl - Untitled, 2007. En fra en serie på ti monotrykk med litografi, tresnitt,
silketrykk og digitalt trykk, med blekk, akryl og kollasjtillegg. Fund for the Twenty-First Century. MoMA-samlingen. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den flerfaglige sørafrikanske kunstneren Nicholas Hlobo (f. 1975) representerer forkant av en håpefull tid da data og analyse vil bli mindre viktig enn følelse og skaperevne. Hans arbeid er preget av hans identitet, men han går fryktløst utover fakta om sine kulturelle påvirkninger—fakta som ellers kunne ha tvunget ham til å lage verk bare om det som er—for å fremkalle semi-magiske abstrakte verk som strekker seg mot en følelse av hva som kan være.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kobber. 51,18 x 112,99 x 72,83 tommer (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotske kunstneren Jim Lambie (f. 1964) bygger bro mellom hovedideen i popkunst—at folk «forstår det»—og de mer uhåndgripelige aspektene ved abstraksjon. De massive gulvinstallasjonene som Lambie er mest kjent for, finner felles grunn mellom disse posisjonene, og tar formalismen ned fra veggene og fyller håndgripelig rom med farge, linje, overflate og glans. Hans installasjoner setter i gang trykkløse, hverdagslige møter med betraktere som nå bokstavelig talt kan se seg selv inne i verket.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Farget metallisk vinyl. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Å møte et maleri av den etiopiskfødte, amerikanske maleren Julie Mehretu (f. 1970) er som å bli invitert inn i en helt ny visuell sivilisasjon. Hver av hennes abstrakte komposisjoner oppstår som en kompleks, levende organisme, som sprer seg, former seg og utvikler stadig mer kompliserte strukturer og gjensidige avhengigheter. Mehretu uttrykker perfekt de mange bekymringene og mulighetene i den sammenkoblede tidsalderen vi tilhører.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Blekk og akryl på lerret. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tommer (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gave fra Jeanne Greenberg Rohatyn og Nicolas Rohatyn og A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Odili Donald

Den nigerianskfødte, amerikanske abstrakte maleren Odili Donald Odita (f. 1966) er en del av en bølge av internasjonale kunstnere som bringer global oppmerksomhet til sammenhengene mellom arven fra urfolkskunst og vestlig modernisme. Odita blander mønstrene, fargene og formene fra sitt hjemland Nigeria med de estetiske strategiene i modernistisk abstraksjon, og bruker ofte sine storskala verk på offentlige steder, hvor de blir materialiseringen av energi og allmennmenneskelighet i arkitektonisk målestokk.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på lerret. 72 x 90 tommer. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irske abstrakte billedhuggeren Eva Rothschild (f. 1971) erklærer dristig at aktivisme er innbakt i valget om å lage abstrakt kunst. I en tid da fortellende innhold synes å være kongen, viser Rothschild hvordan de tidløse visuelle språkene som er tydelige i suprematisme, konstruktivisme og minimalisme kan skape dristige, nye abstrakte former som taler til frihet, uavhengighet, mangfold og fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium og maling. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Med tillatelse fra Stuart Shave/Modern Art, London og Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Den tyske kunstneren Thomas Scheibitz (f. 1968) svarer på spørsmålet om hvordan lek og påfunn kan tas på alvor innen abstrakt kunst, selv i en tid preget av angst. Ved å kombinere arvespråkene fra bevegelser som rayonisme, futurisme og kubisme med ekko av arkitektoniske tegninger og midtårhundrets design, skaper Scheibitz uhyggelig gjenkjennelige verk som ser ut til å ha oppstått fra et parallelt estetisk univers.

Pae White

Den amerikanske kunstneren Pae White (f. 1963) bruker abstraksjon for å vise oss gjenkjennelige bilder fra vår tid. Hennes fantastiske verk kombinerer skildringer av naturkreftene med småbiter kastet ut fra vår hyperdigitaliserte, hypermaterialiserte nåtid, og viser oss noen ganger skremmende scener fra ekteskapet mellom struktur og forvirring.

Utvalgt bilde: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Akryl og kull på lin. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio