To store Mary Heilmann-utstillinger gir kunstneren en lenge forsinket oppmerksomhet

Mary Heilmann får mye oppmerksomhet akkurat nå, noe hun sannsynligvis ville være den første til å innrømme er alt hun egentlig noen gang ønsket. Dette er ikke en kritikk. Jeg gjengir bare med egne ord det Heilmann fortalte Guardian i et intervju i 2016. Da hun var ung, ønsket hun å bli idrettsutøver fordi det ga henne oppmerksomhet. Så hun ble stupedykker, men senere, da surfing ble populært, ble hun surfer for å kunne være med i miljøet. På universitetet studerte hun poesi. Det var først da hun begynte å få oppmerksomhet for sin ferdighet i keramikk at hun beveget seg mot kunst. Men hva er galt med det? Hva er galt med å gjøre noe fordi det gir deg oppmerksomhet? Hva er galt med å ikke ha en altruistisk grunn for å lage kunst? Noen kunstnere hevder at de lager kunst ut fra en trang til å skape. Andre hevder mer høytidelige filosofiske eller poetiske grunner. Så er det noen kunstnere som rett og slett nekter å forklare hvorfor de gjør det de gjør, som om det er ufattelig eller uutsigelig med bare ord. Heilmann, som fylte 77 tidligere i år, er komfortabel nok i sin egen hud til å fortelle sannheten: hun liker rett og slett å lage ting, og siden det er interessant, morsomt, gir oppmerksomhet og betaler regningene, har hun fortsatt med det. Men sammenlignet med vennene sine, som gjennom årene har inkludert Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman og dusinvis av andre kjente kunstnere, har Heilmann levd et liv i relativ anonymitet. Alt dette endret seg i 2007, da en stor retrospektiv utstilling av hennes arbeid reiste rundt i USA i to år. Siden da har hun gradvis begynt å kreve sin rettmessige plass som den innflytelsesrike kraften i samtidsabstrakt kunst som hun virkelig er. Hvis du aldri har hørt om Mary Heilmann, er flere elementer av hennes omfattende verk nå utstilt i to samtidige separatutstillinger nær hverandre i New York, noe som gjør dette til den perfekte tiden for å oppdage hennes kunst.

Ærlighetens kunst

Mary Heilmann har generøst gitt dusinvis av intervjuer gjennom sin karriere. Det alene ville ikke nødvendigvis skille henne fra andre kunstnere. Men det som skiller henne, er at hun i intervjuene er så villig til å være brutalt ærlig. På sin avslappede og uformelle måte sier hun akkurat hva hun virkelig tenker, noe som gjør det vanskelig, om ikke umulig, for noen å virkelig kritisere henne – selv om mange har prøvd opp gjennom årene. For eksempel finnes det de som har kalt Heilmanns arbeid etterlignende, og antydet at hun bare gjentar utslitte klisjeer fra fortiden, og til og med direkte kopierer prestasjonene til noen andre kjente kunstnere. Men i et intervju med Ross Bleckner for BOMB Magazine, snakket Heilmann stolt om at hun ofte henter inspirasjon fra kunstnere fra fortiden hvis arbeid hun beundrer. På et tidspunkt i intervjuet peker hun på et nytt verk til Bleckner og sier at det er en Calder. Og det er ikke bare kjente kunstnere Heilmann etterligner. I flere intervjuer har hun sagt, med et smil om munnen, at hun elsker fargekombinasjonene i TV-serien The Simpsons. Hun kopierer fargene på sine lerreter, med håp om å oppnå samme livlighet og renhet som de hadde da hun først så dem i tegneserien. Noen kritikere kaller Heilmann lat. Men i sitt intervju med ART21 tok hun luften ut av seilene til sine motstandere, lo av hvor lat hun er, og bemerket at hun aldri kunne ha strevd slik som abstrakt ekspresjonistene gjorde. Hun innrømmer at hun aktivt søker de raskeste og enkleste måtene å realisere sine verk på. Hun snakker åpent om å bruke Photoshop for å utvikle ideene sine, og spøker med at noen av maleriene hennes tar bare noen minutter å lage. Og så er det den mest kjente kritikken hun har fått, da kunstkritikeren David Hickey anklaget Heilmann for å ikke vite noe som helst om malerkunsten. Når hun i dag blir spurt om det essayet, er Heilmann enig og erkjenner at da Hickey skrev det essayet, hadde han rett.

Mary Heilmann - installasjonsbilde, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Tullinger og deres dårskap

Men det er noe helt feilvendt med tankegangen til alle disse kritikerne, som feilaktig tar Mary Heilmann for en tulling. For det første glemmer de visdommen til poeten William Blake, som påpekte at tulling som holder fast ved sin dårskap blir klok. Selv om Heilmann kanskje ikke visste noe om malerkunsten da hun begynte å male tidlig på 1970-tallet, lærte hun seg det selv. Hun studerte arbeidet til sine idoler. Hun samtalte med de andre kunstnerne hun omga seg med og arbeidet sammen med. Hun stolte på sin konkurranseånd, sitt geni og sin utholdenhet for å lære så mye om malerkunsten at hun til slutt underviste i den profesjonelt. Og for en angivelig lat kunstner har Heilmann utvilsomt produsert et bemerkelsesverdig stort kunstnerskap, som for øvrig er representert i mange av verdens mest prestisjefylte samlinger. Og for en kunstner som angivelig er etterlignende, er det bemerkelsesverdig hvor konsist og umiddelbart gjenkjennelig dette kunstnerskapet har blitt. Kanskje det kritikerne ikke forstår, er at det ikke er opp til dem å avgjøre hva som kreves for å være kunstner. Den amerikanske forfatteren Kurt Vonnegut påpekte en gang i et brev til sin bror, en håpefull maler, at det som gjør et kunstverk godt, er at folk ønsker å være i nærheten av det. I tilfellet Mary Heilmann passer arbeidet hennes definitivt til dette. Det passer så godt, faktisk, at en av tingene Heilmann er mest kjent for, er sin tendens til å inkludere stoler i utstillingene sine, slik at folk som besøker utstillingene kan sette seg ned. Hun designer og lager stolene for hånd. De er ikoniske for hennes fargepalett og den formverdenen hun har utviklet i sitt øvrige arbeid. Det faktum at de i det hele tatt trengs – at besøkende på utstillingene hennes har behov for å sitte en stund fordi de er interessert i å bli lenge i nærvær av arbeidet hennes – er all den bekreftelsen Heilmann trenger.

Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, malt kryssfiner, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 tommer, © Whitechapel Gallery

Krefters utstilling

Da Mary Heilmann først kom til New York City, etter å ha tatt sin MFA ved University of California, Berkeley, i 1968, beskrev hun seg selv som en «aggressiv hippie». Hun mente hun var like god som Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse eller noen av de andre kunstnerne som dominerte scenen på den tiden. Hun pleide å dukke opp på baren der slike kjente kunstnere holdt til og starte krangler bare for å provosere konkurrentene. Hun fikk noe oppmerksomhet den gang, men ble nektet den berømmelsen hun sårt ønsket og mente hun fortjente. I dag er hun ettertenksom om disse erfaringene. Hun reflekterer over at det kanskje er en god ting at oppmerksomheten hun får i dag ikke kom tidligere i livet. Hun føler at hennes tidligere arbeid ikke ville blitt forstått på samme måte da som det kan nå. Denne tanken berører et vanlig tema for Heilmann: det japanske begrepet Wabi-sabi. I hovedsak er Wabi-sabi ideen om at skjønnhet finnes i forgjengelighet. En kastet keramikktekopp som har ufullkommenheter er vakrere enn noe maskinlaget fordi den aksepterer materialenes feil, så vel som feilene til personen som laget den. Når ting eldes, setter tiden sitt preg på dem og de blir vakrere – dette er Wabi-sabi. Hadde vi i 1976 fått se de røde, gule og blå maleriene Mary Heilmann malte, kan ingen si hvordan vi ville ha reagert på dem. Men nå, førti år senere, er de fysisk eldre, det er også vi. Vi ser deres ufullkommenheter, så vel som ufullkommenhetene til kunstneren som laget dem, noe hun aldri har forsøkt å skjule. På en eller annen måte kan vi gjennom den erfaringen også legge merke til ufullkommenhetene i oss selv, og gjenkjenne deres nåde.

RYB: Mary Heilmanns malerier, 1975–78, installasjonsbilde hos Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann nå utstilt

Hvis du ønsker å oppdage kunsten til Mary Heilmann, er fem lerreter, et hengende keramikkstykke og fem keramikkopper med skåler for tiden utstilt ved Dan Flavin Art Institute ved Dia Art Foundation i Bridgehampton, New York fram til 27. mai 2018. Samtidig, fram til 28. oktober 2017, viser utstillingen RYB: Mary Heilmanns malerier, 1975-78 hos Craig F. Starr Gallery i New York en installasjon av tre keramikkboller på en hylle, samt 12 lerreter Heilmann laget i sin gjennombruddsperiode på slutten av 1970-tallet, da hun brukte bare primærfarger og enkle geometriske former som en utfordring til å tenke nytt om hva malerkunsten kunne bli. Meta Description: To nåværende utstillinger i New York med verk av Mary Heilmann viser eksempler på hennes malerier, skulpturer og keramikk, og viser det varierte kunstnerskapet til en innflytelsesrik kunstner.

Mary Heilmann - installasjonsbilde, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Utvalgt bilde: Mary Heilmann - Mary Heilmann, Ray, 2017. © Mary Heilmann. Foto: Thomas Müller. Med tillatelse fra kunstneren

Av Phillip Barcio