Disse kunstnerne fortsetter å redefinere 3D-printet kunst

Jeg hørte en vits en gang på en kunståpning med 3D-printet kunst. Den gikk noe slik: “Hvordan vet du at du ser et stykke 3D-printet kunst?” Svar: “Fordi alle sier det.” Det fikk meg til å le først og fremst fordi det er sant, folk har en tendens til å være så begeistret for dette mediet at de bare ikke kan motstå å prate om det. Og for det andre lo jeg fordi i nesten hvert tilfelle av 3D-printet kunst jeg har sett, virket det for meg irrelevant at det var laget med en 3D-printer. Ingenting ved disse verkene så ut til å kreve teknologien. Alt kunne ha blitt gjort med andre midler. Dette reiser spørsmålet: Hva er det alle snakker om? 3D-printere er bare verktøy, ikke annerledes i sin natur enn for eksempel projektorer. Jeg har aldri hatt noen som har gått bort til meg i et galleri, pekt på en tegning og sagt: “Den ble laget med en projektor.” Men igjen, jeg har aldri hatt noen som har gått bort til meg og sagt: “Den ble laget helt av assistenter mens kunstneren var på ferie.” Poenget er, det spiller ingen rolle. Når ideen til et kunstverk er dannet og skritt tas for å realisere det, gjør det ingen forskjell om det faktiske arbeidet utføres av denne maskinen eller den maskinen, eller dette paret hender eller det paret hender. Det faktum at en 3D-printer ble brukt til å lage kunst validerer ikke verket på noen måte – det er bare ett aspekt av opplevelsen, og vanligvis det minst viktige aspektet av det. Dette, i det minste, er min mening. Så når jeg ble bedt om å skrive om kunstnere som redefinerer 3D-printet kunst, inntok jeg perspektivet at jeg burde fremheve kunstnere som har interessante ideer og lager verk jeg gjerne vil snakke om uavhengig av hvordan verket blir laget. Så med den forbeholden gjort, her er syv kunstnere som bruker 3D-printingsteknologi for å lage sitt arbeid, som gjennom styrken av sine ideer, redefinerer plassen til dette nye verktøyet i samtidsestetikk.

Rirkrit Tiravanija

Hvis du noen gang har hørt begrepet Relasjonell Estetikk, eller Relasjonell Kunst, har du sannsynligvis hørt om den thailandske kunstneren Rirkrit Tiravanija. Hans arbeid var avgjørende for økningen i populariteten til denne typen kunstopplevelse på 1990-tallet. Hans mest kjente relasjonelle kunstutstilling ble kalt pad thai. For utstillingen, som ble holdt i Paula Allen Gallery i New York i 1990, lagde kunstneren pad thai i rommet og serverte det til besøkende i galleriet, i stedet for å lage og vise verk. Utstillingen bidro til å definere relasjonell estetikk som en utforskning av ideen om at kunstnere ikke så mye er skapere, men fasilitatorer av opplevelser. De menneskelige relasjonene som oppstår fra disse opplevelsene er det som er viktigst.

Mer nylig har Tiravanija fått oppmerksomhet for sin immersive installasjon på Art Basel Hong Kong 2017, som stilte spørsmål ved kunstens og kunsthistoriets rolle innen den menneskelige opplevelsen. Verket var i hovedsak en gigantisk labyrint konstruert av tradisjonelt bundet bambus. Besøkende gikk inn i labyrinten, og mens de fant veien innenfor, møtte de gradvis fem 3D-printede bonsaitrær, hver plassert på en trepiedestal inspirert av de skulpturelle basene som en gang ble laget av kunstneren Constantin BrâncuÈ™i. Det faktum at bonsaitrærne er 3D-printede er ikke det viktigste. Det er det faktum at de er kunstige som betyr noe. Poenget med et bonsaitre er at det er en naturlig ting som er blitt påvirket av menneskelige hender på en slik måte at den menneskelige påvirkningen er uigenkjennelig. I dette tilfellet, den kunstige karakteren til trærne kombinert med de evocative forestillingene inspirert av labyrinten, alt blandet med kunsthistoriske referanser, fungerer sammen for å gi seerne en abstrakt, åpen opplevelse som krever sosial interaksjon for å forstå dens potensielle nivåer av mening.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Aldre Somers

Ordet vanitas kommer fra latin og betyr tomhet. Det ble brukt i Nederland på 1500- og 1600-tallet som navnet på en type stillebenmaleri. Vanitas-malerier er i hovedsak stillebenmalerier som viser samlinger av banale, materielle gjenstander, vanligvis sammen med menneskelige skaller, som illustrerer meningsløsheten i jakten på jordiske ting. Den nederlandske kunstneren og designeren Wieki Somers brukte det visuelle språket som er vanlig i vanitas-malerier i en serie med 3D-printede kunstverk hun laget i 2010, som svar på en designkonkurranse som ba designere om å "tenke på begrepet fremgang." Tittelen Consume or Conserve, serien hun laget, inneholdt tre stilleben skulpturelle tableau. Hvert tableau besto av banale, hverdagslige produkter, som en vekt, en støvsuger og en brødrister, helt 3D-printet av asken fra menneskelige rester.

I sin forklaring av arbeidet påpekte Somers at menneskelig teknologi har avansert til et punkt der vi snart kan stå overfor utsiktene til evig liv. "Men," spurte hun, "hva er et evig liv godt for hvis vi bare bruker det til å fortsette å være bare forbrukere som streber etter mer og mer produkter, uansett konsekvensene? Hvis vi fortsetter på denne veien med ukritisk innovasjon, kan vi en dag finne oss selv omdannet til de selve produktene vi setter sammen." Hun fulgte det konseptet til sin logiske konklusjon, og skapte bokstavelig talt produkter av restene av en gang dyrebare menneskeliv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Kunstneren Stephanie Lempert, basert i New York, lager verk om kommunikasjon. Hun håper å trekke vår oppmerksomhet til språk og måtene vi bruker det for å kommunisere våre historier, våre historier og våre minner for å skape mening i livene våre. Som en multidimensjonal kunstner bruker Lempert en rekke medier. Et av hennes mest konsise verk er en serie kalt Reconstructed Reliquaries, der hun har laget skulpturelle relikvier som bokstavelig talt er bygget av språk. Disse objektene taler for seg selv på flere nivåer. Lempert laget dem ved hjelp av 3D-utskriftsprogramvare. Hun foretrekker imidlertid å bruke bransjestandarden, men mindre buzz-worthy terminologi, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den nederlandske kunstneren Theo Jansen ble først kjent på 1990-tallet da han begynte å lage sine Strandbeests, gigantiske, kinetiske skapninger som ser ut til å gå rundt av seg selv. De er, som han kaller dem, "selvpropellerende stranddyr." Du har kanskje sett opptak av dem som poetisk kryper over strender rundt om i verden. Del designer, del ingeniør og del kunstner, Jansen sa en gang: "Veggene mellom kunst og ingeniørkunst eksisterer bare i våre hoder." Vanligvis er hans store kreasjoner laget av PVC-rør. Men nylig begynte han å gjøre sine kreasjoner tilgjengelige for nesten alle ved å tilby miniature, 3D-printede Strandbeests til salgs for bare €160,00. Mest fantastisk er det at alle som kan få tak i planene kan få en printet ut. Som nettstedet hans sier: "Theo Jansens Strandbeests har funnet en måte å formere seg på ved å injisere sitt digitale DNA direkte inn i 3D-printsystemer."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Det belgiske kunstneren Nick Ervinck sitt arbeid skriker av levende farger og spennende former, og legemliggjør tanken om at et objekt som opptar plass også kan skape plass. Hans skulpturer kommer i alle størrelser, fra miniaturer til monumentale offentlige verk. Ved å designe sine egne 3D-utskriftsverktøy og teknikker, presser han grensene for dette verktøyet, og bruker det ikke bare som et mål i seg selv, men som en idiosynkratisk metode for å realisere sine personlige visjonære kreasjoner.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserte kunstneren Shane Hope bruker 3D-printede cellestrukturer som ett element i sine abstrakte malerier. På avstand ser de ut som maleriske verk stablet høyt med impasto penselstrøk, men ved nærmere ettersyn avslører stabler av sammenstilte nano-strukturer seg. At dette elementet er 3D-printet er ikke åpenbart eller nødvendig for å sette pris på verkene, men vurdering av implikasjonene av teknologien tilfører lag til deres potensielle betydning.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Verket til den tsjekkiske kunstneren Monika Horcicova er hjemsøkt og vakkert. Hun vender tilbake til temaer om menneskebein og skjelettstrukturer, og skaper komposisjoner som utfordrer våre ideer om vår egen hensikt og potensial. Selv om hun ikke jobber utelukkende i dette mediet, bruker hun ofte 3D-utskriftsteknologi for å lage sine gipskomposittskulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Fremhevet bilde: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Rustfritt stålbase (3 x paneler), 3D-printet plast (Bonsai Tree), rustfritt stål kube (plinth). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tommer, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija og Pilar Corrias Gallery, London
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio