Disse kunstnerne fortsetter å redefinere 3D-printet kunst

Jeg hørte en vits en gang på en kunståpning med 3D printet kunst. Den gikk omtrent slik: «Hvordan vet du at du ser på et stykke 3D printet kunst?» Svar: «Fordi alle forteller deg det.» Det fikk meg til å le først og fremst fordi det er sant, folk blir så begeistret for dette mediet at de bare ikke kan la være å snakke om det. Og for det andre lo jeg fordi i nesten alle tilfeller av 3D printet kunst jeg har sett, virket det for meg som om det faktum at det var laget med en 3D-printer var irrelevant. Ingenting ved disse verkene krevde teknologien. Alt kunne like gjerne vært laget på en annen måte. Det reiser spørsmålet: Hva er det egentlig alle snakker om? 3D-printere er bare verktøy, ikke annerledes i sin natur enn for eksempel projektorer. Jeg har aldri hatt noen som har kommet bort til meg i et galleri, pekt på en tegning og sagt: «Den ble laget med en projektor.» Men igjen, jeg har heller aldri hatt noen som har sagt: «Den ble laget helt av assistenter mens kunstneren var på ferie.» Poenget er at det ikke spiller noen rolle. Når ideen til et kunstverk er dannet og tiltak er tatt for å realisere det, spiller det ingen rolle om det faktiske arbeidet utføres av denne maskinen eller den maskinen, eller denne hånden eller den hånden. Det faktum at en 3D-printer ble brukt til å lage kunst, gir på ingen måte verket noen ekstra verdi – det er bare ett aspekt av opplevelsen, og vanligvis det minst viktige. Dette er i det minste min mening. Så da jeg ble bedt om å skrive om kunstnere som omdefinerer 3D printet kunst, valgte jeg perspektivet at jeg skulle presentere kunstnere som har interessante ideer og lager verk jeg gjerne vil snakke om, uansett hvordan verkene blir laget. Med den forbeholden sagt, her er syv kunstnere som bruker 3D-printeteknologi til å lage sine verk, og som gjennom styrken i sine ideer omdefinerer denne nye verktøyets plass i samtidsestetikken.

Rirkrit Tiravanija

Hvis du noen gang har hørt begrepet Relasjonell estetikk, eller Relasjonell kunst, har du sannsynligvis hørt om den thailandske kunstneren Rirkrit Tiravanija. Hans arbeid var avgjørende for populariseringen av denne typen kunstopplevelse på 1990-tallet. Hans mest kjente relasjonelle kunstutstilling het pad thai. For utstillingen, som ble holdt på Paula Allen Gallery i New York i 1990, lagde kunstneren ikke og viste verk, men kokte pad thai i rommet og serverte det til besøkende i galleriet. Utstillingen bidro til å definere relasjonell estetikk som en utforskning av ideen om at kunstnere ikke først og fremst er skapere, men tilretteleggere av opplevelser. De menneskelige relasjonene som oppstår gjennom disse opplevelsene er det viktigste.

Nylig har Tiravanija fått oppmerksomhet for sin oppslukende installasjon på Art Basel Hong Kong 2017, som stilte spørsmål ved kunstens og kunsthistorikkens rolle i menneskelig erfaring. Verket var i hovedsak en gigantisk labyrint laget av tradisjonelt bundet bambus. Besøkende gikk inn i labyrinten, og mens de fant veien, støtte de gradvis på fem 3D-printede bonsaitrær, hver plassert på en trepedestal inspirert av de skulpturelle basene som kunstneren Constantin BrâncuÈ™i en gang laget. At bonsaitrærne er 3D-printet er ikke det viktigste. Det som betyr noe er at de er kunstige. Poenget med et bonsaitre er at det er en naturlig ting som er påvirket av menneskehender på en slik måte at menneskelig innblanding ikke kan gjenkjennes. I dette tilfellet, kombinerer trærnes kunstighet med de tankevekkende assosiasjonene inspirert av labyrinten, sammen med kunsthistoriske referanser, for å gi betrakterne en abstrakt, åpen opplevelse som krever sosial interaksjon for å forstå de mulige lagene av mening.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D-printet bonsaitre på trebase. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Ordet vanitas kommer fra latin og betyr tomhet. Det ble brukt i Nederland på 1500- og 1600-tallet som navn på en type stilleben-malerier. Vanitas-malerier er i hovedsak stilleben som viser samlinger av trivielle, materielle gjenstander, ofte sammen med menneskelige hodeskaller, for å illustrere meningsløsheten i jakten på jordiske ting. Den nederlandske kunstneren og designeren Wieki Somers brukte det visuelle språket som er vanlig i vanitas-malerier i en serie 3D-printede kunstverk hun laget i 2010, som svar på en designkonkurranse som ba designere om å «tenke på begrepet framgang.» Serien hun laget, med tittelen Consume or Conserve, besto av tre stilleben-skulpturelle tablåer. Hvert tablå besto av trivielle, hverdagslige produkter, som en vekt, en støvsuger og en brødrister, helt 3D-printet av aske fra menneskelige levninger.

I sin forklaring av verket påpekte Somers at menneskelig teknologi har utviklet seg så langt at vi snart kan stå overfor utsikten til evig liv. «Men,» spurte hun, «hva er evig liv godt for hvis vi bare bruker det til å fortsette å være rene forbrukere som streber etter flere og flere produkter, uansett konsekvensene? Hvis vi fortsetter på denne veien med ukritisk nyskaping, kan det hende vi en dag blir forvandlet til de produktene vi setter sammen.» Hun fulgte dette konseptet til sin logiske slutt og skapte bokstavelig talt produkter av restene av en gang dyrebare menneskeliv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D-printede menneskelige levninger. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Den New York-baserte kunstneren Stephanie Lempert lager verk om kommunikasjon. Hun håper å rette vår oppmerksomhet mot språket og måtene vi bruker det til å formidle våre historier, vår historie og våre minner for å skape mening i livene våre. Som en flerfasettert kunstner bruker Lempert en rekke medier. Et av hennes mest konsise verkserier er kalt Rekonstruerte relikvier, hvor hun skapte skulpturelle relikvier som bokstavelig talt er bygget av språk. Disse objektene taler for seg selv på flere nivåer. Lempert laget dem ved hjelp av 3D-printprogramvare. Hun foretrekker imidlertid å bruke den bransjestandarden, men mindre opphaussede betegnelsen, hurtig prototype-skulptur.

Stephanie Lempert - Rekonstruerte relikvier, På jakt etter tapt tid, 2011. Hurtig prototype-skulptur. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den nederlandske kunstneren Theo Jansen ble først kjent på 1990-tallet da han begynte å lage sine Strandbeests, gigantiske, kinetiske skapninger som ser ut til å gå av seg selv. De er, som han kaller dem, «selvdrivende stranddyr.» Du har kanskje sett opptak av dem som kryper poetisk over strender rundt om i verden. Delvis designer, delvis ingeniør og delvis kunstner, sa Jansen en gang: «Veggene mellom kunst og ingeniørkunst finnes bare i våre sinn.» Vanligvis er hans store kreasjoner laget av PVC-rør. Men nylig begynte han å gjøre sine kreasjoner tilgjengelige for nesten alle ved å tilby miniatyrer av 3D-printede Strandbeests til salgs for bare €160,00. Det mest fantastiske er at hvem som helst som får tak i planene kan få en printet ut. Som hans nettside sier: «Theo Jansens Strandbeests har funnet en måte å formere seg på ved å injisere sitt digitale DNA direkte inn i 3D-printersystemer.»

Theo Jansen - Miniatyr 3D-printet Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Verkene til den belgiske kunstneren Nick Ervinck roper ut med sterke farger og spennende former, og legemliggjør tanken om at et objekt som opptar plass også kan skape plass. Hans skulpturer finnes i alle størrelser, fra miniatyrer til monumentale offentlige verk. Ved å designe sine egne 3D-printverktøy og -teknikker, presser han grensene for dette verktøyet, og bruker det ikke bare som et mål i seg selv, men som en særegen metode for å realisere sine personlige visjonære kreasjoner.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyuretan og polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserte kunstneren Shane Hope bruker 3D-printede celle-strukturer som ett element i sine abstrakte malerier. På avstand ser de ut som maleriske verk med tykke penselstrøk, men ved nærmere ettersyn avsløres stabler av sammensatte nanostrukturer. At dette elementet er 3D-printet er verken åpenbart eller nødvendig for å sette pris på verkene, men betraktning av teknologiens implikasjoner tilfører lag til deres mulige mening.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printede PLA molekylmodeller på akrylunderlag. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Verkene til den tsjekkiske kunstneren Monika Horcicova er både hjemsøkende og vakre. Hun vender tilbake til temaer som menneskebein og skjelettstrukturer, og skaper komposisjoner som utfordrer våre forestillinger om vårt eget formål og potensial. Selv om hun ikke arbeider utelukkende i dette mediet, har hun ofte brukt 3D-printeteknologi til å lage sine gipskomposittskulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D-printet gipskompositt. © Monika Horcicova

Forsidebilde: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Rustfritt stål base (3 x paneler), 3D-printet plast (Bonsaitre), rustfritt stål kube (søyle). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tommer, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija og Pilar Corrias Gallery, London
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio