Hvorfor Jackie Winsor er Eklektisk Abstrakt
Verket til Jackie Winsor gir en helt utmerket kontrast til akademiske teorier om samtidsabstraksjon. Debatten som driver de fleste nåværende samtaler om abstrakt kunst, dreier seg uunngåelig om forskjellen mellom ren abstraksjon – kunst som ikke har noen forbindelse til den såkalte virkelige verden – og abstraksjon som er hentet fra, eller abstrahert fra, noe figurativt. I mer enn fem tiår har Winsor laget verk som i teorien kunne passe inn på begge sider av denne debatten. For eksempel kan den uhyggelige tilstedeværelsen av «Chunk Piece» (1970), en sammenrullet hampstokk, betraktes som noe abstrahert fra den virkelige verden, til tross for at ingenting helt likt eksisterer i virkeligheten. Samtidig kan «Pink and Blue Piece» (1985), en speilvendt kube, kalles ren formalistisk abstraksjon, siden det bare er en enkel, geometrisk form som hviler i rommet. Likevel kan begge disse verkene også beskrives på utallige andre måter. Den angivelig formalistiske kuben kan være figurativ, siden den ligner mange andre gjenstander i den virkelige verden; og den angivelig abstraherte stokken er kanskje ikke abstrakt i det hele tatt – det kan være et konkret, selvhenvisende objekt som eksisterer uten annen grunn enn å uttrykke sine egne egenskaper. Skulpturene Winsor lager er så eksentriske og individualistiske at de fullstendig løser opp abstraksjonsdebatten. De eksisterer utenfor samtalen og gjør den irrelevant. Likevel er de så overbevisende på et umiddelbart, sanselig nivå – så opphøyd erklærende om noe essensielt, men utenfor vår forstand – at jeg ikke kan unngå å tenke at de er avgjørende for vår forståelse av abstraksjon. Som to andre visjonærer fra hennes generasjon – Richard Serra og Eva Hesse – representerer Winsor løftet om at abstrakt kunst samtidig kan være ufattelig esoterisk og ubestridelig menneskelig.
Å sta eksistere
I 1979, i en alder av 37 år, fikk Winsor en separatutstilling ved Museum of Modern Art i New York. Utstillingen viste 24 verk. I katalogessayet for utstillingen ble Winsor beskrevet som «en av dagens mest dyktige yngre billedhuggere.» Essayet gir imidlertid ikke mye klarhet i hva det egentlig var som fikk kuratorene til å mene at Winsors arbeid var så viktig. Uten overdrivelser påpeker det bare om verkene «deres objekt-het eller, som Ellen Johnson, som siterer Rilke, sier det, deres ‘sta eksistens.’» Verkene i MoMA-utstillingen delte en universell kvalitet som best kan beskrives som å være uttrykk for grundig, langvarig innsats: de var bevis på arbeid. «Bound Square» (1972) ser så enkel ut som en enkel treramme, men milene med hamptråd som er surret rundt hjørnene, avslører at Winsor satt utallige timer og metodisk bandt stykket sammen. «Four Corners» (1972) er en enkel oppstilling av fire runde former på gulvet, men hvor mange timer gikk med til å rulle kulene til riktig form? På samme måte antyder de utallige spikrene som er slått inn i treplaten på «Nail Piece» (1970) en manisk kvalitet, mens det selvhenvisende tittelen «30 to 1 Bound Trees» (1971-72) synes å stille spørsmål ved verdien av alt menneskelig arbeid i forhold til naturen.
Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Tre og hamptråd. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., til ære for James Thrall Soby og Grace M. Mayer Fund til ære for Alfred H. Barr, Jr. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor
Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Sement, brent tre og metallnett. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gave fra Agnes Gund. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor
Slutten på merkelapper
En av de mer tvilsomme merkelappene som ofte har blitt satt på Winsor, er «Prosesskunst», som er en måte å beskrive estetiske fenomener der sluttobjektet ikke er viktig – det er skapelsesprosessen som betyr mest. Det som uten tvil forvirrer folk med Winsor, er at prosessen er så åpenbart avgjørende for hennes verk. Ingenting hun lager kunne oppstå uten at hun oppfant ofte helt nye prosesser, som innbefatter nye metoder og teknikker som kanskje bare gjelder for å lage én bestemt skulptur. Så viktige som prosessene hennes er, forblir sluttobjektet likevel avgjørende. Ja, det er resultatet av prosessen, og bekreftelsen av prosessen, men det er også selve grunnen til prosessen. Uten visjonen Winsor hadde for et objekt som sta eksisterer i virkelig rom og tid, ville prosessen ikke hatt noen grunn til å eksistere.
Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Kryssfiner. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gave fra Gilman Foundation til minne om J. Frederic Byers III. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor
En annen merkelapp som ofte har blitt satt på Winsor, er postminimalisme. Denne merkelappen har heller liten betydning for hennes arbeid. Postminimalistisk kunst bruker minimalismen som utgangspunkt eller referansepunkt, men omfavner ikke alle dens konseptuelle overbevisninger. Winsor står utenfor denne uklare beskrivelsen, og alle andre halvhjertede merkelapper. Som Marcel Duchamp er hun en kunstbevegelse i seg selv. Hun bringer skulpturer til live som trygt forteller hva det betyr å ha en tilstedeværelse; å inneholde tekstur; å fylle rom; å være resultatet av arbeid. Hun lager kunst som erklærer at den har like stor rett til å være her som en hvilken som helst stein, tre eller skapning. Skulpturene hennes trenger ikke å bli godkjent av teori eller forklart akademisk for å hevde sin egen kraft. De frigjør oss fra å måtte kategorisere, eller engang forstå. Alt vi trenger å gjøre for å sette pris på hennes arbeid, er å rett og slett verdsette det for det det ubestridelig er: konkret; abstrakt; esoterisk; eksentrisk; og menneskelig.
Utvalgt bilde: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hamp. 36 x 38 tommer (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
