Hvorfor Jackie Winsor er Eklektisk Abstrakt

Arbeidet til Jackie Winsor gir en perfekt vidunderlig kontrast til akademiske teorier om moderne abstraksjon. Debatten som driver de fleste nåværende samtaler om abstrakt kunst dreier seg uunngåelig om forskjellen mellom ren abstraksjon—kunst som ikke har noen relasjon til den såkalte virkelige verden—og abstraksjon som er avledet fra, eller abstrahert fra, noe figurativt. I mer enn fem tiår har Winsor laget verk som i teorien kunne passe inn på begge sider av denne debatten. For eksempel kan den merkelige tilstedeværelsen av "Chunk Piece" (1970), en rullet hampstokk, betraktes som noe abstrahert fra den virkelige verden, til tross for at ingenting som det eksisterer i virkeligheten. I mellomtiden kan "Pink and Blue Piece" (1985), en speilet kube, kalles ren formell abstraksjon, siden det bare er en enkel, geometrisk form som hviler i rommet. Likevel kan begge disse verkene også beskrives på utallige andre måter. Den angivelig formelle kuben kan være figurativ, siden den ligner på mange andre objekter i den virkelige verden; og den angivelig abstraherte stokken trenger ikke å være abstrakt i det hele tatt—den kan være et konkret, selvrefererende objekt som eksisterer uten annen grunn enn å uttrykke sine egne kvaliteter. Så eksentriske og individualistiske er skulpturene Winsor lager at de fullstendig oppløser abstraksjonsdebatten. De eksisterer utenfor samtalen, noe som gjør den irrelevant. Likevel er de så overbevisende på et visceralt nivå—så sublimt deklarative av noe essensielt, men utenfor vår intellekt—at jeg ikke kan unngå å tenke at de er essensielle for vår forståelse av abstraksjon. Som to andre visjonærer fra hennes generasjon—Richard Serra og Eva Hesse—representerer Winsor løftet om at abstrakt kunst kan være både ufattelig esoterisk og ubestridelig menneskelig.

Å sta på å eksistere

I 1979, i en alder av 37, fikk Winsor en separatutstilling ved Museum of Modern Art i New York. Utstillingen inneholdt 24 verk. I katalogessayet for utstillingen ble Winsor beskrevet som "en av dagens mest dyktige yngre skulptører." Essayet gir imidlertid ikke mye klarhet i hva det er som fikk kuratorene til å tenke at arbeidet Winsor gjør var så viktig. Uten å bruke overdrivelser, påpeker det ganske enkelt om arbeidet "dens objekt-het eller, som Ellen Johnson, som siterer Rilke, sier, dens 'stubbete eksistens.'" Stykkene i MoMA-utstillingen delte en universell kvalitet som best kan beskrives som kommunikativ av grundig, langvarig innsats: de var bevis på arbeid. "Bound Square" (1972) ser så enkel ut som en enkel treinnramming, men milene med snor som er pakket rundt hjørnene skjuler faktumet at Winsor satt i utallige timer metodisk og bandt stykket sammen. "Four Corners" (1972) er en enkel oppstilling av fire runde former på gulvet, men hvor mange timer gikk med til å rulle ballene i form? På samme måte antyder de utallige spikrene som er drevet inn i den treoverflaten av "Nail Piece" (1970) en manisk kvalitet, mens det selvrefererende titulerte "30 to 1 Bound Trees" (1971-72) ser ut til å undersøke verdien av alt menneskelig arbeid i forhold til naturen.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Tre og snor. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., til ære for James Thrall Soby og Grace M. Mayer Fund til ære for Alfred H. Barr, Jr. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

Den første reaksjonen man kan ha når man møter skulpturer som "Bound Square," "Four Corners," "Nail Piece" og "30 to 1 Bound Trees" er å beundre den abstrakte enkelheten i formene. Kanskje føler man deretter en visceral tiltrekning til den rå fysiskheten i materialene—treet, hampen og metallet. Men det er i prosessen med endelig å forestille seg innsatsen som gikk inn i skapelsen av skulpturene at vår menneskelige forbindelse til disse formene og materialene når sitt høydepunkt. Det er da vi innser at de enkle geometriske formene ikke ble valgt bare for sine formelle abstrakte kvaliteter, men fordi de i størst grad egner seg for repetitivt, monotont arbeid. Å forestille seg følelsen av å holde treet og hampen og hammeren og spikrene i hendene våre time etter time knytter skulpturene til vår kjøtt og blod menneskelighet. Stykkene eksisterer faktisk sta til tross for vår evne til å beskrive dem, validere dem eller tildele dem mening; de okkuperer også sta intellektuell territorium, og feirer med sin eksistens den iboende vakre, men forvirrende naturen av all innsats.

Jackie Winsor - Brent stykke, 1977-78. Betong, brent tre og trådnett. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gave fra Agnes Gund. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

Slutten på etiketter

En av de mer tvilsomme etikettene som ofte har blitt tildelt Winsor er "Proseskunst", som er en måte å beskrive estetiske fenomener der sluttobjektet ikke er viktig – det er prosessen med å skape som betyr mest. Hva som forvirrer folk, uten tvil, om Winsor er at prosessen er så åpenbart avgjørende for hennes skapelser. Faktisk kunne ingenting hun lager komme til uten at hun ofte oppfant helt nye prosesser, som inkorporerer nye metoder og teknikker spesifikke, kanskje, bare for skapelsen av en bestemt skulptur. Så viktig som prosessene hennes er, forblir sluttobjektet avgjørende. Ja, det er resultatet av prosessen, og valideringen av prosessen, men det er også prosessens raison d’être. Uten visjonen Winsor hadde for et objekt, som sta eksisterer i virkelig rom og tid, ville prosessen ikke hatt noen grunn til å eksistere.

Jackie Winsor - Laminert kryssfiner, 1973. Kryssfiner. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gave fra Gilman Foundation til minne om J. Frederic Byers III. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

Et annet begrep som ofte tilskrives Winsor er Post-Minimalisme. Dette begrepet har også liten betydning for hennes arbeid. Post-minimalistisk kunst bruker minimalisme som et utgangspunkt, eller et referansepunkt, men omfavner ikke alle dens konseptuelle tro. Winsor skiller seg fra denne uklare beskrivelsen, og alle andre halvhjertede merkelapper. Som Marcel Duchamp er hun en en-kvinne kunstbevegelse. Hun bringer skulpturer til liv som selvsikkert snakker om hva det betyr å ha en tilstedeværelse; å inneholde tekstur; å opptre i rom; å være resultatet av arbeid. Hun lager kunst som erklærer at den har like mye rett til å være her som enhver stein eller tre eller skapning. Hennes skulpturer trenger ikke å bli validert av teori, eller forklart akademisk, for å kunne hevde sin egen agentur. De frigjør oss fra å måtte kategorisere, eller til og med forstå. Alt vi trenger å gjøre for å sette pris på hennes arbeid er rett og slett å sette pris på det for hva det utvilsomt er: konkret; abstrakt; esoterisk; eksentrisk; og menneskelig.

Fremhevet bilde: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hamp. 36 x 38 tommer. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio