To store Mary Heilmann-utstillinger gir kunstneren en lenge forsinket oppmerksomhet
Mary Heilmann får mye oppmerksomhet akkurat nå, noe hun sannsynligvis ville vært den første til å innrømme at er alt hun egentlig har ønsket seg. Det er ikke en kritikk. Jeg parafraserer bare hva Heilmann sa til Guardian i et intervju i 2016. Da hun var ung, ønsket hun å bli idrettsutøver fordi det fikk henne til å bli lagt merke til. Så hun ble dykker, men senere, da surfing var på moten, ble hun surfer for å kunne være med i miljøet. På college studerte hun poesi. Det var først da hun begynte å få oppmerksomhet for sin dyktighet i å kaste keramikk at hun trakk mot kunst. Men hva er galt med det? Hva er galt med å gjøre noe fordi det gir deg oppmerksomhet? Hva er galt med å ikke ha en altruistisk grunn for å lage kunst? Noen kunstnere hevder at de lager kunst av en tvang til å skape. Andre hevder mer pompøse filosofiske eller poetiske grunner. Så nekter noen kunstnere rett og slett å forklare hvorfor de gjør det de gjør, som om det er ufattelig, eller uuttalelig med bare ord. Heilmann, som fylte 77 tidligere i år, er komfortabel nok i sin egen hud til å fortelle sannheten: hun liker rett og slett å lage ting, og siden det er interessant, morsomt, får oppmerksomhet og betaler regningene, har hun fortsatt med det. Men sammenlignet med vennene hennes, som har inkludert Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman og dusinvis av andre kjente kunstnere gjennom årene, har Heilmann levd et liv i relativ obskuritet. Det endret seg alt i 2007, da en stor retrospektiv av arbeidet hennes reiste rundt i USA i to år. Siden den gang har hun gradvis begynt å kreve sin rettmessige plass som den innflytelsesrike kraften i moderne abstrakt kunst som hun virkelig er. Hvis du aldri har hørt om Mary Heilmann, er flere elementer av hennes massive verk for tiden utstilt i to samtidige separatutstillinger nær hverandre i New York, noe som gjør dette til den perfekte tiden for å oppdage arbeidet hennes.
Ærlighetens kunst
Mary Heilmann har generøst gitt dusinvis av intervjuer gjennom sin karriere. Det alene ville ikke nødvendigvis skille henne fra noen annen kunstner. Men det som skiller henne ut er at hun i sine intervjuer er så villig til å være brutalt ærlig. På sin avslappede og uformelle måte sier hun nøyaktig hva hun virkelig tenker, noe som gjør det vanskelig, om ikke umulig, for noen å virkelig kritisere henne – selv om mange har prøvd gjennom årene. For eksempel er det de som har kalt arbeidet Heilmann lager for derivativt, og antyder at hun bare gjentar de utmattede tropene fra fortiden, og til og med rett ut kopierer prestasjonene til noen andre kjente kunstnere. Men i et intervju med Ross Bleckner for BOMB Magazine, snakket Heilmann stolt om at hun ofte henter inspirasjon fra kunstnere fra fortiden hvis arbeid hun beundrer. På et tidspunkt i det intervjuet peker hun på et nytt verk til Bleckner og sier at det er en Calder. Og det er ikke bare kjente kunstnere som Heilmann etterligner. I flere intervjuer har hun sagt, med et smil om munnen, at hun elsker fargekombinasjonene fra The Simpsons TV-show. Hun kopierer fargene på lerretene sine, bare i håp om å oppnå den samme vibransen og renheten som de hadde da hun først så dem i tegneserien. Noen kritikere kaller Heilmann lat. Men i sitt intervju med ART21, tok hun vinden ut av seilene til sine kritikere, lo av hvor lat hun er, og bemerket at hun aldri kunne ha slitt slik som Abstract Expressionists gjorde. Hun innrømmer at hun aktivt søker de raskeste, enkleste måtene å realisere verkene sine på. Hun snakker åpent om å bruke Photoshop for å utvikle ideene sine, og spøker med at noen av maleriene hennes tar henne bare minutter å produsere. Og så er det den mest kjente kritikken hun har mottatt, da kunstkritikeren David Hickey anklaget Heilmann for å ikke vite noe som helst om håndverket å male. Når hun i dag blir spurt om det essayet, er Heilmann enig, og anerkjenner at da Hickey skrev det essayet, hadde han rett.
Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York
Duster og Deres Dårskaper
Men det er noe helt bakvendt med tankegangen til alle disse kritikerne, som feilaktig tar Mary Heilmann for en tåpe. Først og fremst glemmer de visdommen til poeten William Blake, som påpekte at den tåpen som vedvarer i sin dårskap blir klok. Faktisk, selv om Heilmann kanskje ikke visste noe om malekunst da hun først begynte å male på tidlig 1970-tall, lærte hun seg selv. Hun studerte arbeidet til sine idoler. Hun samtalte med de andre kunstnerne hun sosialiserte med og jobbet sammen med. Hun stolte på sin konkurranseånd, sitt geni og sin utholdenhet for å lære så mye om malekunst at hun kom til å undervise i det profesjonelt. Og for en angivelig lat kunstner, har Heilmann absolutt produsert en bemerkelsesverdig massiv mengde arbeid, en som, forresten, finner seg representert i mange av de mest prestisjefylte samlingene i verden. Og for en kunstner som angivelig er avledet, er det bemerkelsesverdig hvor konsis og umiddelbart gjenkjennelig den mengden arbeid har blitt. Kanskje det kritikerne ikke forstår, er at det ikke er opp til dem å bestemme hva forutsetningene er for å være en kunstner. Den amerikanske forfatteren Kurt Vonnegut påpekte en gang i et brev til sin bror, en aspirerende maler, at det som gjør et godt kunstverk er at folk ønsker å være rundt det. I tilfellet med Mary Heilmann, passer arbeidet hennes definitivt til den beskrivelsen. Det passer så godt, faktisk, at en av de tingene som Heilmann har blitt mest kjent for, er hennes tendens til å inkludere stoler i utstillingene sine, slik at folk som deltar på showene kan sette seg ned. Hun designer og lager stoler for hånd. De er ikoniske for paletten hennes og verden av former hun har utviklet i sitt andre arbeid. Det faktum at de i det hele tatt er nødvendige—at besøkende som deltar på utstillingene hennes har behov for å sitte en stund fordi de er interessert i å bli værende så lenge i nærvær av arbeidet hennes—er all valideringen Heilmann trenger.
Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Painted plywood, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery
Viser av kraft
Da Mary Heilmann først kom til New York City, etter å ha fått sin MFA fra University of California, Berkeley, i 1968, var hun en selvbeskreven "aggressiv hippie." Hun trodde hun var like god som Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse eller noen av de andre kunstnerne som dominerte scenen på den tiden. Hun pleide å dukke opp på baren der slike kjente kunstnere hang ut og starte krangler bare for å få en reaksjon fra konkurransen. Hun fikk litt oppmerksomhet den gangen, men ble nektet den berømmelsen hun ønsket så sterkt, og som hun mente hun fortjente. I dag er hun ettertenksom om disse erfaringene. Hun reflekterer over at det kanskje er en god ting at oppmerksomheten hun får i dag ikke kom til henne tidligere i livet. Hun føler at hennes tidligere arbeid ikke ville blitt forstått den gangen på samme måte som det kan forstås nå. Denne ideen berører et vanlig tema for Heilmann: det japanske konseptet Wabi-sabi. I hovedsak er Wabi-sabi ideen om at skjønnhet finnes i foranderlighet. En kastet keramisk tekopp som har feil er vakrere enn noe maskinlaget fordi den aksepterer feilene i materialene, så vel som de av personen som laget den. Etter hvert som ting eldes, tar tiden sitt toll på dem og de blir vakrere—dette er Wabi-sabi. Tilbake i 1976, hadde vi hatt sjansen til å se de røde, gule og blå maleriene Mary Heilmann malte, hvem kan si hvordan vi ville reagert på dem. Men nå, førti år senere, er de fysisk eldre, akkurat som vi er. Vi ser deres feil, så vel som feilene til kunstneren som laget dem, som hun aldri har prøvd å skjule. På en eller annen måte gjennom den erfaringen kan vi også legge merke til feilene i oss selv, og gjenkjenne deres nåde.
RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, installation view at Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio
Mary Heilmann For tiden utstilt
Hvis du ønsker å oppdage kunsten til Mary Heilmann, er fem lerreter, et hengende keramikkstykke og fem keramikkopper og -fat for tiden utstilt ved Dan Flavin Art Institute ved Dia Art Foundation i Bridgehamton, New York frem til 27. mai 2018. Samtidig, frem til 28. oktober 2017, viser utstillingen RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 ved Craig F. Starr Gallery i New York en installasjon av tre keramikkboller på en peis, samt 12 lerreter Heilmann laget i løpet av hennes gjennombruddsperiode på slutten av 1970-tallet, da hun kun brukte primærfarger og enkle geometriske former som en utfordring for å forestille seg hva maleri kunne bli. Meta Beskrivelse: To nåværende New York-utstillinger av verkene til Mary Heilmann viser eksempler på hennes malerier, skulpturer og keramikk, og fremhever det varierte oeuvre til en innflytelsesrik kunstner.
Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York
Fremhevet bilde: Mary Heilmann - installasjonsvisning, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York
Av Phillip Barcio
